All language subtitles for VEED-subtitles_6-Nuestra secuencia de thumbnails 1

Nuestra secuencia de thumbnails

Los thumbnails serán la esencia
de nuestra actuación de los personajes.

Los realizaremos detalladamente,
exploraremos ideas

y nos divertiremos creando expresiones
para los personajes.

Con tu material
listo para empezar a dibujar,

sea en físico o en la computadora,
iniciemos.

Los thumbnails son bocetos.

El término se hizo popular
con los animadores clásicos

porque son bocetos
que se hacen pequeñitos,

con rayones, sucios, así como los ves,

y normalmente son del tamaño
de la uña de un pulgar.

Entonces, ese es el término
que se empezó a utilizar.

Estos son de Disney
publicados por animationmeat.com

y son de la película "Los rescatadores".

Te fijas como en estos bocetos
van resolviendo gestos, posiciones.

Son trazos muy rápidos,

pero aquí es la parte
donde escogían el acting.

Cuando ves las animaciones
ya finales en las películas,

o a veces encontramos material
como los pencil test,

que es el puro dibujo a lápiz en video,

tal vez pudiera uno pensar
que se sentaron

y empezaron a dibujar
y quedaron esos dibujos maravillosos.

Pero como ves,
hay un proceso de planeación.

Si te fijas, aquí está el texto

y van ilustrando el texto
con los thumbnails.

Algunos están más elaborados
y otros son rayones,

pero fíjate que las acciones
están ya ahí marcadas

como una secuencia,
como una especie de cómic.

Tienen anotaciones, frases del diálogo.

Mira este.

Son unos rayones,

pero te resuelve ya toda la parte
de los movimientos del personaje,

su traslado.

Al animar 3D, podemos utilizar
este tipo de métodos

que se usaron antiguamente
y que fueron muy eficaces,

porque si tienes una libreta,
tienes un papel, lápiz y una pluma

y empiezas a hacer este tipo de bocetos

y resuelves el acting
de tus personajes desde el papel,

es mucho más fácil hacer cambios aquí.

Toma mucho más tiempo
el crear las poses en el programa de 3D

que hacer un boceto
y definirlo desde el papel.

En toda esta secuencia,

la mecánica está resuelta
desde los bocetos.

Realicemos los thumbnails
de nuestro proyecto.

Necesitaremos nuestra hoja de papel,

nuestro lápiz y pluma
para hacer los bocetos

o el programa de ilustración digital.

Necesitaremos Blender,
nuestro audio del diálogo.

Necesitaremos también
nuestro reel de referencias

y los bocetos
que hicimos antes de la grabación.

En esta secuencia de thumbnails,
haremos una guía que defina bien

nuestro rumbo a seguir
al hacer la animación.

Trataremos de resolver el acting,
las mecánicas y el timing

desde el papel,
usando el audio como guía.

Vamos primero con la parte de Blender.

Si no has abierto Blender
después de instalarlo,

en la pantalla de inicio
te viene esta opción,

y aquí puedes cambiar la navegación

entre estilo Blender
o estilo compatible con la industria,

que quiere decir que de Maya.

En esta ocasión lo escogeremos así
y si eres usuario de Maya,

ahora puedes navegar tal cual,

y también las teclas de transformación
como es Traslación, Rotación y Escala

serán tal cual como en Maya.

Esto te lo digo
por si eres usuario de otro software,

principalmente de Maya,
y estás empezando con Blender.

De esta manera
te sentirás cómodo para trabajar.

Solamente te diría que verifiques
en Edit, Preferencias, Navegación

y cheques que Zoom Axis
está en horizontal

porque a veces está en vertical.

Si está en horizontal, está bien.

Cuando hagas un cambio en preferencias,
hay que guardarlas aquí.

Estas tres rayitas,
el Salvar preferencias y listo.

Si agregas shortcuts
o cambias los que están por default,

después guarda las preferencias.

Vamos ahora a la parte
de revisar el audio.

Crearé una ventana para crearlas.

Te pones en la esquina
del panel que estés usando,

se activa una crucecita y arrastras.

En este cuadrito tienes los editores.

Escogemos el Video Sequencer.

Nos ponemos en el cuadro 1
para que el audio se importe allí

y aquí le damos Add, Sonido.

Aquí tenemos Encuentro_Audio.wav,
lo escogemos, dice Add Sound Strip,

entonces lo podemos seleccionar.

En esta pestañita
encontraremos esta opción

para que muestre la onda de audio.

Podemos panear
y hacer zoom y acercarnos.

Si no escuchamos nada,
escogemos esta opción, Playback.

Aquí le ponemos Synch to Audio
y también Scrubbing.

Aquí podemos cambiar el volumen
si es que está muy alto o muy bajo.

¡No puedo creerlo!

Ya tenemos nuestro audio aquí.

Con la barra espaciadora
das Play y detienes.

¡No puedo creerlo!

Eres un...

Ajustaremos nuestra línea de tiempo
a la duración del audio,

que es hasta el 260.

Entonces ponemos la flechita de Out.

Ya tenemos nuestro ajuste.

Empezamos en el cuadro 1
y terminamos en el 260.

Empecemos a encontrar los acentos.

A la vez vamos dibujando
y encontrando los acentos.

Los acentos son
esas partes importantes en la actuación

en donde hay mayor intensidad.

Muchas veces el audio
nos guía para encontrarlos.

En un momento
en que el audio es muy fuerte

y que la voz está con más emoción
es un buen momento para poner un acento

en el físico del personaje,
en sus gestos.

A veces los acentos
pueden ser en silencio

o puede ser un gesto muy sutil,
pero por lo general el audio nos guía.

Vamos a la parte que es en el papel.

Primero tenemos que anotar el audio
para que sea nuestra guía

y lo vamos vistiendo con dibujos.

En nuestra hoja en blanco
o en nuestro programa de dibujo digital,

ponemos primero el texto.

Hay que transcribirlo.

Yo acostumbro a ponerlo en partes.

Empecemos a vestirlo
revisando los acentos.

Regresamos a Blender.

Una cosa importante
es que puedes animar

sin fijarte en los cuadros,

en los frames
en los que pones las poses,

o puedes ser muy consciente
y hacer decisiones.

Por ejemplo, puedes animar
cada dos cuadros un key importante

y puedes usar los números nones.

De esta manera
preservarás esa estructura.

Eso le dará una sensación
un poco más tradicional a la animación,

como si fuera animación 2D.

Y de alguna manera te fuerza mentalmente
a que pienses más las poses,

a que tengan un mayor significado,
a que tengan una razón de ser.

Usaremos este método.

Yo no siempre lo uso así,

pero cuando quiero que algo
sea un poco más artístico, lo aplico.

El primer sonido
que me llama la atención

es la respiración.

Oigo el punto fuerte,
ese sonido, en el cuadro 9.

Es importante que al momento
de planear los acentos,

que los tomes en cuenta
unos cuadros antes

de lo que se oye el sonido.

Es parecido a lo del lip sync.

En el lip sync normalmente
usas la pose de la boca

dos cuadros antes del sonido.

De alguna manera cuando se reproduce,
se sincroniza.

Lo mismo pasa con los acentos,
pero un poco más extremo.

Para alcanzar que el ojo
perciba la imagen claramente,

se pone unos cuadros antes
de cuando realmente es el acento.

Puede ser hasta seis cuadros antes
o un promedio de cuatro, cinco o seis.

Si en el cuadro 9 está
el sonido fuerte de la respiración,

entonces anotaré el cuadro 5

para mantener los números nones.

Entonces regreso aquí
y haré una anotación.

Puedo poner el sonido de...

Así entiendo yo cómo se escucha.

Lo pondré aquí, en el cuadro 5.

Regreso a Blender.

En esta frase, "¡No puedo creerlo!"

En mi caso, en esta frase
siento que puedo...

Sube la intensidad
o como que puede dar pie

a una buena expresión en el cuerpo
y en la cara.

Usaré esa sílaba,
ese sonido para hacer mi acento.

Es en el cuadro 28.

Te recuerdo que si al mover el cursor
no escuchas,

tienes que prender aquí Scrubbing

y sin tu audio
para que se reproduzca en general.

Este es para que puedas hacer
el Scrubbing.

En el cuadro 28, en el "pue"
le quitaré algunos frames

y lo dejaré en el 25.

Aquí haré una anotación

que esta es la parte
donde tengo mi punto intenso.

Dijimos en el cuadro 25,
unos tres cuadros antes del sonido.

No es una guía tallada en piedra,
pero servirá bastante

para que tengamos un buen ritmo
con las acciones y con el sonido.

Esto es una fórmula genial
para que tus animaciones no sean planas.

A veces en nuestro proceso de aprender

ya dominamos ciertas cosas
de la técnica,

sabemos las herramientas,
sabemos animar algo

y que se vea limpio,
que se vea fluido, sólido,

pero nuestro timing,
nuestro ritmo está muy plano.

Todas las acciones se ven iguales,
falta darles un poco de dinamismo

y marcar más los acentos,
hacer más contraste.

Esta fórmula lleva su tiempo
y probablemente en algún momento

estés diciendo:
"Quiero empezar a animar"

y es normal.

Pero sí te recomiendo
que utilices estos métodos,

sobre todo en cosas
que quieres que queden bien

y también para aprender
a manejar el timing de una mejor manera.

Aquí usaré el "E" de "eres".

Cuadro 50.

Restamos unos 5 cuadros
para que quede en 45.

Lo marco, cuadro 45.

Ya que empecemos a poner las poses,

tomará sentido
esto que estamos haciendo.

Aquí, cuadro 85, en el "ay".

Le quitamos 4 cuadros
para que sea el 81.

Cuando hago la anotación,

desde un principio
ya le voy restando los cuadros

para que después no se me olvide.

Seguiré con este mismo proceso.

Te muestro más adelante el resultado.

Tenemos el texto ya revisado,
tenemos anotaciones para el timing

y dejamos espacios en blanco
para hacer los bocetos.

Tendremos a la mano
los dibujos previos que hicimos,

las referencias,
y trataremos de aterrizarlo todo.

Empecemos a vestir nuestro diálogo
con acciones, con los thumbnails.

Necesitamos primero
la parte en la que Lina se acerca.

Trabajaremos mayormente a Lina

porque la tomamos como nuestro personaje
que dirige la acción,

al menos la primera parte.

En el momento en el que Goolock
se roba el celular,

ahí Lina reacciona a Goolock.

Pero al principio ponemos
como que ella es la principal,

nos centraremos en ella primero.

Revisemos las referencias.

No copiaremos la referencia tal cual.

Buscaremos ciertos momentos clave,
nada más.

Aquí es donde un reproductor
cuadro por cuadro te sirve

porque muchas acciones son rápidas,
entonces las perderías de vista

y si revisas cuadro por cuadro,
es más fácil.

Se me hace interesante esta forma
en la que se acerca y se agacha,

se va de un lado,
entonces lo tendré en cuenta.

Las versiones
en las que se tapaba la cara

ya no me resultan tan interesantes,

pero sí la mano cerca del rostro,
como tímida.

Esta parte, estos giros de cabeza
y de los hombros y la cadera,

como en esa sensación
de ser introvertida, me gusta bastante.

Trataremos de mezclarlo también.

Cuando recién llega aquí esta parte,

su brazo está pegado al pecho
y voltea a ver,

entonces se encorva un poco
y empieza a caminar.

Bueno.

Trataré de mantener esa sensación
de que la espina está curvada.

Y el brazo no lo pondré
en la cara totalmente,

sino pegado un poco al pecho, levantado.

Quizá puedo doblar un poco la rodilla.

De la cara, un poco de sorpresa.

Regresemos.

Empieza a caminar y se agacha.

Entonces, pisa con la otra pierna.

Es importante concentrarnos mucho
en las poses clave de contacto

en donde el cuerpo
está en una posición estable

y se marca el peso.

Esas poses nos ayudan mucho a construir.

Quiero marcar bien
esto de que está doblado.

La cabeza, como veo en mi referencia,

se dobla un poco para arriba
y la expresión de sorpresa es mayor.

A veces los pasos los marco
con una flechita o algo así.

De igual manera, si hay un bajón
del cuerpo, del centro de gravedad,

también pongo alguna flechita,
alguna indicación,

o algún movimiento,
haría algunas líneas para marcarlo.

Los primeros ocho frames de la animación
no deberíamos hacer demasiado movimiento

porque es cuando el ojo
apenas está percibiendo la escena.

Si te fijas, estamos tomando
solamente cosas que nos interesan.

En el respiro, hay un respiro adelante,
aquí en el cuadro 5.

Eso debería ser una anticipación
en donde sube el cuerpo y respira,

precisamente toma aire.

Lo marcamos como anticipación

y a la vez parte de los pasos
de cuando empieza a caminar.

Hay que recordar
que el personaje es femenino

y mis referencias son masculinas,

entonces ten cuidado con darle
cierto toque femenino al cuerpo.

Más contraste entre la cadera
y los hombros.

La línea de acción más suave.

Los brazos más pegados al cuerpo,
más delicados.

Los movimientos y la cabeza
muchas veces con modelado.

Esos son elementos que normalmente
se aplican en personajes femeninos

cuando son más delicados.

Aquí marco que sube y que respira.

Cuando dice "no puedo creerlo",
es donde me gusta que esté...

Veamos la referencia.

...esta parte.

Si te fijas, aquí ya se empieza a ver
una línea de acción.

Lo caricaturizaremos,
exageraremos las cosas.

La forma del cuerpo,
una línea de acción,

que todo el cuerpo
apoye esa línea de acción

y que haya
alguna parte del cuerpo que guíe,

que tenga mayor fuerza
y que guíe los demás movimientos.

Si te fijas, tiene lógica con la pisada,
porque ahora es pisada con el otro pie.

Forcemos un poco la línea de acción
para que sea más dinámico,

que esté más alegre aquí.

Entonces...

Aquí la pierna ya pisó.

La otra pierna se queda un poco detrás.

Tal vez la puedo empujar más esta pose.

Puedo hacerla más encorvada

y que la pierna ya esté cercana

a la posición en la que quedará después,
como de cuclillas.

Las mandó más arriba
para que se vea más dinámico.

Algo así tal vez.

La cara más exagerada
de la felicidad.

Trata de marcar esta línea.

Cuando estemos acomodando el rig,

veremos qué controles movemos
para hacer la silueta.

De vez en cuando recordamos
revisar nuestros bocetos previos

por si alguna idea
se nos está escapando.

Por ejemplo, esta.

Hay que tener en cuenta
esta pose que me gustó mucho.

Para también generar contraste,
mayor movilidad,

podemos hacer subida, bajada, subida,

porque cuando está a punto de abrazarlo
está abajo

y luego sube otra vez y lo abraza.

Pero antes de esto, entre esto y esto,
quedaría todo el tiempo agachada.

Entonces baja, sube,
luego baja y abraza.

Tal vez podemos utilizar
alguna de las expresiones

donde se tapa la cara

o parecida a la que vimos
en los bocetos previos.

Una pose parecida a esta, a esta y esta.

Si te fijas, después de que avanzó,
pisó, bajó el cuerpo,

sube un poquito y luego ya se baja
a acariciar y apreciar al personaje.

El cuerpo sigue empujándose
hacia adelante todo el tiempo.

Podemos poner aquí
un movimiento de cabeza.

Primero sube, baja
y siguiendo la guía de la referencia,

me gusta la idea
de que toque la cara de Goolock.

Entonces la extiendo.

Esto nos está ayudando
a armar la secuencia.

No estamos siguiendo
una sola referencia paso a paso

ni nos estamos preocupando
por cada detalle del cuerpo

y del movimiento y el hombro
y la cadera.

Es como una guía.

Más adelante, cuando estemos haciendo
las poses en Blender,

seguiremos viendo la referencia,
seguimos tomando cosas,

pero al menos ya tenemos
una base más sólida.

Seguiré con este mismo proceso.

Te muestro más adelante el resultado.

Acá tenemos todos los thumbnails
o bocetos que hicimos para Lina.

Cada uno está basado
en las referencias que tenemos

y toman una acción en específico

que necesitamos conocer
para nuestra animación.