Original subtitles

La mayoría de las películas fueron dirigidas por hombres.

La mayoría de dichos clásicos fueron dirigidos por hombres.

Pero durante 13 décadas, en los seis continentes donde se hacen películas,

miles de mujeres también han dirigido películas.

Algunos de los mejores.

¿Qué películas hicieron?

¿Qué técnicas utilizaron?

¿Qué podemos aprender de ellos sobre el cine?

Repasemos las películas a través de los ojos de los directores.

Hagamos una nueva road movie a través del cine.

LAS MUJERES HACEN CINE

UN NUEVO ROAD FILM A TRAVÉS DEL CINE.

El apagón de la Segunda Guerra Mundial.

Un joven busca a su amada

caminando por las calles oscuras, iluminadas solo por su linterna.

Hasta que aparece un nuevo círculo de luz.

La música se ralentiza un poco.

Queda un obo y una flauta.

Los discos de luz se tocan, como dos lunas.

¿Fue la niña?

un eclipse

Corte a ese movimiento hacia arriba...

y vemos tus lágrimas.

Entonces, él.

Aquí, no es una felicidad fácil.

Surge una amenaza y tus luces se apagan.

Um belo mundo de cinema noir expressionista,

tal vez con un toque de "El tercer hombre".

Sin embargo, la película "Éramos jóvenes" es casi desconocida.

así como su excelente directora, Binka Zhelyazkova.

Fue el primer largometraje que dirigió sola,

y obtuvo el primer premio en el Festival de Cine de Moscú de 1962.

Más de la mitad de la población adulta de Bulgaria lo vio en el lanzamiento.

Zhelyazkova fue una cineasta absurdamente imaginativa.

Ahora un médico preocupado. Él busca algo.

Algún significado o propósito.

La cámara se vuelve hacia una mujer amable.

¿Te gustaría una manzana?

Mira hacia el techo del hangar.

Estamos por cima dele, e a c�mera est� tremendo.

Por qu�?

Porque estamos despegando.

Un fantástico zócalo de grúa.

Ent�o, este plano fechado. A Cruz Vermelha.

Vemos el momento en que te llama la atención,

y eso se quita.

Así que está en el helicóptero, en una nueva vida,

con un nuevo papel como médico de la Cruz Roja.

Una epifanía sin palabras.

O filme se chama "Tú y yo",

uno de los mayores autores de tragedias

y pensadores visuales del cine, la ucraniana Larisa Shepitko.

"You and Me" es una obra maestra, pero casi nunca se muestra.

-Kolya, déjame volar. -Pregúntale al jefe.

Aquí, una de las películas más completas en su diseño.

Un coral, conjuntos pintados, colores intensos,

Tiene una hermosa ligereza cinematográfica.

Cinco an�is dourados.

Cinco an�is dourados.

Cinco an�is dourados.

At� que...

Tres gallinas francesas Dos palomas.

Y una perdiz en un peral.

Una joya visual cómica y ertímica que debería ser un clásico navideño.

mas este filme brit�nico de Wendy Toye raramente � mencionado.

Nunca ha habido un buen número de mujeres cineastas.

A ind�stria cinematogr�fica � machista por omiss�o.

Es un club de chicos.

Pero las grandes películas fueron hechas por mujeres,

como muestran estos videos, pero algunos se han pasado por alto.

A hist�ria do cinema tem sido machista por omiss�o.

Es cine, es una road movie,

Se trata del trabajo de algunos de los grandes cineastas.

Por ejemplo, Kira Muratova,

uno de los cineastas más originales del cine.

Esta es una escena de su primer largometraje, "Breves encuentros".

La propria Muratova entra en cena,

interpretando a una mujer soviética del comité del distrito local.

La niña es del campo, y el nuevo camino de la ciudad conduce a su casa.

Nos acercamos a la nuca de la niña.

Entonces, ¿por qué te vas?

Así que un buen corte en tu cabello,

pero ahora a la luz del sol, en el soplo de una brisa.

ella se vuelve...

Es un gran cambio de enfoque para dos mujeres en el camino.

No me gusta el sol en invierno.

Me gusta la nieve, blanda y espesa.

Entonces cortamos a las dos mujeres en el fondo,

y uno de ellos es la chica anterior.

¿Cómo puede estar en el fondo de la imagen misma?

Tres tomas. La mujer tres veces:

Desear, imaginar, hablar.

¿Y el sello en el pasaporte?

¡Cómo dices tonterías!

¡Casi tomo el pasaporte, pero tú me lo quitaste!

Complejo y hermoso, es uno de los grandes momentos del cine.

Hay cierto toque de "City of Dreams" de David Lynch.

� "Lyncheano".

Pero, ¿por qué tenemos que usar la palabra "Lynchean"?

¿Por qué los cinéfilos no llaman a algo como esto "Muratovano"?

Voy a ganar mucho dinero y volver pronto a casa.

¡Conduce!

Nadie me da órdenes.

Si me gusta, ni siquiera volveré.

Voy a comprar botas de verdad. No los de fieltro.

Me gusta el sonido que hace la nieve bajo mis botas.

Volvemos a nuestra road movie.

El siguiente extracto no trata sobre la vida de los directores.

N�o � hist�ria cronol�gica.

No es un análisis de cómo las directoras son diferentes de los directores masculinos.

Y no es una de esas listas de las mejores películas jamás hechas.

No, tus líneas son más claras que eso.

Nuestra película trata sobre las películas, las escenas,

responde preguntas prácticas.

¿Cómo comenzar una película de una manera interesante?

¿Cómo establecer tu tono?

Como torn�-lo cr�vel?

¿Cómo presentar un personaje de manera inventiva?

¿Cómo hacer un seguimiento mágico?

El tipo de preguntas que uno hace al hacer o ver películas.

Y escenas oníricas, coreografías de baile,

¿lugares de trabajo o política?

Como filmar corpos?

¿Cuál es la mejor manera de demostrar amor?

¿Tensión, memoria o muerte?

Vamos a hacer 40 preguntas en 40 capítulos.

40 soportes de carretera.

40 historias sobre lo mejor del cine.

Es una especie de escuela de cine.

en el que todos los profesores son mujeres.

Una Academia de Venus.

Está lleno de ejemplos, cientos de ejemplos,

un montaje de escenas de películas de todo el mundo,

y muchas décadas.

Tal vez tus películas favoritas no están aquí,

o tus directores favoritos.

No estamos tratando de ser tan exhaustivos.

Incluso evitamos algunas películas más famosas.

Pero habrá sorpresas. Revelaciones.

Es posible que te sientas enojado porque ignoramos grandes películas.

Pero también puedes disfrutar del cine.

y las mujeres pioneras que nos abrieron puertas.

Empecemos desde el principio.

¿Qué hace una buena escena de apertura o toma?

ABERTURAS

En la China de 1965, el director Wang Ping abre esta película épica

con la llegada del público.

Una arquitectura monumental.

Seguimiento a la derecha.

Y luego adelante.

Luego, una grúa disparó en este palacio de mármol.

La gente es como un río, la música es como un río.

Una gran llegada.

Wang Ping fue actriz en la década de 1940, luego directora,

una de las primeras mujeres de China en 1952.

Al igual que su país y su política en ese momento,

ella tenía una noción de escala,

de la fascinación que hay en el principio.

Una vista panorámica hacia la cortina,

y el tipo de películas que solemos ver.

Un logotipo de Hollywood anuncia una película.

CREPÚSCULO SANGRIENTO

Dirigido por Dorothy Arzner, a �nica diretora

en décadas de la época dorada del cine estadounidense.

Comienza con un plan abierto de la ciudad.

Después se acerca, también desde arriba, pero en una sola calle,

y sigue acercándose más y más.

Te sientes flotando en la historia,

sin fricción, como un globo aerostático.

Hasta que llegan los nazis y la música cambia.

La ciudad agradable es invadida.

Hay una serpiente en el Edén.

Y ahí aparece, desde la esquina derecha, una estrella de cine:

Merle Oberón. Con tu pelo y tus hombreras.

Entonces un hombre dice:

Traidora!

Muchas películas de la época comenzaban con planos abiertos,

que cerraban: País, ciudad, calle, persona.

De la sociedad a la psicología.

Pero mira este tiro de apertura.

Es todo lo contrario: aquí no hay paisaje urbano,

no ruas, no prdios.

A diretora tunisiana Moufida Tlatli come�a de perto,

fijo en el rostro del protagonista.

El mundo está fuera de marco.

Ella parece preocupada y canta un lamento.

¿Para quien? ¿Acerca de?

No fuimos informados. Oímos conversaciones de fondo.

Entonces, un plan abierto, con seguimiento.

La gente la ignora. Es un cantante de bodas.

Tlatli, que se tornou ministra da cultura da Tun�sia

después de empezar como editora, hizo todo lo contrario:

Planta cerrada, luego planta abierta.

Como aperturas de Arzner y Tlatli s o seduce.

Suaves.

Pero a Kathryn Bigelow le gusta bucear.

PLACERES EXTRAÑOS

-Listo listo. -¡Estoy grabando!

¡Loco, espera a que me ponga una máscara! ¿Quieres identificarme?

Cámara en mano. Pánico en imagen y sonido.

¡No me llames cobarde, te identificaré!

¡Pasa esa porquería por aquí!

Nada se establece, nada se introduce.

No sabemos de quién es el auto o por qué estamos en él.

Es como estar en un submarino, bajo el agua.

Vete a la mierda!

¡Aquí, gira a la derecha! ¡A la derecha!

Calma, calma! Calma!

¡Fuego!

¡Fuego!

En 1976, el estreno del gran documental de Barbara Kopple,

"Condado de Harlan, EE. UU." mostró por qué funciona el buceo.

Una explosión en una mina.

Barra limpa!

Entonces, estás acostado boca abajo, como en un trineo.

No busques tu fortuna Abajo en la mina.

Y enciendes la luz porque te estás sumergiendo en la oscuridad,

profundamente, mina adentro, hist�ria adentro, cinema adentro.

Uno de los grandes estrenos del cine.

Oscuro como una mazmorra, húmedo como el rocío.

Esta apertura muestra por qué una zambullida es tan poderosa.

Literalmente nos sumergimos aquí.

Luego, relieves e imágenes casi pintorescas de la naturaleza.

INOCENCIA

Pero, ¿por qué estamos mirando por una alcantarilla?

Luego nos acercamos, hay un rugido...

Estamos bajo tierra, en túneles.

Con algunas tomas más, empezamos a darnos cuenta

donde la directora francesa Lucile Hadzihalilovic

realmente quiere llevarnos, a otro tipo de metro:

Nuestro subconsciente.

Y escuchamos su rugido.

Los planos abiertos, medios y cerrados iluminan la historia,

en el que vemos un mundo y un personaje inserto en él,

pero el chapuzón es un oscurecimiento.

Es más como una pesadilla. Día y noche.

Pero flotar o sumergirse en el mundo son solo dos formas de abrir una película.

Ambos ven el mundo del cine como una sola cosa.

Muchos grandes cineastas no hacen eso.

Dividieron el mundo del cine en pedazos,

que nos presentan uno a la vez, un tono a la vez,

Una cosa a la vez.

Como ejemplo, tenemos esta película,

"What's Coming" de la directora francesa Mia Hansen-Love.

No hay flotación, no hay buceo.

En su lugar, una escena aparentemente poco interesante.

Un barco. Vemos a 5 personas.

La cámara avanza con incertidumbre.

Y comienza a favorecer a la mujer de la izquierda.

Pero solo podemos ver la parte de atrás de su cabeza.

¡Nathalie!

Panorámica del hombre de la derecha.

¿Quién es nuestro enfoque aquí? ¿Quién será nuestro protagonista?

Esta apertura puede llamarse misteriosa.

Nos hace preguntar, "¿Quién?"

Esta película hace lo mismo.

La composición es similar, pero la mujer está a la derecha ahora.

Estamos detrás de ella otra vez, y esta vez, la cámara ni siquiera se mueve.

¿Cómo te ves? ¿Por qué estás tan quieto?

La cama es una cama individual y parece una cama plegable.

¿Se ha mudado a alguna parte? ¿Estaba deprimida?

Preguntas, preguntas.

Misteriosas aperturas nos hacen preguntarnos.

Chantal Akerman dirige y protagoniza la película, y volverá a aparecer en nuestra historia.

Directora, bailarina y coreógrafa Wendy Toye

abrió su comedia "Todo por María" con la idea de centrarse en los pies.

Las imágenes son lo primero que vemos en su mundo.

En ellos vemos glamour y clase.

Algunas personas esperan mientras ella se mueve al frente de la fila.

Las dos primeras tomas de "Sweetie" de Jane Campion

llevar adelante esta idea.

Vuelve a ponerte las piernas.

El personaje habla de árboles, y por lo tanto,

la alfombra y las sombras nos hacen pensar en árboles.

Ent�o, esta bela tomada.

M�o, bra�o, boca.

Partes del cuerpo de nuevo, pero con una grúa,

y también estamos flotando en la historia.

Y la alfombra, ahora desenfocada, se parece aún más a un árbol.

Dos tipos de aberturas juntas, formando una.

Tal vez por eso le tengo miedo a los árboles.

No necesitamos partes del cuerpo para empezar con las cosas.

Mira esta animación, "Thumbbell".

Un plano abierto muy simple, como algo que hemos visto antes.

Pero luego, una fusión nos lleva a un objeto.

Una flor.

Lotte Reiniger tiene siluetas animadas desde 1919, durante 61 años.

El arte chino fue una de sus influencias.

Huyó de los nazis en la Segunda Guerra Mundial.

Ningún país te ha concedido un visado de residencia,

pero ella siguió trabajando.

LAS DOS CARAS DE LA FELICIDAD

En esta película, Agnes Varda comienza con una cosa, en este caso, una flor.

Un girasol revolotea al viento, al son de los instrumentos de viento.

Pétalos y señales amarillas.

Algo sencillo y claro para empezar.

Al fondo, fuera de foco, se acerca una familia.

A medida que se desarrolla la película, nos encontramos con ellos,

especialmente el trabajo del padre.

La imagen parece decirnos que algo se avecina,

como una tormenta

Pero por ahora, empecemos con una cosa, una flor.

Esta fue la octava película del director belga-francés Agnes Varda.

Fue una de las líderes de la Nueva Ola francesa.

Conocimos nuestras películas flotando, descendiendo, buceando,

a través de misterios, partes de cuerpos y objetos.

Otra forma es a través del tiempo.

Es bueno comenzar una película con el comienzo de un día.

En este, parece que vamos a empezar de nuevo con las plantas,

pero cortamos a un hombre en su cama,

y luego más plantas.

Y las mujeres, hasta que nos damos cuenta de que el hombre está soñando.

Ent�o, ele se levanta e abre as cortinas.

Cielo nublado. La cámara gira.

Está desorientado, como puede estarlo el comienzo de un día,

como puede ser el comienzo de una película.

En esta animacion impresionante de Alison De Vere,

de nuevo empezamos por la mañana, en la cama.

Un perro negro se asoma, y ​​por alguna razón,

el mundo se derrumba.

Entonces suena la alarma.

Hasta que el caos golpea cerca de casa.

De Vere fue director de diseño de "Yellow Submarine" de The Beatles.

Esta película, "El Perro Negro", nos traslada a un Egipto de ensueño,

y es uno de los más surrealistas.

Aquí, una escena de apertura de uno de los

cineastas más originales de las últimas décadas.

Una mano que podría ser de un cuadro de Ingres,

y esta oreja.

Podríamos haber vuelto a las partes del cuerpo,

pero la luz tenue indica que es de mañana.

Los pájaros ya se han despertado y los niños pronto se despertarán.

Hay una cualidad onírica en el amanecer.

Unidad chalet!

Entonces, voces.

¡Despertad, haced vuestras camas!

Un altavoz...

otro tipo de alarma.

Y la cámara es más móvil.

Sentimos el realismo de un día que empieza así,

Pero, ¿qué pasa con las películas que comienzan más míticamente que real?

Hoy, al mediodía, una niña de la historia se convertirá en mujer.

Estaremos en Irán y ella tendrá que usar un velo.

El primer plano se asemeja a un velo.

A través de ella, solo podemos ver una parte del horizonte.

Entonces una mujer velada revela el mar.

Un niño abre la puerta,

pero la chica a la que llama no está disponible.

Hoy se convertirá en mujer.

Está en esa tienda, donde no se puede ver.

Es una pupa, pero en lugar de mudar su piel,

pondre uno mas.

S�o 10:30h, est� atrasada para a escola.

-Quero ver a Hava. -V� embora.

-¿Donde esta ella? -No sé.

-Ve a jugar con los chicos. - No lo haré.

Hawai es ahora una mujer, ya no una niña.

Ahí está ella.

Una escena de apertura donde se ponen y se quitan los velos.

-Vamos. -¿Qué?

Vamos, a vov� vai explicar.

-¿Por qué no explicas? -Baja primero. Vamos.

¿Qué me vas a comprar?

La abuela lo dirá. Me voy.

-¿Qué te dijo que hicieras? -Ser pastor.

Yo fallé.

La hijastra de Meshkini, Samira Makhmalbaf,

hizo una de las escenas iniciales más simbólicas

del cine en su película "La Pizarra".

Estamos no Curdist�o.

Tomas de cámara en manos de profesores con pizarras.

Las pizarras son tus herramientas de trabajo, por supuesto,

pero desde el principio, Makhmalbaf multiplica su impacto.

A veces los hombres parecen una bandada de pájaros negros.

Así que la amenaza de los ataques con armas químicas de Saddam Hussein

convierte las pizarras en refugios.

Luego, en esta película inmersiva y expresiva,

una pizarra se convierte en camilla para llevar a un enfermo,

una férula para una pierna rota,

una división entre un hombre y una mujer,

para que no se puedan ver,

e a porta de uma casa improvisada.

V�rios s�mbolos, todos utilizados nesta poderosa cena de abertura.

Se ha ido, puedes levantarte.

Vamos logo!

Ya hemos analizado el espacio, el misterio, los objetos,

el tiempo, los mitos y el simbolismo en las escenas iniciales de las películas,

pero aún no hemos hablado de la trama.

Por lo general, la historia tarda un tiempo en comenzar,

pero hay grandes ejemplos donde comienza desde el principio,

rápidamente, como un chasquido de dedos.

Na Gr�cia, Athena Rachel Tsangari

llena su escena inicial con una sorpresa.

Tu franqueza no es zambullirse, ni flotar, ni misterio.

No pasamos de planta abierta a planta cerrada.

En cambio, la mirada es fija.

El beso es exagerado. ¿Quiénes son estas mujeres?

¿Por qué se besan tan torpemente?

¿Es eso siquiera un beso?

Estamos enganchados.

¿Te gustó?

En Alemania, 9 años antes,

Valeska Grisebach usó la misma idea inicial:

El beso con impacto, pero en círculo.

Golpes de labios en letras. Un comienzo entrecortado.

¡Beso! ¡Beso!

Estas 5 aperturas que hemos visto comienzan con esto

grieta en la historia, o un dilema, una tensión.

Usa elementos de escala, misterio, buceo, mito o comedia.

preparar el terreno de la película, abrir de par en par su puerta,

para quitarte el velo.

En "The Visitor", de Lola Randl, estamos en un coche, en una toma de perfil.

Muy simple. Tal vez incluso demasiado para una apertura.

¿Por qué la miramos tanto?

No pasa nada.

Ent�o...

¡Culo!

Otra instantánea de la historia.

En "Time to Die", la directora polaca Dorota Kedzierzawska

comienza con una ventana.

Así que una buena dama,

interpretada por la famosa actriz Danuta Szaflarska,

que participó en el Levantamiento de Varsovia.

Buen día. ¿Disculpe me permite entrar?

Debe ser una especie de drama social.

¿Puedo entrar?

Entre.

Quítate la ropa y acuéstate.

¿Cómo está, doctor?

Quítate la ropa y acuéstate.

Vete a la mierda!

Pero luego, el chasquido, y ella se ha ido,

recibiendo bocinazos de coches borrosos.

Ella es distante y vulnerable.

¡Pero qué manera de hablar! ¿Qué más iba a decir?

Kedzierzawska, la directora, ya nos ha enganchado.

Que perdida de tiempo. ¿Por qué fui a ese médico?

Solo empeoran su situación.

¿Dónde ha visto alguna vez a un médico capacitado hablar con una dama así?

O come�o do aflitivo "Butter On the Latch", de Josephine Decker,

hay un incidente que también nos engancha.

Estamos cerca de la mujer, con un enfoque superficial.

Luego una llamada telefónica y una repentina aprensión.

¿Tony?

¿Qué quieres decir con que no sabes dónde estás?

La cámara no parece saber dónde mirar.

Continuamos escuchando. El miedo aumenta.

¡Fuera de la casa, fuera!

¡No los conoces!

No necesitas los zapatos, ¡sal de la casa!

¿Estás despertando? ¡Salga ahora!

¿Como asi? ¿Dónde estabas anoche?

¿En Nueva York?

Los cortes son más rápidos, las imágenes parecen más perdidas.

¿Estás en la calle?

¿Qué estas viendo?

¿Un asiento de bicicleta? Vale todo.

Un chapuzón, como el de Kathryn Bigelow,

pero aquí, la inmersión está directamente ligada a la trama.

El pánico de la trama.

Hablando de pánico, estamos de vuelta en Polonia.

Una sonrisa interrumpida por una carrera.

A �LTIMA ETAPA

Pero ni siquiera el otro lado de la calle es seguro.

Así que vuelven aquí,

hay una pequeña panorámica a la derecha.

Pero entonces, llega un soldado alemán,

y la sartén va más y más a la izquierda,

todavía sin cortar.

Entonces son empujados, avergonzados y deportados.

Hasta que la temida fusión de imágenes llega al temido lugar:

Auschwitz.

Lo sorprendente es que la directora y guionista Wanda Jakubowska

fue un prisionero en Auschwitz, y ahora,

apenas un año después de su liberación, regresó como cineasta,

rodando esta película, "El último paso".

Es una obra de arte.

Concluimos este apartado de inicios

con algo menos dramático, pero no menos complejo.

árboles, pimientos.

¿Una tormenta? Una corazonada.

Entonces, los objetos que a los directores les gusta usar al comienzo de la película.

Plan abierto, luego cerrado.

A bebida � entornada.

No es una fiesta elegante para beber.

Entonces la copa se convierte en una campana.

¿Qué es ese ruido metálico?

Partes de corpos, celulite,

vientres, cigarrillos, un crujido.

No nos sumergimos ni flotamos, pero ciertamente entramos en este mundo.

Conseguimos escut�-lo, senti-lo, sentir seu gosto.

Lucrecia Martel sugere sociedade, inquietude, decad�ncia.

Tu mundo se desplegará.

OPTANO

¿Cómo se desarrollan los mundos en las películas?

Es nuestra próxima pregunta.

Después de la inauguración, cada uno de estos directores

Tengo que establecer un tono, hacernos creer en él

y presentar a sus personajes.

Serán los próximos tres capítulos de nuestra historia,

la historia sobre los elementos de una buena película.

TOMÁS

¿Cuál es el tono de una película?

Ni su historia ni su tema,

sino la sensación de que tu mundo pasa.

Esta escena de la época dorada de Hollywood nos ayuda a entender.

Dos personas de perfil, primer plano.

Una lente larga, con un enfoque superficial.

Nada más que la pareja. El mundo está excluido.

Tú también me gustas, Joanie. Es muy bonito.

Gracias. Quieres decir, alcohólicamente hablando.

No, es verdad. Creo que eres genial, y me gustan tus manos.

S�o lindas.

Suave luar.

Está borracho, pero también lo estaba el cine romántico.

Es la embriaguez de la imagen, podemos llamarlo "moonshine".

El estado de ánimo glamoroso y amoroso marca el tono de la película.

Nos presenta su melodía, así como una partitura

nos dice si estamos en un acorde mayor o menor.

Cada gran género cinematográfico tiene una firma específica.

Um exemplo � este filme, "Wanda", de Barbara Loden.

Luz natural. Sonidos feos y reales.

Un mundo contaminado.

La mirada impasible de la abuela.

tu rosario

Entonces, un niño, y una lata de cerveza,

y la bandera americana.

El llanto del niño es penetrante.

El director, Loden, interpreta a la madre.

N�o h� m�sica para ado�ar esta cena.

El realismo social en el cine no suele utilizar la música,

iluminación o enchufes elegantes con seguimiento.

Busca un tono crudo y sin adornos.

N�o� de escapista.

Quiere mostrar que los personajes no pueden escapar

de las realidades de un niño que grita,

ou do mal-estar social.

Compara "Wanda" con esta película.

Una familia llega a su nuevo hogar. Es un hermoso día.

Cerca branca.

Clase media estadounidense, hermosa, feliz.

Viva!

¿Qué pasa?

-¿Que crees? -¡maravilloso!

Así que el hijo menor se queda solo.

Este gato.

Un sonido discordante.

Luego el rugido de un camión.

Esto no es realismo social, sino el género de terror.

La amenaza para el chico no es social,

� menos tr�gica.

No señor. No en este camino.

Se trata más de adrenalina, un tono diferente,

una firma diferente.

El camión es una bestia que vino a recordarles

que frágil es tu felicidad.

yo vivo por ahi Cuidado con este camino.

Los camiones pasan todo el día, y la mayor parte de la noche.

"Y en Arcadia estoy".

"Gótico americano".

O que notamos � a amea�a.

Tom no es tanto una cuestión de personajes o trama.

Es lo que sucede cuando la historia no está sucediendo realmente.

Es el mundo de la historia, sus reglas y su lógica.

Vamos saltar do horror para outro g�nero.

Fic��o cient�fica.

¿Cuál es la firma aquí?

Ese de la máscara soy yo. ¡No, el otro en la máscara!

Ella es una chica real, pero montando un búfalo.

Tanto ela quanto o animal vestem objetos reutilizados.

Algo sucedió, una especie de apocalipsis.

Pero ella es jovial. El tono es jovial.

Gr�fico, c�mico.

Ella no está sacudida por este apocalipsis.

Sobras de Rippers!

Los Destripadores son un ejército demoníaco.

de criaturas mutadas sedientas de sangre, que comen personas y roban carteras.

Testigo. Evidencia 1.

¡Eww, él está realmente muerto!

Su líder es Johnny Prophet.

Futurismo de la ciencia ficción del cómic

suele tener un tono rebelde, punk y aventurero.

Los géneros tradicionales tienen firmas claras,

pero los tonos de muchas grandes películas son menos predecibles.

Volvemos a Wendy Toye, en su clásico corto "On the Twelfth Day".

Una escena de tarjeta de Navidad, azul y rosa,

con una flauta feliz en la banda sonora.

Ele anda com pisadas cadenciadas.

Es como si estuviéramos en una opereta ligera de Strauss,

con imágenes dulces, galletas navideñas y códigos de sonido.

El tono es juguetón, es encantador.

Ningún mal sucederá en este mundo.

En el primer día de Navidad Mi amor me dio.

Una perdiz en un peral.

Hay dos intenciones en esta escena que marcan la pauta.

en "Beira Mar", de Angelina Jolie.

Una pareja entra en la habitación del hotel y ella se quita las gafas de sol.

El diseño de la habitación parece un decorado de teatro,

con color crema.

Tu ropa combina. Es un mundo de cachemira.

Armaron un nuevo diseño. Ellos reorganizan las cosas.

Se cruzan como lo han hecho cientos de veces.

Es una pareja angustiada.

Que som � esse?

es el mar

Deberíamos querer mirar hacia otro lado, pero en cambio,

somos atra�dos � beleza.

Es un tira y afloja.

No hay radio. Trataré de arreglar uno mañana.

Luego le ajusta las gafas.

Ser� que ele tenta ajust�-la tamb�m?

O curta "Peel", de Jane Campion, eleva a tens�o.

Los signos iniciales forman un triángulo con los 3 caracteres.

TIM, HERMANO Y PADRE KATIE, HERMANA Y TÍA

BEN, HIJO Y SOBRINO

UNA HISTORIA VERDADERA UNA FAMILIA VERDADERA

Rebotando, rebotando.

Una tía enfadada.

Si no quieres otra opinión, no preguntes.

Padre, hijo, cada uno con su salida.

Realmente era un terreno muy feo.

Es mi opinión.

Una mosca atrapada. El hijo es desobediente.

Planes cerrados. Un mundo fragmentado.

Película mosaico.

La tensión de tres personas que no quieren estar juntas.

¡Te dije que no lo tiraras!

El voltaje de este triángulo.

N�o!

Esta escena de "Good Job" de Claire Denis,

busca um tom igualmente complexo.

Un tanque, pero sin el mundo jovial de "Tank Girl".

En su lugar, este rastreo casi deprimente,

e um coral que parece ser religioso.

Entonces, cuerpos.

Una especie de adoración.

¿Estarían adorando al sol?

¿Tenían las manos en alto en señal de rendición?

Sí, en cierto modo, al menos a los ojos de Claire Denis.

Es un mundo de hombres, pero aquí no hay agresión.

Hay gracia, no hay guerra.

Son soldados, pero en un mundo lírico.

El tono es doble.

Entremos más en esta idea de los tonos duales.

Em "Olivia", de Jacqueline Audry,

una institutriz llega a una escuela de niñas.

Una mano toca sus nalgas.

Las chicas usan vestidos con volantes.

Con un gran lazo alrededor de su cuello, mira este mundo con asombro.

Oh, no, señora.

Y una grúa le disparó al director,

con más adornos que la nueva ama de llaves.

¡Aquí viene ella!

Quando a aula acaba, Mimi fica toda sorridente.

Y las cortinas drapeadas, y la curva de la escalera y la grúa.

Luces salpicadas, con muchos toques y decoraciones.

Una vez más, el tono lo marca la decoración,

el lenguaje corporal y el formato de los movimientos de cámara.

La vieja idea de lo femenino es omnipresente aquí,

pero los toques de sexualidad traen notas adicionales.

Anna, tienes fuego irlandés en los ojos, ¡ve a romper otro plato!

Esta película alemana tiene el mismo escenario,

una escuela de niñas, y una historia similar.

Pero mira qué diferente es el tono.

Robustas columnas clásicas, esculturas en apuros.

Una bocina militar. Más peleas.

Así que chicas marchando con galones de hombre.

Esto es de años antes de los horrores de los campos de concentración.

Militar.

Cabezas abajo.

El tono de la película de Leontine Sagan es el opuesto al de Audry.

O contraste nos permite ver como o tom � definido:

A través de todos los códigos visuales y sonoros.

"Buen trabajo" de Claire Denis

junta a masculinidade de "Madchen in Uniform"

con la feminidad de "Olivia".

Los 3 están ambientados en mundos de un solo sexo.

Pero las siguientes dos escenas muestran que el tono no se trata solo de estilo, diseño, imágenes y música.

También puede tratarse de las cuestiones más profundas del ser humano.

Volvemos a la directora ruso-ucraniana Kira Muratova.

Un tramoyista en un teatro ucraniano choca contra...

sobre el cuerpo colgado de un actor que se ahorcó.

El tono podría ser trágico....

pero las palabras del tramoyista son irreverentes.

Boryslov... ¡Idiota!

Ese idiota se ahorcó.

Desdeñoso, imperturbable.

La fantasía brillante se suma a la sensación ligeramente absurda.

Ent�o, esta tomada.

De lado.

Entonces, un fascinante tiro de grúa,

conforme o corpo cai lentamente.

La decoración escenográfica y el sonido de un piano.

añaden una belleza inesperada a la tragedia y la irreverencia.

Una mezcla tonal compleja.

La muerte de Jared Leto en 'American Psycho'

lleva esta complejidad tonal aún más lejos.

Es el apartamento blanco del banquero Patrick Bateman en Nueva York.

En tu mundo, la ropa, tu gusto por la música

y en que buen restaurante se puede conseguir una mesa

significan más que la vida y la muerte.

Rock blando cursi y el estilo cómico de Christian Bale.

"Hip to Be Square" - t�o contagioso

que la mayoría no escucha la letra, pero deberían...

Es absurdo, como lo son sus valores.

Él hace una de las cosas más brutales imaginables.

¡No, Pablo!

Intenta reservar Dorsia ahora,

¡Hijo de puta, bastardo!

Es un frenesí, pero el tono es risible, al igual que él.

Carece de seriedad moral, y la película,

como el libro original, se atreve a seguir esa línea.

Un cigarro posterior a la masacre.

Voy a desenterrar este espécimen y lo llevaré a casa para clasificarlo.

La comedia "The Fortune Hunter", de Elaine May,

tiene un tono igualmente estimulante.

Walter Matthau se casó con una mujer rica.

Están de luna de miel y él ya está leyendo un libro de toxicología.

planejando assassin�-la.

Ella está en el fondo, atada con una cuerda,

y fácilmente podría deshacerse de ella,

pero es demasiado lento para darse cuenta.

Un asesino incompetente.

Moralmente, estaríamos indignados por su flagrante misoginia,

pero May nos convence de que en este mundo la amenaza no es trágica.

Las reglas del juego son cómicas.

"Suele encontrarse entre las herramientas de jardinería".

Perfecto.

"American Psycho" y "El cazador de fortunas"

revelan una pregunta esencial sobre el tono de una película:

"¿Cuál es la importancia de la muerte?" "¿Cuánto sufrimiento se transmite?"

Nuestra última película es una obra maestra del tono.

NOCHE DECISIVA

En blanco y negro.

Así que este impresionante momento.

Ahora la lluvia es como la de Tarkovsky.

¿Y estaba en el tren?

Tantos tons...

Acuático, terciopelo, noir,

onírico, flotante,

violento, apocal�ptico.

Esperamos a que el niño se despierte.

Y en realidad se despierta.

Pero adivina qué, la vida real para él,

como veremos más adelante, tiene un tono igualmente impresionante.

En cierto modo, la película de Pirjo Honkasalo tiene un tono propio.

Algo hermoso y raro.