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Les Inventeurs

- Faire jouer la lumière pour produire une image

sans avoir besoin de dessiner ni de peindre.

Bien avant l'invention de la photographie,

on a eu l'idée de projeter des ombres pour tenter de saisir

une image du réel.

Au 18e siècle, on a su la fixer grâce à des appareils

comme cette étrange chaise dite machine à tirer des portraits.

L'ombre du modèle est projetée sur une feuille.

Il suffit d'en dessiner le contour, de le découper

puis de le monter sur un fond de couleur.

Nobles et bourgeois se faisaient ainsi tracer leur silhouette,

comme on le disait à l'époque,

un moyen rapide d'avoir son portrait à bon compte.

Un pas de plus est franchi quand on comprend

que la lumière elle-même peut dessiner ou laisser une empreinte.

Dès le Moyen Age, on a eu l'idée

d'estampiller des fruits grâce au seul effet des rayons du soleil.

Il suffisait d'appliquer un cache sur le fruit qui, en mûrissant,

se pigmentait tout autour de la zone protégée par le masque.

Cette propriété à se transformer naturellement

sous l'action de la lumière est appelée la photosensibilité.

Certains corps chimiques comme les sels d'argent

réagissent eux aussi à la lumière : ils noircissent.

A la différence des pigments d'un fruit, on peut les isoler,

les diluer et les étaler sur une feuille de papier

que l'on rend du même coup artificiellement photosensible.

Le premier a avoir eu l'idée de produire une image en exploitant

le noircissement des sels d'argent est L'Anglais

Wedgwood qui, en 1802, réalise des photogrammes.

Il pose des ailes de papillons sur du papier sensibilisé qu'il expose

quelques minutes au soleil. Les sels noircissent la feuille,

l'empreinte négative

du papillon est dessinée.

Cette image obtenue par contact est aussi éphémère que les papillons

car Wedgwood ne sait comment arrêter le processus pour fixer

son image. La feuille entière continue à noircir.

Il ne reste aujourd'hui aucune trace de ces premiers photogrammes.

Quelques années plus tard, L'Anglais Fox Talbot réalise aussi

des empreintes selon le même procédé.

"Branche de fenouil", fin des années 1830.

Mais, à la différence de Wedgwood, Talbot trouve le moyen de fixer

le négatif obtenu. Il utilise pour cela du simple sel de cuisine

et permet à ses "dessins photogéniques"

de traverser les siècles.

Tous ces procédés par contact appartiennent à la préhistoire

de la photographie.

Ils ne peuvent saisir qu'un contour, un profil, une ombre.

Un nouveau chapitre de l'histoire de la photographie s'ouvre

lorsqu'on parvient enfin à reproduire le réel de face

avec ses creux, ses reliefs, ses nuances de lumière, de texture

et de matière.

Il ne s'agit dès lors plus d'une empreinte obtenue par contact

ni d'une ombre redessinée mais d'une image saisie à distance

par un instrument optique connu depuis L'Antiquité :

la chambre noire.

Un sujet est placé à l'extérieur d'une pièce

plongée dans l'obscurité dont une des parois est percée

d'un petit trou.

Son image apparaît sur le mur opposé, mais inversée,

la tête en bas.

Ce dispositif optique est utilisé à la Renaissance

par les peintres, qui pouvaient ainsi reproduire à la main

des relevés fidèles de paysages ou d'architecture.

En 1827, un Français, génial inventeur mais piètre dessinateur,

Nicéphore Niepce, se sert d'une chambre noire portative

pour tenter de fixer sur une plaque de métal,

par la seule action de la lumière,

la vue qu'il a de la fenêtre de sa chambre.

"Je suis à l'aube d'un monde nouveau", écrit-il alors.

Rien ne montre mieux le pas franchi que cette première image,

aujourd'hui brouillée, mais qui pour la première fois

est "peinte spontanément par la nature".

Seul un tirage moderne permet de voir vraiment

ce que l'image montre.

Des toits, des pans de murs, un bosquet.

Temps de pose : entre 24 et 72 heures.

D'où cette curiosité : il y a une contradiction dans les directions

de la lumière entre la gauche et la droite de l'image.

La position du soleil éclairant la partie gauche

exigerait qu'à droite de l'image les ombres soient inversées

et vice versa.

Mais le temps d'exposition de la plaque fut tellement long

que les lumières viennent de toutes parts,

comme projetées par plusieurs soleils à la fois.

Cette première représentation du réel est donc totalement irréelle.

Pour obtenir cette image,

considérée comme la toute première photographie,

Niepce eut l'idée d'utiliser un composé organique fossile,

une sorte de goudron appelé communément excrément du diable.

Dissous dans de l'essence de lavande,

ce bitume durcit au soleil.

Niepce enduit sa plaque de cet épais vernis.

Les parties qui vont recevoir de la lumière dans la chambre noire

vont solidifier le bitume.

Celles non-exposées, donc non-durcies, seront lavées.

L'image peut désormais se fixer.

De Niepce, on ne connaît qu'une autre image,

sous forme de reproduction, car l'original a disparu.

Cette "Table servie" a été réalisée dehors, en plein soleil,

avec un autre procédé qui permet de ramener le temps de pose

à quelques heures mais qui produit des images si fragiles

qu'aucune ne nous est parvenue.

Niepce meurt brutalement en 1833 sans que ses travaux

pour la formation d'une image photographique

soient officiellement reconnus.

A peine quelques années plus tard, une autre image,

à elle seule une nouvelle révolution,

est une nature morte dont tous les objets ont été choisis

pour mettre en valeur une lumière et un rendu des matières

jamais atteints auparavant.

Ce "Cabinet de curiosités" est une des premières images

réalisées par Daguerre qui, peu après la mort de Niepce,

dont il était l'associé, découvre par hasard un nouveau procédé

plus performant, modestement appelé daguerréotype.

Les images obtenues ont une précision et une netteté

inconnues jusqu'alors.

Pour bien profiter de cette vue du pont Neuf,

prise par Daguerre en 1839, on recommande de se munir d'une loupe.

On dit a l'époque que l'appareil parvient à saisir des détails qui,

dans la réalité, échappent à l'oeil humain.

Pour réaliser un daguerréotype,

l'opérateur a besoin d'un véritable laboratoire.

Il lui faut du nitrate, du mercure, du sel, de l'iode, du chlorure,

le matériel nécessaire à la prise de vue et un doigté de chimiste.

Les images sont saisies sur des plaques de cuivre

recouvertes d'une couche d'argent

puis sensibilisées aux vapeurs d'iode.

Une fois exposée dans la chambre noire,

la plaque est développée aux vapeurs de mercure.

L'image obtenue est positive si on la regarde de face.

Elle devient négative si on change son orientation.

Le temps d'exposition, une journée en plein soleil chez Niepce,

n'est plus que de quelques heures.

Daguerre réalise, depuis la chambre de son appartement parisien,

ces deux vues du boulevard du Temple.

La première le matin, la deuxième à midi,

une heure où le boulevard connaît une circulation intense.

Mais sur la plaque, il est désert, le temps de pose étant encore

bien trop long pour pouvoir saisir le mouvement.

Seul a survécu sur l'image un passant qui s'est arrêté

le temps de faire cirer ses chaussures.

Peut-être est-ce un figurant placé par Daguerre lui-même.

La précision du daguerréotype n'est pas juste une prouesse technique.

En produisant pour la première fois une image parfaitement nette,

la photographie ne va plus se poser

comme une reproduction mécanique du réel

mais comme une véritable composition artistique.

Ici, ce n'est plus la fenêtre de Daguerre qui fait le cadre

mais le regard de l'opérateur, même si la rigueur impressionnante

de cette image appartient sans doute autant aux étagères

qu'à Daguerre lui-même.

En août 1839, le daguerréotype devient un phénomène de société.

Sa découverte est annoncée à la Chambre des députés.

Le procédé est acheté par L'Etat, cas unique dans l'histoire,

contre une pension à vie à Daguerre et offert par la France

à l'humanité tout entière. Les caricaturistes se déchaînent.

Tandis que la foule se précipite chez les opticiens

pour acheter l'équipement du parfait daguerréotypiste,

graveurs et dessinateurs finissent à la potence.

Certains, comme Baudelaire, protestent :

"La société immonde se rua comme un seul Narcisse pour contempler

"sa triviale image sur le métal." Ce que Baudelaire condamne,

c'est ce qui fera le triomphe du daguerréotype : le portrait.

Mais pour avoir sa propre image ou, comme on le dit, sa ressemblance,

il y a un prix à payer: le supplice de rester immobile

pendant plusieurs heures en plein soleil.

Sur ce portrait, l'un des plus anciens qui nous soient parvenus,

on peut analyser la séance de torture.

Les pieds du modèle sont écartés pour assurer sa stabilité.

La canne lui donne un premier point d'appui,

le dossier de la chaise un second.

La main droite permet d'immobiliser la tête le plus longtemps possible.

Les yeux sont fermés en raison de l'interminable temps de pose.

Pour donner l'impression que l'image a été prise sur le vif,

le chapeau du modèle est à terre comme s'il venait juste de tomber.

De même, les plis de la tenture du fond sont censés évoquer

une brise passagère.

Quelques mois plus tard, grâce au raccourcissement

du temps d'exposition, on est à moins d'une heure, le modèle peut

garder les yeux à moitié ouverts et poser de trois-quarts.

Il lui faut malgré tout une 2e chaise pour soulager,

le temps de la pose, son bras et la main qui tient son haut-de-forme.

Les enfants sont encore rares dans la production de l'époque.

Ils représentent un défi technique en termes de temps de pose.

Pour réussir une image, il faut faire tenir le modèle en place.

Grâce à une chaise, une partie du corps de cette fillette est nette.

Le reste de sa silhouette est fantomatique.

A cause de la faible sensibilité du daguerréotype,

tous ces portraits doivent être pris dehors en plein soleil.

Il faut donc parfois s'arranger avec la réalité.

Ici, l'extérieur a été déguisé en intérieur bourgeois

grâce à un habile arrangement d'accessoires.

Seul le volet à droite de l'image trahit la supercherie.

Le sujet idéal du portrait daguerrien,

c'est dans son absolue immobilité le défunt sur son lit de mort.

Très populaires à l'époque, ces images traduisent le mieux

la nouveauté du procédé et ses limites.

Une nouvelle mémoire apparaît:

la mémoire photographique, doublant la mémoire fragile des vivants.

Mais c'est une mémoire froide, objective,

qui par sa volonté de cerner son sujet de tous côtés,

comme dans ce triptyque, évoque le cliché d'identité judiciaire.

A l'extrême réalisme de ces images

répondent les premières mises en scène.

Un boulet, des chaînes, un prisonnier dans sa geôle.

Louis Dodier n'est en fait qu'un domestique qui prend la pose

pour son maître, le photographe amateur Humbert de Molard.

"Narcisse", variation d'un thème traditionnel en peinture,

le reflet d'un corps nu. Ici, le motif semble avoir été inventé

pour le daguerréotype. Le miroir de l'eau renvoyant au reflet

de la plaque elle-même, multipliant les courbes gracieuses du modèle.

La question du temps d'exposition reste la principale préoccupation

des opérateurs.

Et les progrès sont spectaculaires.

Dès 1841, de nouvelles substances accélératrices

permettent de descendre à moins de 10 secondes.

En 1842, Choiselat et Ratel, deux des daguerréotypistes

les plus inventifs, prennent cette "Vue de la place de la Concorde"

en moins de 2 secondes, ce qui est suffisant

pour le pas lent des promeneurs et des badauds du premier plan

mais pas assez pour le flux humain qui traverse le pont:

une revue militaire menée à grands pas, semble-t-il.

Mais jusqu'à présent les grandes vues restent rares.

Le plus grand format existant alors est de 16,5 cm sur 21.

Les paysages s'y sentent à l'étroit.

Pour contourner cette difficulté, Choiselat et Ratel ont l'idée

de photographier la "Rade de Toulon" avec 5 plaques différentes,

toutes soigneusement cadrées,

puis de les rassembler en les ajustant parfaitement,

créant grâce à ce bricolage l'ancêtre du format panoramique.

La réactivité des fabricants et la course à l'inventivité

sont telles que quelques mois plus tard, Martens,

graveur passionné de photographie, construit une chambre panoramique.

Dotée d'un objectif rotatif couvrant un angle de 150 degrés,

elle lui permet de réaliser des vues d'un seul tenant,

comme ce panorama des quais de la Seine réalisé en 1842

sur une plaque courbée puis remise à plat.

Rien ne semble arrêter le développement de la photographie

sur plaques, qui paraît promise à un grand avenir.

Mais le métal est un support fragile.

Le moindre Contact avec la surface produit une rayure

ou une oxydation irrémédiables.

Plus résistant, paradoxalement, le papier à lettre ordinaire,

enduit d'une substance sensible, comme celui de ce carnet

de laboratoire dans lequel en 1839 le Français Hippolyte Bayard

a rassemblé ses essais.

Des tests de photosensibilité où n'apparaissent d'abord

que des teintes diversement colorées puis, au fil des pages,

des formes fantomatiques.

Dans le procédé inventé par ce fonctionnaire autodidacte,

le papier est sensibilisé juste avant la prise de vue.

Placé dans une chambre noire

puis exposé, le papier est ensuite retiré

et le photographe voit apparaître directement l'image positive.

Bayard a conscience que son procédé est révolutionnaire.

Il a réalisé pas moins de 30 déclinaisons de cette statuette,

"Les Enfants qui s'aiment", toujours sous le même angle,

pour montrer que, contrairement au daguerréotype,

son procédé de positif direct

n'est pas un simple moyen de reproduction mécanique du réel

mais un moyen d'expression dont le résultat final dépend,

comme pour le dessin ou la peinture, des choix d'un artiste.

Mais l'intervention de l'artiste doit toutefois se faire plus lourde

que Bayard ne l'aurait souhaitée.

Son procédé n'a pas la netteté ni la précision du daguerréotype.

Bayard doit parfois retoucher à la mine

quelques détails de ses vues des toits de Paris.

Parallèlement a ces positifs directs, Bayard, comme d'autres,

joue avec des images obtenues par contact d'un objet

posé directement

sur du papier sensibilisé, produisant une image négative.

L'Anglais Fox Talbot a l'idée d'introduire ce papier négatif

dans une chambre noire, de l'exposer,

puis de le poser sur une autre feuille sensibilisée,

de l'exposer à nouveau et d'obtenir ainsi un positif par contact.

Une fois perfectionnée, cette invention est présentée par Talbot

sous le nom de calotype, "la belle image".

On peut désormais, à partir d'un négatif unique,

tirer plusieurs positifs.

L'image photographique est devenue reproductible,

comme l'imprimé ou la gravure, mais aussi modifiable à volonté.

C'est sur ce principe de dissociation négatif, positif,

que la photographie va se fonder pour les 150 ans à venir.

Les portraits que Talbot réalise n'arrivent pas a rivaliser

avec la précision du daguerréotype. Ses détracteurs parlent

de traces blanchâtres, de vieilles estampes sur lesquelles

on a passé le coude. Mais ces défauts sont une chance.

Libérée du portrait, la photographie, avec Talbot,

se met à regarder le monde.

Il réalise alors une série d'arbres comme ce "Chêne en hiver"

ou ce "Vieux cèdre rouge"

ou encore ces "Arbres en reflet au bord de l'étang",

image dans laquelle le reflet fait ici pour Talbot jeu égal

avec le réel.

Talbot ne se contente plus de photographier

les paysages vus de sa fenêtre, comme Daguerre ou Niepce.

La fenêtre elle-même devient le sujet, tant par ce qu'elle montre,

ce qu'elle cache ou ce qu'elle laisse deviner.

Le jeu du cadre dans le cadre, la superposition des plans

et des trames, l'opposition entre la netteté des rideaux

et le flou du bateau créent une imagé étonnante, d'une complexité

que seul le procédé photographique permet d'obtenir.

En France, Bayard est un des premiers à adopter le calotype

de Talbot et à comprendre le parti qu'il peut en tirer.

En 1842,

il photographie ses outils de jardin qu'on dirait abandonnés,

un chiffon sur une chaise vide, un chapeau de paille.

Chapeau dont le cercle parfait incarne à la fois

le photographe jardinier et l'ordre au milieu du désordre.

Bayard aime se servir de ce chapeau de paille comme d'un point focal,

un élément structurant, une signature.

On le retrouve en bonne place dans "Le Moulin de Paul"

et il joue un rôle essentiel dans la photographie la plus célèbre

de Bavard : “Le Noyé“.

Bayard s'y représente en noyé, suicidé de désespoir

parce que le procédé de Daguerre est reconnu meilleur que le sien.

On est alors au début des années 40,

l'ère du daguerréotype triomphant. Cette ère ne durera pas.

Dès 1850, les procédés dérivés du calotype vont s'imposer en France

et le reléguer dans les marges. Il survivra

là où sa précision reste l'élément décisif.

Dans les très populaires images érotiques

où seul compte le visible

ou, à l'opposé, dans l'abstraction de l'imagerie scientifique.

Avec ce spectre solaire réalisé en 1844,

la photographie franchit un nouveau pas, plus inattendu.

Si elle a su transformer notre regard,

elle permet aussi de représenter une réalité invisible à l'oeil nu

que seule une invention qui a bouleversé notre rapport au réel

a pu révéler.

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