Original subtitles

Многие артисты, после того как они добились успеха, именно в этот момент они начинают

исследуя другую музыку. Но Фрэнк Заппа был полностью мобилизован в этом отношении.

ещё до того, как он начал. Заппа был О'Феем с современными классическими композиторами, он был О'Феем с

самые малоизвестные исполнители R&B, самые малоизвестные исполнители джаза, Арчи Чет, Эрик Дольф, вы называете

это. Я имею в виду, что всё было на месте.

Как мог кто-то, кому нравились Варесс, Штокхаус и Шёнберг, любить Дьюаупа? Но ему нравился.

Для него не было большой разницы между тем, что ему нравилось, и тем, что ему нравилось нечто необычное.

Квинтоли, которые он слышал на пластинке Dewaup. Он слышал их точно так же. Для него эти

Жанров и разделений фактически не существовало. Это была одна музыка.

Он не любит музыку. Точка.

Когда Фрэнк Заппа и группа Mothers of Invention вышли на международную музыкальную сцену

с их дебютным альбомом Freak Out 1966 года мало кто знал, что делать с этой записью или с группой

Известный фронтмен. Яркая обложка альбома, его сатирическое содержание и сочетание

различных разрозненных музыкальных форм смутило многих, не зная, было ли это просто вызвано наркотиками

шутка или что-то гораздо более важное. Однако внутри этого двойного альбома был список

Влияния, 179 имен, несколько известных, но большинство малоизвестных, которые дали ключ к пониманию

музыкальное видение лидера группы Фрэнка Заппы.

Заппа очень откровенно говорил о своих источниках вдохновения. В каждой колонке — 23 имени. Я всегда думал,

Это было весьма существенно. И он рассказывает вам, откуда он всё это взял. Я думаю,

Заппа питал сильную неприязнь к ленивым гламурным мальчикам и девочкам. Он питал сильную неприязнь к

люди, которые просто популярны в школе, а потом играют на гитаре и тому подобное

Успех просто ведёт к успеху всей отрасли. Он хотел этому помешать. Он хотел, он хотел

был тот парень, который сидел в конце класса. У него были свои принципы и делинквентное поведение.

Это было сделано для того, чтобы очень ясно показать, откуда он черпал материалы, которые он

организатор. И одна из его главных черт — я организатор. Я композитор. Дайте мне что угодно.

и я это организую.

И музыка, которую Заппа сочинил и организовал под влиянием этих влияний, была сложной и

Глупый, высоколобый и низкопробный одновременно. По мере того, как группа росла, и их музыка становилась всё более популярной,

чтобы привлечь широкую базу преданных и горячих сторонников, они стали совершенно уникальным коллективом в

рок-мира. И сам Заппа, музыкальный визионер, художник, чьи работы не могли

нельзя сравнить ни с одним из его современников.

Мы сделали действительно сложную музыку, которую он написал. Мы пришли в определённое время.

Это было идеально. Это не могло быть ни до, ни после. Это должно было появиться

Прямо в тот момент. Если бы вы взяли группу, подобную матерям, даже 20 лет назад...

Раньше этого бы не случилось. В тот период было много групп,

которые играли музыку, которую можно было считать искусством, если хотите. Начиная с The Beatles.

А потом Rolling Stones и Doors. Они пытались делать что-то, что было бы артистичным.

В каком-то смысле им это удалось, но без той сложности, которая была в музыке Заппы.

Эта сложность отчасти объяснялась влиянием некоторых малоизвестных имен, упомянутых в

В то время как многие из деятелей, стремящихся включить новое художественное измерение,

в популярную музыку стали входить в моду с авангардом к концу десятилетия,

Заппа вошёл в мир рока, уже полностью погрузившись в музыку с окраин.

В подростковом возрасте его особенно привлекали более сложные произведения культовой классики

композиторов первой половины 20 века.

Эти композиторы были революционерами, переписавшими правила и кардинально изменившими звуковые

возможности классической музыки, которая доминировала в течение последних 200 лет, и

И их работа, и их отношение оказали огромное влияние на молодого Заппу.

В 19 веке, я думаю, существовал музыкальный лингва франка, который был довольно

На котором говорил каждый композитор, независимо от его происхождения. Этот язык был

Австро-немецкая тональная традиция, выросшая из прошлого Баха, Моцарта, Гайдна, Бейтера,

и так далее, и тому подобное. В XIX веке это получило большое развитие в Австрии и Германии.

и в меньшей степени в странах вокруг Австрии и Германии. Это действительно достигает кульминации

в творчестве Вагнера во второй половине XIX века, где существующий язык

развит до такой степени, что начинает преодолевать предполагаемые им барьеры, а не

по крайней мере, с точки зрения хроматики, расширенной шкалы времени, размера оркестра и т. д. и т. п.

Как только Вагнер подверг сомнению эти основные принципы австрийско-немецкой традиции, возник вызов

композиторам в той степени, в которой они продолжают нововведения Вагнера или каким-то образом реагируют

против них. Эта реакция на Вагнера и двух ключевых композиторов имела два различных направления.

которые представляли оба конца этого спектра, оказали большое влияние на Заппу. Австриец Арнольд

Шёнберг пытался расширить немецкую романтическую традицию и в конечном итоге отказался от музыкальной

В рамках своей музыкальной философии он

он был пионером техники 12 тонов, широко распространенного метода наложения иерархической структуры

В то время как Шёнберг экспериментировал с атональностью, русский композитор

Игорь Стравинский развивал приемы как письма в двух тональностях одновременно, так и создания

Новые ритмические структуры. Новаторство обоих композиторов имело глубокое значение.

Влияние на классическую музыку XX века. Шёнберг считал, что пример Вагнера

движения во все более хроматическом направлении должно было быть базовой точкой, от которой шло развитие

произошло и поэтому в самом конце 19-го века, в начале 20-го века, работа Шёнберга

становится все более хроматичным до момента около 1970 или 1980 года, когда он теряет всякую реальную

связь с термином традиции и вместо этого становится полностью хроматическим.

Творчество Шёнберга в 1920-е годы, безусловно, мало ценилось его современниками.

Я думаю, его воспринимали как радикальное сочинение, крайне неприятную музыку, которая казалась

иметь мало связи с прошлым. Шёнберг, по его мнению, на самом деле был

отчаянно пытаясь продолжить прошлое. Несмотря на первоначальное подозрение, с которым его музыка...

был встречен с восторгом, нововведения Шёнберга создали целую музыкальную систему, сериализм, и его

Эти практики нашли отражение на протяжении всего XX века. Заппа также изучал творчество Шёнберга и

Австрийский композитор был одним из ключевых имен классической музыки в списке Freakouts eclectic.

Я думаю, что главное влияние Шёнберга на Заппу было в том, что он понял,

Благодаря Шёнбергу можно было увидеть альтернативные способы сочинения музыки. Есть несколько отрывков

в более ранней музыке Заппы, которая явно написана с использованием если не 12-тонового метода, то очень

Хроматические композиционные методы. Звучит как неправильная музыкальная нота, если использовать эту неудачную фразу.

и они очень отчетливо видны в следах Заппы.

Есть и другие моменты, о которых, я думаю, было бы справедливо сказать, что это почти как если бы

Исполняется престижный Шёнберг. Иногда в хоровом сочинении, которое можно найти, например,

на 200 motels или в фортепианном сочинении, которое можно найти в некоторых других треках.

И точно так же, как Заппа был очарован совершенно уникальным путем, который выбрал Шёнберг, он также был

заинтригован столь же уникальным произведением русского композитора Игоря Стравинского. Назван

Журнал «Тай» назвал Стравинского одним из 100 самых влиятельных людей XX века. Ответ

композиционный вызов Вагнера нашел гораздо большую аудиторию, чем Шенберга, хотя это было

не менее дерзкий и вдохновенный. Традиция, в которой вырос Стравинский, во многом была связана с

Римского-Корсакова и более ранних русских композиторов. Она во многом обязана русскому фольклору,

Это была очень красочная музыка, в ней использовалась тональность, но в таком разнообразии, которое включало много хроматизмов.

красочного рода. И это действительно достигло кульминации в празднике «Весна священная» в 1912 и 1913 годах, который

во многом основан на традициях русского фольклора, в котором используется множество традиционных

Русские мелодии, хотя во многих случаях сильно замаскированные.

Это в некотором смысле задает повестку дня для определенного вида пост-тонального творчества, в котором интерес

очень поверхностна в музыке с точки зрения ее колорита и непосредственного ощущения.

Это также очень ритмичная музыка, как и следовало ожидать от русской традиции.

Многие из ранних произведений Стравинского были написаны в жанре балета, и неизбежно в балетной партитуре идея

своего рода сквозной, составленный длинный, арочный музыкальный аргумент должен отпасть на второй план, потому что

Музыка должна быть во многом сосредоточена на отдельных эпизодах, составляющих балетную историю.

Соответственно, даже такое произведение, как «Весна священная», очень сильно разбито на звуковые блоки, которые

противопоставляются друг другу. Стравинский все больше движется к песчаному миру, который к

В большей или меньшей степени опирается на популярные музыкальные архетипы, но также, с одной стороны, окрашивает их

с дополнительным хроматизмом или расстояниями и с дополнительными тоновыми красками, но также рассматривает их в

очень блочно. Получается почти как в формате копирования и вставки: столбцы, фрагменты, блоки.

музыки, противопоставленной друг другу, а не развивающейся в более традиционном направлении

Астра-журнал. И точно так же, как творчество Шёнберга повлияло на творчество Заппы, так же и с

Композиционные методы Стравинского. Этот тип письма, основанный на копировании и вставке блоков,

Развитое в этот период было чрезвычайно важно для Заппы. Это можно найти на одном уровне

в отдельных треках, которые, кажется, перескакивают от одной музыкальной идеи к другой без какой-либо идеи

В частности, они развиваются, а скорее противопоставляются друг другу. Но это также можно найти на некоторых

целые стороны альбома, например, или в очень длинных треках, где это почти как если бы

Небольшие пики привлекают внимание. Думаю, было бы справедливо сказать, что в первой части «Кусковой могилы»

Это именно то, что происходит, когда мы получаем ряд композиций, которые разрезаны и

вставлены вместе с другими музыкальными элементами, а также звуковыми эффектами, отрывками разговоров и т. д. и т. п.

В некотором смысле все это становится своего рода коллажем или мозаикой из разных цветовых блоков,

звук, текстура и т.д. и т.п., а не какой-либо органический долгосрочно развитый

Арка идей. Интерес Заппы к композиторам XX века привёл его к ключевому Шёнбергу.

Ученик Веберна. Электронные работы и манипуляции с магнитной лентой Карла Хайнца Штокхауса и её

Пьер Шефер и пионер случайной музыки Джон Кейдж. Однако его величайшее вдохновение в этой области

первым классическим композитором, чье творчество он открыл, оставался француз Эдгар Веррес.

Другой музыкальный визионер, автор сравнительно небольшого количества произведений, написанных во Франции

и в Америке он переосмыслил роль Тамборо и ритма в классической музыке. Его главный труд

Ионизация, написанная в конце 1920-х годов, была произведением, написанным исключительно для ударных инструментов и направленным в сторону

В конце жизни он увлекся электронной музыкой. В дебютном альбоме Заппы и его матери, Frozen Out не только...

Имя Верреса среди списка влияний, но его заявление о том, что современный композитор отказывается

умереть Заппа включил в текст своего рода боевой клич, заявление о намерениях, которое также появится на

Несколько других релизов матери в 60-х. Цитата, которую современный композитор отказывается использовать

умереть — это первая цитата из ряда соответствующих цитат, которые вы получаете, когда приходите в ужас, и она снова появляется

на многих последующих записях. Так что имя Эдгара Верреса Заппы, вероятно, было раскручено выше любого другого.

Влияние это было большим, и он был очень привязан к Эдгару Верресу, потому что он считал его

Никто не говорил ему, что Эдгар Веррес хорош или велик, но у него была идея, что на самом деле

был заговор, чтобы скрыть от него эту музыку. Он нашёл её так же, как нашёл

Много R&B в пыльном магазине пластинок. Веррес — интересная фигура как сама по себе, так и в

с точки зрения его влияния на Заппу. Если рассматривать музыку XX века с общепринятой точки зрения,

История как дихотомия следования либо Шёнбергу, либо Стравинскому. Я думаю, справедливо

говорят, что Веррес действительно стоял совершенно вне этой дихотомии. Его взгляды во многом основывались на

сочетание двух композиторов, но также я думаю, что они вышли из русского и особенно

Отношение французов к звуку как таковому. Веррес любил изображать себя сиротой, оставшимся без родителей.

Конечно, нельзя родиться сиротой, и в его ранней музыке есть несколько наглядных примеров того, как

он сознательно заимствует у Дебюсси и Стравинского, но он очень старался создать образ

композитор, который продвигался вперед на совершенно новой территории, в то время как и Стравинский, и Шёнберг

двигались вперёд, не отрывая взгляда от того, что было до них. Было видно, что

Веррес не имел реального представления об истории музыки и был гораздо больше сосредоточен на открытии музыкального будущего.

Веррес был таким странным. То, что он делал с перкуссией и сиренами, и всё такое, вы знаете.

Было очень странно. Думаю, это его взволновало, потому что он не сразу всё понял.

Необычайным в эссе Верреса об ионизации является тот факт, что оно почти

Полностью написан для ударных инструментов. Поэтому всякое чувство мелодии и гармонии исчезает.

музыка и просто есть тембры отдельных ударных инструментов, их коллективное звучание

варварство, если хотите, и абсолютная концентрация на ритме с точки зрения продвижения музыки вперед.

Должно быть, это был удивительный опыт для Заппы, когда он был подростком, когда открыл для себя эту музыку.

и, конечно, именно ударные аспекты работы Верреса выделяются наиболее очевидно.

в музыке самого Заппы.

Музыка

Музыка ритмичная и сложная, и она делает вещи с ритмом, которые очень очень

Интересно, если вы барабанщик или интересуетесь ритмом, и Заппа сразу это услышал и

для него не было большой разницы между симпатией к этому и симпатией к необычным пятерняшкам

Он слышал их на пластинке Do What. Он слышал их так же. Для него эти жанры и разделения

на самом деле не существовало. Это одна музыка.

Музыка

Поэтому цитата современного композитора «отказывается умирать» стала для него своего рода лозунгом о том, как

чтобы приблизиться к классическому наследию, вы подходите к нему на своих условиях, вы берете то, что вам нравится

И вы это празднуете. Цитата Верреса не только стала синонимом Заппы, но и

Художественная философия француза также оказалась весьма влиятельной. Веррес был очень хорош в

увековечивая свои собственные мифы, как и многие композиторы, и поэтому идея, что Веррес - это

совершенно изолированный человек, не имеющий никакой связи ни с каким музыкальным учреждением, я думаю,

к нему относились с определённой степенью подозрения. Веррес, конечно, полагался, как и большинство других композиторов,

на различные виды доходов, будь то комиссионные, гонорары за выступления,

поддержка от отдельных лиц и так далее. Однако он увековечил образ человека,

очень неординарно и сам по себе, и я думаю, что тот эстетический взгляд, который он пытался культивировать,

Композитор, как ярый индивидуалист, должен был повлиять на Заппу. Заппа –

почти уникальный среди так называемых рок-музыкантов в том, что он действует во многом как композитор

как участник группы, а не как о-терл. Он пишет музыку, которую нанимает музыкантов для исполнения.

если он репетирует их до изнеможения, он ожидает полной самоотдачи, но он видит их в

ощущать себя просто работниками, и это очень похоже на позицию сурового индивидуалиста-модерниста

Композитор. Не знаю, хороший ли это способ общения с людьми, но Веррес, безусловно,

и это было то, чему Заппа очень следовал даже в ранние годы с The Mothers

Изобретений. И хотя Заппа черпал вдохновение у этих композиторов, его собственная музыка была

часто прочно укорененные в рок-языке, и поэтому это классическое влияние было синтезировано таким образом

что это никогда нельзя было бы отвергнуть как очевидное или просто подражание. Я не часто слышу об этом.

Я думаю, он просто привнес туда такую ​​текстуру или такие идеи письма.

более сложные линии, и всё. Он не пытался воспроизвести По-Чонеллу или

писать о весне или о чем-то подобном, но ощущение этого и привнесение этой идеи в письмо

в конкретно, просто конкретно, прямо в область рок-н-ролла, что он сделал наверняка, но

но он этого не сделал, это не было похоже на то, что вы вдруг услышали рок-н-ролльную мелодию и подумали: «О,

Сейчас я слушаю что-то рок-н-ролльное, но почему оно звучит как Стравинский?

Он просто никогда так не делал. Он не перенимал чужую работу, он просто перенимал стиль.

но он создал по-своему свою собственную версию того, что было, и, что забавно, он сделал это своего рода

Он хотел сделать это так, чтобы заставить людей

чтобы послушать его, включить его в работу и сделать так, чтобы он стал неотъемлемой частью

альбом, который вы бы не сняли с пластинки и не сказали: «О, я не хочу это слушать»

Позвольте мне тоже перейти к треку. Нет, он просто был частью альбома, вы не можете себе представить, как он слушает этот альбом.

Без этого, и это ключ ко всему. Однако со временем стало ясно,

некоторым слушателям, что в музыке было больше прямых ссылок на героев Заппы

часто скрывается и воспроизводится в совершенно разных музыкальных контекстах. Я думаю, что наиболее

Яркий пример, вероятно, на абсолютно бесплатном сайте, где есть немного от Патруски

Статус вернулся, детка, и есть отрывок из Хольста, который ведет к призыванию и ритуалу

танец молодой тыквы.

Мы Эпизод 51

Я думаю, что если Жан-Заппа процитирует пять или два из Бетховена или что-то в этом роде,

Это означало бы, что он узнаваем. Хотя я думаю, что люди узнают, когда он цитирует Халса.

Абсолютно бесплатно, но я имею в виду, что иначе это было бы не так очевидно. Я имею в виду, особенно в таких случаях.

Uncle Me, в котором заглавная песня была буквально сказана Миллхаутом и Омом Асонде.

Возможно, это был не совсем плейеризм. Думаю, ему это едва сошло с рук.

Но я не думаю, что среднестатистический фанат рока знал об этом.

Тут и там есть цитаты, но все эти цитаты, как в «Герцоге Черносливе»,

Я представляю их. Потому что, в основном, я их знал, и Заппику нравилось, что я играл.

их. То есть, большая часть этого материала была сначала сделана на концерте, а потом уже записана, как на альбоме.

Музыка

Ну, если посмотреть на это в то время, то это было просто исполнение этих пьес, потому что или те части этих

пьесы, потому что Фрэнк считал, что это важная музыка, и они ему нравились, и он просто хотел включить их

их в шоу. Часть нашей работы в группе заключалась в том, чтобы заставить Фрэнка смеяться.

И подобные вещи всегда заставляли его смеяться. Знаете, это сочетание

Стравици против песни о герцоге Черносливе. Вы можете провести исследование и найти цитаты из

Классические композиторы, например, Фрэнк Заппа. Но эти, типа, педантичные, цепляют цитату.

На что люди указывают. Я думаю, мистер Пойнт, потому что, когда вы впервые слышите запись, вы не знаете,

Это результат последующих исследований, и я думаю, было бы немного глупо оправдывать Фрэнка Заппу.

из-за этих цитат. Но он не пытался вести людей в классическом направлении. Он имел

Никаких претензий на знакомство с Маццоргским таких людей, как Эмерсон Лейк и Палмер. Отношение Фрэнка

было совсем-совсем по-другому, и эти встроенные цитаты не имеют никакого значения. Мне интересно, как

Фрэнк заставляет вас думать о классической музыке, а не показывает, что Фрэнк находился под влиянием классической музыки.

Музыка. Мне кажется, он бросает тебе ответ. Он спрашивает: «Почему тебе нравятся эти звуки?» Что такого захватывающего в

Почему эти звуки подавляются в большинстве областей музыкальной культуры? Он задаёт вопросы, которые

А потом вы возвращаетесь к ним и спрашиваете: «Ну и зачем мне вся эта скучная музыка в моей коллекции?» Он делает

Вы критичны. Но дело не в месте, где находится классическая цитата: «Разве вы не умны?» Он работает

на что-то более интересное и за пределами этого. Речь идёт о реальном воздействии музыки.

на вас. Хотя это влияние часто присутствовало в любых музыкальных проектах, над которыми он работал,

К концу своей карьеры Заппа стал гораздо более активным в классической области и был частично

Принятый всем сообществом. В 1981 году он был назначен ведущим церемонии в Эдгаре.

Концерт памяти Верреса, и в течение этого десятилетия он приступил к ряду музыкальных экспериментов

используя Cinclavier, продюсируя такие альбомы, как Франческо Заппа, его собственное уникальное исполнение

произведения композитора XVIII века с тем же именем и одновременно его собственные сочинения были

исполняется в классической обработке различными оркестрами и ансамблями. Ближе к концу

свою карьеру он фактически отказался от выступлений на сцене, и я думаю, что когда он как-то отказался от живых выступлений,

сольные концерты, он чувствовал, что может позволить себе заниматься чем-то вроде музыки.

что он действительно хотел сделать, и он, безусловно, переосмыслил себя как современного классического композитора

конечно, со стороны таких людей, как Веррес, Стравинский и другие кумиры его детства.

Я думаю, его главной мотивацией было то, что он хотел услышать это, и его не волновало, что другие

Люди не знали. Ближе к концу жизни он записал целый альбом произведений Эдгара Верреса.

называется «Ярость и ярость». Он так и не был выпущен, и, по словам близкого собеседника,

Его родственнику было достаточно того, что Фрэнк мог это услышать. В классическом театре были люди

или авангардный музыкальный мир, который видел в Заппе серьезного композитора, который осознал, что очевидное

рок или поп-поверхность большей части его музыки на самом деле скрывала нечто гораздо более серьезное по своему замыслу

что происходило под поверхностью. Именно такие люди могли бы поощрять

его в работе с Верресом и Вебером, а также в более поздней жизни они также включали

Пьер Булез, который прославился тем, что записал на пластинку некоторые произведения Заппы и так далее.

Справедливости ради, таких людей было меньшинство. По сей день подавляющее большинство тех, кто участвует в

классическая музыка особенно понравится тем, кто больше привязан к прошлому, чем к настоящему

Заппу я воспринимаю скорее как шутку, как человека из мира рока, который каким-то образом пытается

получить своего рода признание за отсылку к классическому миру авангарда. В результате Заппа

не воспринимается всерьёз, но в глубине души я подозреваю, что он хотел, чтобы его воспринимали очень серьёзно, как настоящего

композитором, а не рок-музыкантом, который, скажем так, имел амбиции. Думаю, к тому времени,

Ансамбль модерн играл музыку Y'all of shark, я думаю, что он был удовлетворен этим

Всё это. Это делало его похожим на композитора, которым он всегда хотел стать.

Он не был заинтересован в том, чтобы быть членом классического сообщества, он был в рок-мире, и он

чувствовал, что это была основа, это то, что ему нравилось в музыкальном плане, энергетически, и он действительно

понравилось играть на сцене, как перед публикой, и он действительно чувствовал, что я совершенно уверен, что я не буду

сказать это неправильно, что он хотел донести до аудитории, особенно до детей,

людей в частности, и это был, очевидно, способ сделать это, тогда как если вы являетесь членом

классическое музыкальное сообщество, вы могли бы спросить, с кем вы общаетесь, вы знаете, что вы пишете

эти замечательные произведения, но кто это слышит? Фрэнк был просто откровенен, и он был

Он прекрасно справляется с тем, что делает, и почему он должен заниматься чем-то другим? Вы же знаете, он

писал, что он написал классические произведения, но они всегда были как бы интегрированы во всевозможные

ритмично, особенно потому, что он любил необычные ритмы, но ему нравились энергичные ритмы

Итак, как вы хорошо знаете, многие фигуры состоят из семерок, пятерок, одиннадцаток и всего остального.

что бы то ни было, но все части играются очень энергично, не играются в сложном ритме

на который вы теперь можете указать и сказать: «Ну, я математически подсчитал, что должно быть 11 ударов».

там и тогда мы можем доверять и так далее и тому подобное так что это был действительно рок-н-ролл вот это вот это

что это было даже в классических произведениях.

И как и во всей культуре рок-н-ролла, основой подхода Зэппера к популярной музыке является

был ритм-энд-блюз. Так же, как и в этом сумасшедшем списке влияний, упоминаются малоизвестные композиторы.

известны многим из его аудитории, в него также вошли как популярные, так и менее известные имена из

мир R&B, чьи работы вдохновляли молодого музыканта, и хотя к тому времени, как он стал

делая свои первые шаги в индустрии популярной музыки, многие из этих артистов, которые были

прославляли группы британского вторжения в 1950-х годах, даже те деятели, которые пошли дальше

к наибольшему успеху были маргинализированным элементом американской популярной культуры.

Что вы должны помнить, так это то, что в конце 40-х - начале 50-х годов R&B был своего рода

Незаконное удовольствие для белых подростков, которое можно было бы уловить через помехи в радио.

какая-то черная станция, которая бы проигрывала такие вещи, как слишком много водителей

«Смайли Льюис» или «Работай со мной, Энни» Хэнка Балларда и The Midnighters – все они о сексе и

почти все они были отстранены от белого радио или, по крайней мере, вы знаете, получили очень ограниченные

играть так, чтобы вы знали, что вы как бы нацелились на что-то, что было немного андеграундным.

Я думаю, что в результате этого, вы знаете, Фрэнк, его натура ученого на самом деле

побудило его исследовать то, что находится за пределами этого, и он действительно нашел несколько совершенно неизвестных художников

и в подростковом возрасте он разделял эту страсть к блюзу и R&B со своим школьным другом Доном Ван Влитом

который стал Капитаном Бифхартом благодаря своим ранним композициям, которые они играли в стиле блюз.

и по мере того, как Заппер развивался как музыкант, он выступал в группах, которые продвигали

респектабельные границы расы и музыки в пригородной Америке.

Ланкастер, где они выросли, я имею в виду, что расстояние от Лос-Анджелеса было ужасным в течение многих лет.

как это было очень далеко в пустынных районах, там было много сопротивления, особенно когда

У Фрэнка были сажи, я думаю, это была одна из других групп, это было на самом деле расово

интегрированы, и поэтому местные власти решительно возражали против этого, так что я имею в виду, вы знаете, это было

тяжелая борьба на всем пути.

И несмотря на его интерес к классической композиции и работу над музыкой к фильмам в начале 1960-х годов,

Заппер всегда держал руку на пульсе мира R&B, будучи участником различных групп до своего открытия

из гигантов соула, кавер-групп, которые стали матерями изобретений.

Он был музыкально искушен, но также питал огромное уважение к целостности блюза.

музыкально грязь под ногтями, поэтому, когда он нашел группу под названием Soul Giants с Джимми Карлом

Блэк на барабанах и Рой Эстрада на басу, которые играли соул-музыку и слушали его,

действительно заинтересовался, наконец, он мог иметь этот необразованный вес в своей музыке, так что я думаю, что весь

Фрэнка Заппера зависит от открытия этой группы, которая зависит от Джимми Карла Блэка.

солидная работа барабанщиков.

И с этой группой на его стороне Заппер смог начать формировать свой собственный взгляд на традицию R&B.

в то время как британские группы, такие как Rolling Stones, восхваляли творчество таких артистов, как Howling

Вулф Джимми Рид и Бо Диддли Заппер назвали бы оба известных имени вместе с отдельными треками

как «Riot» и «Cell Block Number Nine» группы Robins, и все эти влияния нашли свое отражение

под музыку матери.

Пел там Ричард Берри, которого Фрэнк упомянул как человека, оказавшего очень сильное влияние не только на него, но и на

В целом, поп-музыка. Самая известная композиция Берри, Louis Lui, звучит так же часто, как и

камни в ручьях на протяжении всей карьеры Фрэнка.

Найди его снова, подожди меня, я сяду на этот корабль, мы пересечём море. Я говорю в этом году.

Конечно, структура аккордов и даже некоторые тексты песен появляются на пластиковых людях.

абсолютно бесплатно, и есть настоящая концертная версия в зале альбомов

на Дядюшке Я и я действительно присутствовали, когда кто-то поднялся из зала, который

попросили сыграть на трубе, на которой он не умел играть, но они все равно создавали музыку, получая

Дон Престон, чтобы подняться на альбом, вы знаете, трубный орган Королевского Альберт-холла и что-то вроде

снова и снова играйте три аккорда Луи Луи.

Луи Хим.

Они тоже любят шум, знаете ли.

Даже в его последнем альбоме, когда он был еще жив, желтая акула есть

отрывок из песни Louis Lui под названием Welcome to the US, так что я имею в виду, это, вы знаете, это было

Всегда там, под поверхностью. Он носит некоторые из этих отсылок и вдохновений, которые были более…

В его творчестве было мрачно. Менее заметным было влияние определённых стилей R&B.

В интервью он постоянно упоминал отличительные черты своего подхода к игре на соло-гитаре.

такие игроки, как гитарист Кларенс Гейтмут Браун и Мэтт Мерфи, чьи уникальные стили все

повлияло на его собственную технику. Однако была одна более маргинальная фигура R&B, чья

Влияние на игру Заппы было очень значительным. Что касается влияния, я думаю,

Наибольшее влияние на Фрэнка Заппу оказал Джонни Гитар Уотсон.

Джонни Гитар Уотсон был блюзовым гитаристом из Техаса, хотя на самом деле он начинал как пианист.

и дядя, который также был проповедником, подарил ему гитару. Это было на

понимая, что Джонни не должен играть блюз на нем, и, конечно, вы знаете, что это было очевидно

начальный пистолет, чтобы на самом деле играть только блюз, и Джонни был на самом деле, я полагаю, вы описываете

как исполнитель городского блюза в том смысле, что он вскоре отказался от акустической гитары и занялся

на электро. А в интервью Заппа говорил о классике Уотсона 1956 года «Три часа после полуночи».

особо выделил бы как наиболее повлиявшую на его собственное творчество пластинку.

Именно эта песня побудила Фрэнка взять в руки гитару и научиться играть.

Я имею в виду, что он действительно начал учиться, когда ему было около 18 лет, когда он купил гитару.

с аукциона, и, судя по всему, все было настолько плохо, что вы знаете, что струны были примерно в дюйме от

гриф или что-то в этом роде, и он мог бы играть на ритм-гитаре, особенно на баре.

аккорды, но он мог играть соло сразу, и у него был своего рода краткий, резонансный

Стиль, который предпочитал Джонни Уотсон, и, конечно, вы знаете, он начал играть, вы знаете,

Соло-гитара, где-то в три часа ночи. Если вы послушаете ранний Фрэнк Заппа,

гитара в треке, таком как The World's Greatest Cinner, и вы слышите, как он играет на ней, он

копирование гитары Джонни Уотсона, что является уникальным подходом в стиле R&B.

Музыка

Это смешно и играет против ритма, создавая своего рода кризис в соло, где

он как бы икает, а затем качается, так что соло не совпадает по темпу с музыкой, и затем

доводит это до предела, где оно как бы взрывается, а затем вы возвращаетесь к нему, и это уникальный

способ построения соло, и Фрэнк основывал свою игру на гитаре именно на этом.

Музыка

Однако Уотсон не был фигурой, которую можно было просто отправить в прошлое. К 1970-м годам он преобразил

себя как фанк-исполнитель и после появления в качестве гостя на альбоме Заппы 1975 года One Size Fits All

снова оказался в чартах с выпуском основополагающих альбомов Ain't That a Bitch и a Real

«Mother for You». В течение следующих 15 лет Уотсон не только оказал влияние на творчество Заппы,

активный участник популярной музыкальной сцены, но с которым он подружился.

Однажды на 15-летие Фрэнк попросил разрешения попытаться позвонить Эдгарду

в Нью-Йорке, и я думаю, что именно благодаря этому он стал очень близким другом

с гитарой Джонни Уотсона и Джонни на самом деле появлялись в Cameo на многих более поздних альбомах

и вы знаете, когда Фрэнк был слишком болен, чтобы отправиться в турне, он обычно устраивал такие музыкальные

вечера и один такой музыкальный вечер был, я думаю, там были вожди, а также Джонни Гитара

Уотсон, которого Фрэнк на самом деле обнимал, а не пожимал ему руку, и я думаю,

Должно быть, для него было действительно замечательно стать таким близким знакомым

о ком-то, кого он знал только по какой-то старой потрепанной машине 78-го года, когда был подростком.

Хотя Заппа многое взял из традиций R&B, он также с нежностью относился к одному конкретному ее направлению.

вокальная группа, гармоничный ритм-энд-блюз, который в народе запомнился как ду-воп.

В отличие от более грубых и готовых звуков R&B музыки в стиле воя волка и гитары Джонни Уотсона

романтические плавные гармонии ду-вопа придали ему огромную коммерческую привлекательность

даже несмотря на то, что это был звук, рожденный на улицах, он стал одним из доминирующих музыкальных жанров

конца пятидесятых и полос, таких как лунное сияние, подставки, пингвины и скот

артисты оказались в центре внимания благодаря мировым хитам.

Ду-воп или ритм-блюз, вокальная гармония была городским явлением, оно происходило во всех крупных городах.

тремя ключевыми городами были Нью-Йорк, Чикаго и Лос-Анджелес. Многие люди не понимают, что ду-воп

была одной из групп, которые перешли в рок-н-ролл. Они часто говорят о рок-музыке.

как Элвис Пресли, Джерри Ли Льюис, но это также была городская форма музыки от афроамериканцев

Сообщество, которое также внесло большой вклад в развитие рок-н-ролла. Одна из особенностей ду-вопа —

нужно мыслить в терминах вокальной группы без оркестра.

Речь шла о замене инструментов, а также о попытке сделать это с высокой ритмичностью и

тяжелая песня, и я думаю, что именно это создало то, что мы называем ду-воп.

Ангел земной, ангел земной, будешь ли ты моей? Моя дорогая, я люблю тебя всегда.

Это была музыка, рожденная обстоятельствами, и одним из таких обстоятельств было отсутствие

Инструменты. Это также было частью социальной сети. Это была ненасильственная альтернатива

уличные банды, в которых некоторые из них также состояли. Это была просто часть социальной сети жизни

в послевоенной Америке в городских условиях для молодых афроамериканцев. Он черпал вдохновение из

Предыдущие традиции, которые не обязательно были акапелла. Например, с Кадиллаком

Их самая известная баллада называется «Глория», и она основана на записи, которую они знали по

Братья Милл, так что это была поп-запись, созданная посредством пения на углу улицы.

Ду-воп был невероятно простой музыкой. Музыканты, которые играли эту пьесу, постоянно жаловались.

о трёх аккордовых сменах, о сладких сменах аккордов, которые они всегда использовали в песнях ду-вопа

и сотни песен ду-вопа имели те же три смены аккордов, и если вы поговорите с музыкантами из

период, который вы знаете, они сказали, что вы знаете, это было поразительно просто и глупо.

С другой стороны, если послушать, как они смешали свои голоса, было много музыкального

творчество это была не сложная музыка для исполнения, но я думаю, что она была сложная для пения.

Ду-ду-ду, Эппл или Энджел. Несмотря на огромный успех ду-воп-групп и молодых звёзд, таких как

как Фрэнки Лайман и возрождение жанра в начале 60-х годов, отмеченное множеством итало-американских

и все белые вокальные группы не смогли долго удерживать свои позиции в авангарде мейнстрима.

Февраль 1964 года, Битлз приехали в Америку, британское вторжение, и это действительно было

Конец первой части ритм-энд-блюза. Группы Motown всё ещё использовали гармонию, но это было уже не так.

Больше не фокусируется на звуке. В конце концов, вы понимаете, что вокалисты этих групп действительно

что вы слушаете, Дайана Росс и The Supremes, и даже с теми искушениями, где у вас были

Пара разных вокалистов, они были центром всего, что вы слышали. Наследие в том,

и даже английские группы, вы знаете, Битлз, они были большими поклонниками американских горок

и многие из этих групп, и поэтому вы слышите эти гармонии, но не менее важны были гитары

это стало делом прошлого, и поэтому к концу того десятилетия ду-оп стал синонимом ностальгии

для 50-х годов.

Ду-оп.

Ду-оп.

Ду-оп.

Ду-оп.

Ду-оп.

Ду-оп.

Ду-оп.

Ду-оп.

Ду-оп.

Ду-оп.

Ду-оп.

Ду-оп.

Ду-оп.

Ду-оп.

Ду-оп.

Эта музыка была настолько чистой и настоящей, и это было не более, чем просто старая добрая американская музыка.

Это музыка, в которую можно было влюбиться. Это музыка, под которую можно было танцевать.

Вы можете соотнести текст песни со своей ситуацией, и это были хорошие и счастливые времена, вы знаете.

Ду-оп.

Ду-оп.

Ду-оп.

Ду-оп.

Ду-оп.

Ду-оп.

Ду-оп.

Склон.

Ду-оп.

Ду-оп.

Ду-оп.

Ду-оп.

Ду-оп.

Было что-то, что каждый мог понять.

Знаешь, что касается текстов песен…

Большинство песен

и любовные вещи,

Я имею в виду, что в то время все были влюблены.

Я думал, что это они.

Вот и все.

Я не знаю девушку, с которой я раньше ходил.

Я подумал: да, верно?

Да, я такой: «Да».

О, я был так влюблен, когда вышла эта песня.

И это действительно относится к той части вашей жизни, которой вы занимались в то время.

И все, кажется, встает на свои места.

И именно к этому особенному звуку Заппа часто обращался,

добавил еще одну струну к своему музыкальному смычку.

Хотя с самого начала Заппа часто использовал жанр Dewap в своих миксах.

В 1968 году для Cruising with Ruben and the Jets он даже выпустил целый альбом вокально-гармонического материала.

Некоторые считали его эксперименты с Dewap чистой сатирой.

Но на самом деле это была музыкальная форма, к которой он питал настоящую привязанность.

Истинное обожание не боится показаться глупым.

И люди путают это с саркастическим или негативным отношением к материалу.

И я не думаю, что Фрэнк относится к Dewap подобным образом.

Я думаю, он обожал это произведение и полностью принимал его забавные аспекты, считая, что он любит это и хочет, чтобы и другие люди тоже любили это.

Это была музыка его юности.

Я думаю, как и многие поклонники Dewap, в этой музыке есть что-то особенное, она по-настоящему говорит о молодости.

Что-то вроде желания и тоски быть молодым человеком.

И я думаю, он это понял.

Я имею в виду, что он был человеком, который увлекался действительно изысканной музыкой, но, думаю, у него, вероятно, была некая сентиментальная сторона.

И он услышал эту музыку, и она действительно тронула что-то внутри него.

И он также использовал это в комических целях, как, например, в одном из моих любимых альбомов, Rolina for the Money.

И он написал песню под названием «Какая самая уродливая часть твоего тела?»

Не знаю, знаете ли вы эту песню, но это что-то вроде песни Dewap.

Думаю, я так и думал. Знаете, именно это и было в нём самым замечательным.

Вот что замечательно, тот факт, что ему нравился Девап, потому что, я думаю, это была другая его сторона.

А для музыкантов, привлеченных в Mothers of Invention и имевших классическое образование, Dewap был одновременно неизведанной территорией, а для некоторых — и вызовом их представлениям о вкусе.

Это совершенно не моя школа, у меня нет никакой информации о том, откуда это взялось, что это такое, но играть и делать это действительно очень весело.

О, это было всё то же самое Ž

Он ушел Ž

Да Ž

Ох, этот папа…

Таково было его прошлое.

эта музыка окружала его, по крайней мере в Лос-Анджелесе, и ему она понравилась.

Но мы об этом не говорили.

И до того, как я присоединился к группе, я ничего о ней не знал.

Я вообще не имел с ним никакого контакта.

Так что для меня это было настоящим удовольствием.

Dewap мне вообще не понравился.

Я считал, что это глупо, бессмысленно, идиотично, как ни назови.

Как кто-то, кому нравятся Варезе, Стокхаус и Шёнберг, может любить Dewap?

Но он это сделал.

И в некоторых из этих Dewap-ов было много действительно красочных моментов, которые были сделаны

вы думаете, что это было действительно странно, как Шёнберг и Стокхаус и все эти

люди.

Благодаря Заппе мне это теперь нравится.

И я понимаю, почему он так поступил.

Однако преданность Заппы этому музыкальному стилю не закончилась на альбоме Reuben and the Jets.

В 1972 году он выпустил дебютный альбом группы Рубена Гевары Real Reuben and the Jets Band.

И даже когда джазовые музыканты входили в более поздние версии Mothers of Invention,

Девап оставался основным компонентом его музыки.

Именно это он и заставил меня сделать в первый раз, когда я репетировал с группой.

И вы должны помнить, что я делал эту потустороннюю оркестровую музыку

с ним.

А потом я прихожу на первую репетицию, и он заставляет меня играть триоли.

Динь, динь, динь, динь, динь, динь, динь, динь, динь, динь, динь, динь, динь,

динь.

Я сказал, что это было очень странно, и мне тогда было не смешно.

Я был консервативным джазовым музыкантом.

И это было мне не по душе.

Я думаю, что он видел Девапа.

Он просто подумал, что это смешно.

Весь этот, знаете, "ду", тот звук, который исходит от вашего голоса.

И он, я имею в виду, я не могу говорить за него в этом отношении, но да, я думаю, он видел это как

комедия.

Ему это просто нравилось.

Он просто любил музыку.

Период.

И он находит комическое в чем угодно.

И после того, как оригинальные «Матери» распались, Заппа также показал, что у него была определенная любовь

и мог найти юмор в форме музыки, с которой он никогда ранее не был связан.

Джаз.

Отличительные черты этого высокоуважаемого и часто музыкально элитарного жанра начали проявляться

проникнуть в его творчество в конце 1960-х годов, в период, когда сами джазовые музыканты

начали расширяться и осваивать новые направления.

После многих лет, когда их считали несовместимыми языками, некоторые художники с обеих сторон

разрыв начал стирать грань между джазом и роком, и эти эксперименты заставили

рука более опытных игроков.

Так же мало кто ожидал, что Заппа собирался пойти в том направлении джазового влияния,

сделать, еще меньше могли предсказать, что Майлз Дэвис, крестный отец кул-джаза, будет

начать использовать электроинструменты и стать ведущей фигурой нового фьюжн-движения

музыка, которая должна была появиться.

Однако его переломный альбом 1969 года In A Silent Way сделал его образцом дальнейших экспериментов.

Его альбомы не очень хорошо продавались в 60-е годы.

С точки зрения художественного достижения, это был, вероятно, один из самых высоких уровней джаза.

уровни в современном понимании.

Но с точки зрения продаж это не особо работало.

И Колумбия оказывала на него давление, чтобы он взял пример с таких групп, как

как Blood, Sweat and Tears, Chicago, которые оба были на лейбле Columbia, и попробовать

и обновить его музыку, попытаться модернизировать его музыку каким-то образом.

In A Silent Way был частью продолжающейся серии экспериментов в студиях звукозаписи Columbia.

И Майлз Дэвис приводил музыкантов, что-то записывал, а потом Тиа Массеро,

продюсер, нарезал бы и редактировал бы его и придумал бы что-то пригодное для использования.

И в то время джаз и рок, безусловно, витали в воздухе.

Но Майлз Дэвис действительно не был уверен, как он хочет позиционировать свою музыку в ответ на это.

In A Silent Way на самом деле не похоже на шаг в сторону джаза и рока.

Ритмы определенно квадратные.

А дальше — больше текстур, настроений, очень модальное ощущение во всем.

Сейчас это рассматривается как первый робкий шаг Майлза Дэвиса.

По-настоящему он систематизировал этот стиль, выпустив Bitches Brew в 1970 году.

Это вполне однозначное заявление о сочетании джаза с роком.

Bitches Brew имел особое значение в одном смысле.

И это чувство показало коммерческую жизнеспособность объединения джаза и рока.

Для сравнения, In A Silent Way продал не так уж много пластинок.

Bitches Brew так и сделал.

И это пробудило музыкантов не только к потенциалу, музыкальному потенциалу, но и к

коммерческий потенциал адаптации или перестройки своей музыки в соответствии с текущими тенденциями

через популярную культуру в тонусе.

Принятие идеи объединения джаза и рока действительно было вызвано агностическим любопытством среди

зрители, которым эта идея очень понравилась.

Но, конечно, были и самые чистые джазовые авторы, которые считали, что джаз слишком священен.

иметь общее прикосновение и быть действительно равными.

Джаз и рок как движение к наименьшему общему знаменателю и наименьшему общему знаменателю

брака был рок, что им совсем не нравилось.

Идея о том, что их любимые джазовые музыканты перейдут в рок-формат или включат его в свою музыку,

в их арсенале было то, что извращало музыку.

Мы получили много ударов.

Конечно, Майлз одобрил музыку.

Его на самом деле не волновало, что думают другие.

И вот что было характерно для многих музыкантов той эпохи: мы не

действительно заботятся.

Мы создавали музыку.

Факты, которые могут не понравиться фанатам или критикам, не имеют значения.

иметь значение.

Мы были увлечены музыкой.

Это противоречит тому, что действительно часто происходит сегодня.

Но тот факт, что Майлз это делал, укрепил все это и дал всем право

Иначе говоря, если бы у них даже возникла мысль заняться такой музыкой, пусть бы это сделали.

И музыканты с обеих сторон пропасти начали использовать эти новые возможности.

Известные артисты из мира рока, такие как Джони Митчелл и Ван Моррисон, объединились

джазовые элементы в свое звучание.

И появились новые группы, участники которых могли органично сочетать оба стиля.

И многие из ключевых игроков на сцене ранее работали с самим Дэвисом.

Группа Майлза Дэвиса того периода породила множество других групп.

Музыканты, которые участвовали в записи альбома Bitches Brew, такие как Джон Глохлин, впоследствии сформировали группу Marjevishney.

оркестр, Джо Сарванор и снова стали короче на альбоме Bitches Brew, продолжили

для формирования сводки погоды.

И это были крупные группы, которые действительно стали доминировать на рынке джаз-рока таким образом, что

может быть, Майлз Дэвис этого не делал.

Этот период в музыке был, вероятно, одним из самых творческих, потому что

Сейчас так много всего происходит в плане экспериментов, использования идей, смешивания идей и создания

нечто совершенно иное.

И музыка развивалась во всех направлениях.

На самом деле, всё развивалось в том направлении, в котором хотели видеть музыканты.

Оркестр Марджевишнея использовал джаз-рок и индийскую музыку.

Это был еще один вариант джаз-рока.

Это был своего рода кроссовер, на который не смотрели свысока в духе

раз.

Его воспринимали как часть развивающейся музыкальной сцены.

И как еще одна часть этой развивающейся музыкальной сцены, работа Заппы с оригинальными Mothers

Invention мало чем напоминал джаз.

Хотя в своих интервью Заппа часто скептически или даже пренебрежительно относился к этому жанру, такие имена, как

как Чарльз Мингус, Сесил Тейлор и Роланд Кирк действительно появились в списке влияний на

Свободный подсчет.

Он мог скрыть это вдохновение более скрытно, чем очевидное и легко обсуждаемое влияние

современных классических или R&B-персон, но тем не менее он там был.

Говоря о жанре и Фрэнке, я ориентировался на джаз и творчество Фрэнка Заппы.

из произведения Weasel's Rip My Flesh.

На нем изображено барбекю в память об Эрике Долфи.

Ну, а кто такой Эрик Долфи?

Что здесь происходит?

А в песне «Oh No, I Don't Believe It» есть строчка: «Я думаю, ты, вероятно, вне игры».

на обед.

Представьте себе мое изумление, как молодого фаната Фрэнка Заппы, когда я просматриваю что-то второе

ручные записи в Норвиче.

Я вижу запись Эрика Долфи под названием «Out to Lunch» и обнаружил, что это был план для

всевозможные музыкальные события, происходящие в доме Фрэнка Заппы.

А если вы исследуете Out to Lunch, то обнаружите, что Эрик Долфи слушает Avogorre

классическая музыка, он мыслит абстрактно, вся суть Blue Note была в том, чтобы иметь

время репетиций для изучения современных идей.

Мы находимся в одной сфере современной музыки.

У него были герои в джазе.

Он любил бинго, он любил Долфи, он любил этих людей и он учился у них.

Однако с выходом альбома Hot Rats в 1969 году джазовые мотивы стали более очевидными.

Возникнув в самом начале джаз-рока, когда сам Майлз Дэвис еще не выпустил

семенные сучки варят, Заппа поэтому стоял не как последователь моды, а как

один из новых пионеров термоядерной энергетики.

Развитие термоядерной энергетики выходит за рамки самого Майлза Дэвиса.

Его записи и тот факт, что такая крупная фигура джаза обратилась к электрическим инструментам

было очень значимо в коммерческом плане, но вы не могли не иметь какой-то

имеющее дело с роком и джазом.

Джаз был поп-музыкой предыдущей эпохи.

Вот тут-то и появился рок-н-ролл, а затем рок-музыка стала новым языком популярной музыки.

Между двумя формами обязательно должны были состояться какие-то переговоры, независимо от того, был ли там Майлз.

или нет.

На самом деле, я рассматриваю Hot Rats как удивительное решение проблем, с которыми боролись

во всяком случае, с би-сессионными музыкантами.

Вы можете послушать Spontaneous Combustion Тома Скотта или Spiritfield Роджера Келлиуэя.

В аннотациях к обоим альбомам Заппа упоминается как часть сцены.

Они оба занимаются тем, как получить этот тяжелый рок-бит и использовать его, чтобы сделать что-то интересное.

музыка?

Как можно играть соло с таким тяжелым битом?

Они борются с той же проблемой.

Как будто они с этим борются, а потом приходят Горячие Крысы и просто сносят их.

из воды.

Это просто гениально.

Я думаю, важно здесь четко обозначить временные рамки.

Альбом Hot Rats был записан в 1969 году.

В тишине была записана в 1969 году, и ни одна из них даже отдаленно не похожа на

друг друга.

И все же Hot Rats — это однозначно сильное джаз-роковое заявление.

Его музыкальное предназначение совершенно однозначно.

Только со стороны люди говорят: «Да, Hot Rats сочетают джаз и рок».

очень эффективно.

Для меня это, пожалуй, самое эффектное сочетание джаза и рока на тот момент.

за 1969 год.

Другие группы играли более эзотерическую музыку.

Другие группы, возможно, делали акцент на роке в ущерб джазу или на джазе в ущерб

рока.

Но я думаю, что в целом, как убедительная мысль, зрелое музыкальное заявление для Hot Rats, это

весьма значимый альбом.

И я думаю, что это стало понятно только сейчас, оглядываясь назад.

Хотя большинство современников Hot Rats могли считать его просто инструментальным роком,

Заппа стал более узнаваем как артист, играющий в джаз-роке, с альбомом

он сделал запись вскоре после этого.

«Кинг-Конг» был совместным проектом с Жаном-Люком Понти, скрипачом с классическим образованием, чей

Работа в джазе сделала его пионером инструментальной музыки.

Объединив таланты обоих музыкантов, эта работа заставила джазовую публику встать и...

принять к сведению.

У вас был Фрэнк с его причудливой смесью яичного и R&B, и Понти был похож на него.

Он был суперзвездой классической скрипки.

Он научился играть на саксофоне, чтобы научиться импровизировать, а затем перенес то, что у него было.

научился играть на скрипке.

И если вы послушаете, как вступает его скрипка, какие резкие атаки у него бывают, он часто...

звучит как саксофон.

Так что его работа с Фрэнком просто кажется идеальной.

Я думаю, что его сольный альбом под названием King Kong — это просто фантастическое произведение.

Я бы сказал, что «King Kong» — это альбом, который пробудил джазовое сообщество к Фрэнку Заппе, который

ударил по обоим из-за иногда наиболее сатирического или конфронтационного аспекта его

В джазовом лагере музыку не воспринимали всерьёз.

Но когда это стало известно, люди осознали, что Заппа на самом деле был гораздо более широким

музыкант чем ударил двух было так.

И когда Заппа развивал звучание начала 1970-х, он привлекал музыкантов из

джазовый мир, который мог бы помочь ему воплотить в жизнь его уникальные композиции.

Одним из самых заметных дополнений к новой версии Mothers of Invention стало

Джордж Дьюк — восходящий талант, проявившийся благодаря работе с Жаном-Люком Понтеном.

Я получил много негатива от присоединения к Фрэнку, знаете ли, но не так сильно, как хотелось бы парням

Херби Хэнкок, когда они начали делать такие вещи, все стало немного хуже.

Да, нас немного критиковали, но, знаете, это нормально.

Я, выросший в районе залива, ходил в Филмор и видел Сантану,

Country Joe and the Fish и Cannonball, Adelaide в одном шоу.

Знаете, музыканты за кулисами начали обсуждать, что же произойдет?

Мы просто начали задаваться вопросом, что произойдет, если мы начнем объединять эту музыку, понимаете?

И это произошло на Восточном побережье, это произошло на Западном побережье, и это действительно так просто.

как это было.

Мы были исследователями.

Мы задавались вопросом, что происходит.

И Фрэнк действительно был частью этого.

И он стал еще более узнаваемым как часть этой сцены с альбомами 1972 года

Вака Джоака и Гранд Вазу.

Для этих двух записей, записанных в период выздоровления Заппы после печально известного

После нападения в Лондоне он нанял команду известных джазовых музыкантов, чтобы создать уникальный фьюжн-звук.

На Waka Joaka, первом из двух записанных альбомов, Заппа собрал избранную группу

музыкантов, и, что необычно для такого известного своим контролем композитора, дал им полную свободу действий

вносить свой собственный, отличительный вклад в треки.

Была бесплатная пластинка, мы просто пошли и сыграли, и это все, что интересовало Фрэнка.

мы просто играли.

Я имею в виду, что по сути это было похоже на джаз.

Мы были как джазовые музыканты.

Называл он это джазом или нет, это всё равно был джаз.

Это был альбом, который снова был похож на Hot Rat.

Это однозначно джаз и рок.

Big Swiftie — это значимый трек, снова импровизированная форма композиции, использование трубы

игрок.

Но это также позволило сравнить ее с музыкой Майлза Дэвиса просто потому, что Трамп

легкое соединение.

Но на самом деле, в оркестровке прослеживается влияние таких музыкантов, как Гил Эванс, который

был замечательный период сотрудничества с Майлзом Дэвисом в конце 50-х и 60-х годах.

На нем есть приглушенная труба.

В исполнении Сэла Маркеса его можно сравнить с Майлзом Дэвисом, потому что он тоже трубач,

Но стиль, в котором играет Сэл Маркес, этот щебечущий, нервный стиль настолько отличается

из спокойных, ровных, долгих заметок Майлза.

Мы находимся в совершенно другой атмосфере.

Я просто не вижу этих сравнений.

То есть, там есть момент, где слышны отдельные звуки гитары и барабанов.

Помню, как друзья говорили: «А, он тут как попугай повторяет Джона Маклахлена».

И возможно, что это был один из элементов того, что делал Фрэнк, но он всегда делает

так много разных вещей, что если свести это к намеку на то или на это.

Это своего рода способ заставить людей отказаться слушать пластинку.

Теперь у меня все получилось.

Это пародия, так что не имеет значения.

Хотя на самом деле там есть куча музыки, на которую стоит обратить внимание.

А Grand Wazoo вышел несколько месяцев спустя и также имел множество тех же игроков.

Размытые джаз и рок в несколько иной интерпретации.

Люди чувствовали, что да, он начинает играть что-то вроде сложного, хорошего джаз-рока.

Джазовый критик Джо Кимбарент, вы знаете, когда он был в восторге, вы знаете, это было фантастично.

Но если послушать эти две пластинки, то они на самом деле очень и очень разные.

Wacka Joacka — это прежде всего студия.

С Grand Wazoo создается ощущение, будто слышишь пластинку большого оркестра.

Ощущение такое, будто комната полна играющих музыкантов.

Очень приятная, летняя акустика.

У меня всегда возникает ощущение, когда я слушаю Grand Wazoo, что Заппа теперь движется дальше.

к другим вещам.

И это, по сути, история его карьеры.

Он никогда не оставался на одном месте.

И это, я думаю, одна из причин, почему это звучит немного по-другому, немного

немного свободнее, возможно, вернувшись к рок-джазу, а не к джаз-року.

Но и в этом нет ничего плохого.

Я думаю, что оба заявления важны на данный момент.

И, конечно, это отражало многое из того, что происходило в роке и джазе.

Потому что многие джаз-рок-группы на самом деле позиционировались как рок-группы.

Так что, в некотором смысле, реального разграничения не было.

И пока другие ключевые игроки движения продолжали создавать новые звуки и исследовать

возможности и ограничения музыкального кроссовера после Grand Wazoo,

Заппа отказался от своих более явных джаз-роковых тенденций.

Хотя в его более поздних альбомах присутствовал элемент джаза, как в плане

музыканты использовали и сами композиции, это был звук, к которому он никогда полностью не вернется

к.

Один из способов ответа Фрэнка критикам, которые обвиняли его в уходе из политики, когда

он создал дядюшку Мясо, одна из его фраз была, ну, я уже это говорил.

Это было сказано.

Мне нет необходимости повторять это снова и снова.

И я чувствую то же самое по поводу его поклонов джазу.

Там все есть.

Эрик Долфи является частью сути того, как Фрэнк думает о музыке, так же как и

Барабаны — Джимми Карблакс.

Так вот, когда я слушал джаз из ада, в котором мы как бы перебираем струны мозга Фрэнка,

На протяжении всей записи я нахожу интервалы Долфи на бас-кларнете.

Может быть, на джаз не обращали внимания, но в то же время я слышу Мингуса и

Долфи в том смысле, что Фрэнк мыслит аккордами.

Он там все время.

Оглядываясь назад на замечательную карьеру Заппы, можно сказать, что сейчас он — совершенно уникальный артист.

в истории популярной музыки.

Неподражаемая странность, его демократический слух и его настойчивость в объединении огромного разнообразия

музыкальных стилей в его творчестве не только возвращает его многочисленных поклонников к этим артистам

кто повлиял на него, но также может пролить новый свет на то, как музыка Заппы, работа

выдающийся современный композитор отказался умирать.

Я думаю, что он был способен фактически синтезировать всю музыку, которую он когда-либо слышал, в один инструмент.

альбом, хотя, на самом деле, говоря это, я имею в виду, я думаю, что вы можете рассматривать все

он сделал как одно непрерывное музыкальное произведение, я думаю, что все то, что когда-либо повлияло

его каким-либо образом, даже то, что ему не нравилось, имело тенденцию всплывать.

И я думаю, что это станет его непреходящим наследием.

Его музыкальная личность была настолько разнообразной, что его невозможно отнести к какому-то конкретному направлению.

область.

Иногда приятно иметь возможность зафиксировать положительные влияния и сказать: «Ну, X пришел».

из этого и Y произошло из того.

Сила музыки Заппы — это своего рода музыкальный идеализм, в том, что это и есть музыка.

И что там?

Я буду использовать все, что захочу, чтобы попытаться выразить то, что я чувствую в данный момент времени.

Это выходит за рамки жанров и удобных шаблонов.

И я думаю, именно поэтому его музыка продолжает завораживать и оставаться такой долговечной.

Мне жаль.

Мне жаль.

Мне жаль.

Мне жаль.

Мне жаль.

Мне жаль.

Мне жаль.

Мне жаль.

Мне жаль.

Мне жаль.

Мне жаль.

Мне жаль.

Мне жаль.

Мне жаль.

Мне жаль.

Мне жаль.

Мне жаль.

Мне жаль.

Мне жаль.

Мне жаль.

Мне жаль.

Мне жаль.

Мне жаль.

Мне жаль.

Мне жаль.

Мне жаль.

Мне жаль.

Мне жаль.

Мне жаль.