Original subtitles

자 그러면은 섹션 투 내 그림에 어울리는 빛이 따로 있다고에 대한 첫 번째 내용 다양한 그림자 표현에 대해서 한번 알아보도록 합시다

이번 강의에서는 총 두 가지 그림자 표현을 설명을 할 예정이에요 하나는 돌아가는 그림자고 하나는 떨어지는 그림자입니다

자 두 가지가 어떻게 다른지 어떤 경우에 사용을 하면 효과적인지 한번 보도록 합시다

먼저 첫 번째 돌아가는 그림자부터 한번 같이 보도록 해요

이쪽에 이 기초도 영어로 돌아가는 그림자를 강조한 채색을 사용해서 예제를 만들어 보았는데요

이 그림의 첫 인상이 어떠신가요 약간 쓰리디 모델링 같은 느낌도 있고 입체적이고 뭔가 약간 현실적인 느낌이 들죠

이 돌아가는 그림자를 강조한 그림에서는 이 물체의 표면을 타고 이렇게 둥그스름하게 물체의 모양을 잡아주는 이런 그림자가 지금 세 개 들어가 있는 상태예요

이 원기둥도 보시면 외곽으로 갈수록 어두워지는 그림자 이렇게 어두워지는 그림자 그리고 약간의 반사광 이렇게 들어가 있죠

이런 채색 방식은 이제 이 돌아가는 그림자라고 제가 부르는 이유는 물체의 외곽을 타고 돌아서 넘어가는 듯한 느낌의 그림자이기 때문에 명한 표현이기 때문에 제가 돌아가는 그림자라고 그렇게 좀 직관적으로 부르고 있는 상태고요

입체의 양감이라고 우리가 부르는 것은 입체의 어떤 단단함 부피감 질양감을 보여 주는 것 쉽게 말해서 덩어리 덩어리를 강조한 그림자입니다

자 그렇다면 이 돌아가는 그림자를 강조를 했을 때 얻을 수 있는 효과는 어떤 것들이 있을까요

이 첫 인상에서 느껴졌던 현실적이라는 부분 이 돌아가는 그림자를 사용을 하면 물체가 굉장히 쓰리디 입체적으로 보이기 때문에 더 튀어나와 보이고 따라서 더 존재감이 두드러진다는 점이 있습니다

물체의 입체감이 드러날수록 어떤 질량감 즉 얘가 얼마나 묵직한지 그런 것들을 보여 주기도 좋고요

그러면 두 번째 떨어지는 그림자는 어떨까요

이 떨어지는 그림자는 첫 인상이 약간 만화 카툰 같은 느낌이죠

그리고 명함 표현이 굉장히 간결하게 표현이 되었어요

자 여기서 이 떨어지는 그림자는 우리가 흔히 그림자라고 부르는 이 바닥에 그리고 이 뒤에 비춰지는 이 부분을 얘기를 하는 겁니다

요거 요거 요거

이 떨어지는 그림자라는 것은 물체에 가로막혀서 빛이 물체에 가로막혀서 그 뒤에 물체나 공간에 들이워진 그림자 즉 물체로부터 떨어져 있는 그림자를 떨어지는 그림자라고 제가 편하게 부르고 있어요

아까 돌아가는 그림자는 물체의 표면에 져 있는 명함이라면 얘는 물체로부터 떨어진 그림자 이런 차이인 거죠

그렇다면 이 예제에서 지금 떨어지는 그림자만 있느냐 하면 그거는 아니에요 굉장히 간결하고 또 연하게 단순화된 돌아가는 그림자가 존재하고 있어요 이 원기둥도 외곽으로 어둡게 어둡게 돌아가는 모습이 이렇게 보여져 있고 이 구도 마찬가지고요 여기서 이 몇 도 명암이라는 얘기가 나오는데요 이 몇 도 명암이라는 함은 가장 밝은 거 가장 밝은 거 그다음으로 어두운 거

가장 어두운 거 지금 일 이 삼 단계로 명암이 쪼개져 있죠 이 물체에서 이런 경우에 우리는 이거를 삼 도 명암으로 채색을 했다라고 부를 수 있어요

애니메이션을 떠올려 봅시다 애니메이션은 하이라이트를 제외하고는 이 고유색 물체의 원래 그 밝은색 부분 고유의 색깔 고유색 그리고 어두운 부분 이렇게 흔히 이 도 명암으로 만들어지는 경우가 많습니다

이 몇 도 명암이라는 말의 유래는 제가 추측하기로는 아마 인쇄업계에서 시작된 말이 아닐까 싶습니다

인쇄를 할 때 흑백의 경우에는 하얀 색깔과 까만 색깔 그래서 까만 색깔 잉크를 하얀 색깔 종이에다가 쓰는 거죠

그 경우에 우리가 그 흑백 인쇄를 이 도 인쇄라고 불러요 그리고 CMYK CMY와 블랙을 사용을 해서 네 가지 잉크를 썼을 때

우리 그걸 사 도 인쇄라고 불러요 앞뒤를 전부 다 사 도 사 도 컬러로 앞뒤를 전부 컬러로 인쇄하면 팔 도 인쇄 이런 식으로 부르거든요

그래서 아마 그런 느낌에서 따온 게 아닐까 일단 추측을 해 봅니다 그렇다면 이 떨어지는 그림자를 강조한 그림의 경우 어떤 효과를 낼 수 있을까요 물체가 돌아가는 그림자가 일단 훨씬 간단하게 표현이 되었기 때문에 더 납작하고 평면적이지만 동시에 가볍고 깔끔한 그림자가 될 수 있을 것이다

깔끔하게 보일 수 있다는 장점이 있어요

약간 가볍게 채색이 돼야 되는 그림들의 경우에는 캐주얼 일러스트 이런 게 있겠죠

카툰 이런 거에는 이쪽 떨어지는 그림자를 비교적 강조하는 편이 더 효과적이라는 뜻이에요

그럼 반면에 아까 보았던 이 돌아가는 그림자는 어떤 경우에 더 어울릴까요

반실사적인 그림체 반실사적인 그림체나 입체감이 확실하게 두드러져야 되는 그런 그림체에는 이쪽이 더 어울리겠죠

이 돌아가는 그림자의 예제에도 마찬가지로 떨어지는 그림자가 존재해요

이 부분이 떨어지는 그림자죠

근데 이것도 이쪽보다는 훨씬 더 부드럽고 사실적으로 이 테두리가 경계가 풀어지면서 더 약해지는 게 보이죠

딱 맞닿는 이 부분만 가장 강하고 이렇게 부드럽게 풀어지고

이쪽은 오히려 외곽이 더 진하게 한 번 눌렸을 정도로 떨어지는 그림자의 형태가 강조되어 있습니다

이렇게 두 가지를 놓고 비교를 해 볼 수가 있어요

컬러가 들어가면 조금 더 그 차이가 확연하게 두드러진다고 생각을 하는데요

이 왼쪽 같은 경우에는 컬러가 들어가면서 색이 약간 탁하게 된 감이 있죠

이게 좋게 말하면 좀 묵직한 감이 있는 거고 더 사실적인 실제로 이렇게 어떤 물체에다가 빛을 이렇게 빵 하고 때리면 어두운 부분은 약간 까만 빛이 감돌게 될 거예요

이런 식으로 약간 색깔이 전체적으로 좀 어두워지면서 현실감 있는 느낌이 살아나게 되고

오른쪽 같은 경우에는 이 돌아가는 그림자 자체가 연하기 때문에 이 어두움이 연하기 때문에 전체적으로 이 물체의 원래 색깔을 더 맑게 고체도로 보여 줄 수 있다는 장점이 있죠

근데 왼쪽에 비해서 전반적으로 좀 더 납작하고 플랫해 보이는 한 마디로 평면적으로 보이게 돼요

그렇기 때문에 그것을 보완하기 위해서 이 떨어지는 그림자를 세게 강조해서 이 떨어지는 그림자도 하나의 묘사 할거리로 사용을 하는 거예요

얘를 하나의 어떤 채색 파츠로 생각함으로써 이 형태가 딱딱 드러나게 되죠

얘네들이 전체적인 그림을 조금 덜 심심하게 만들어 주는 거예요

여기서는 이 물체 자체의 존재감이 굉장히 강하기 때문에 그림자를 그만큼 강조를 하거나 어떤 묘사거리로 할 수 있게 된다

활용할 필요는 딱히 없죠 자 그렇다면 이제 본격적으로 예시를 보면서 한번 같이 돌아가는 그림자와 떨어지는 그림자를 각각 어떤 식으로 표현을 하는 게 좋은지 한번 칠해 보도록 할까요

여기 예시 그림을 보면은 왼쪽은 캐주얼 일러스트 캐주얼 일러스트로 그린 그림에다가 떨어지는 그림자를 강조를 하고 돌아가는 그림자는 약간 생략을 해서 채색을 한 그런 그림이고요

오른쪽은 이제 돌아가는 그림자 떨어지는 그림자 둘 다 들어가 있기는 하지만 돌아가는 그림자를 조금 더 이렇게 강조를 해서 반실사 그림체로 그린 그림입니다

그러면은 이렇게 제 삼 강의 예제 파일을 열어주세요 삼 강의 레이어 파일을 열어 보시면은 이렇게 레이어가 맨 위에 이 프리즘과 설명글이 쓰여져 있는 레이어가 락이 걸려져 있을 거예요 아마 이게

있고 밑에 레프트 라이트 이렇게 돌아가는 그림자 떨어지는 그림자 각각 그루핑을 해 놓았을 거예요

그러면 먼저 왼쪽에 떨어지는 그림자부터 보도록 합시다

이렇게 파일을 열면 눈이 감겨 있는 게 있고 눈이 떠져 있는 게 있죠 눈이 떠져 있는 게 이 베이스 컬러 밑색을 칠한 부분이고요 이 위에 눈을 감겨 놓은 게 다 멀티플라위로 이렇게 그림자를 제가 미리 넣어 둔 거예요

그래서 이건 직접 채색을 해 보시면서 내가 지금 잘하고 있는 게 맞나 싶으면 한 번씩 예를 켜주셔서 확인해 보시면 좋을 것 같아요

자 그러면 본격적으로 채색하기 전에 간단하게 제가 사용하고 있는 단축키들 몇 개만 얘기해 보도록 합시다

단축키를 이제 제가 설명을 안 하고 넘어가면 어라 나 똑같이 썼는데 왜 나는 다르게 나오지 하실 수도 있을 것 같아요

제가 단축키 설정을 제 입맛에 맞게 좀 변형을 해 놓은 것들이 있어서 먼저 제가 자주 쓰는 거는 뭐 이제 이거는 다들 많이들 쓰실 것 같아서 컨트롤 제트 저는 지금 맥을 쓰고 있어서 코맨드 제트로 나오는데 이 표시 이 사각형 표시 윈도 쓰시는 분들은 그냥 컨트롤로 사용을 하시면 되구요 그리고 컨트롤 시 브이도 많이 쓰죠 컨트롤 시 브이라 에프는 제가 플립으로 사용하는데

사용하고 있어요 플립 좌우반전 그리고 지 지는 그라데이션이랑 요거 페인트툴 페인트마켓 채우기 이렇게 두 가지를 쓰고 있고요 컨트롤 어를 쓰면은 이 룰러가 나오고 그냥 어를 누르면은 선택범위 선택범위가 나옵니다 저는 자주 쓰는 올감이랑 직사각형 요렇게 두 개를 설정을 해 놓았어요 티 티는 에어브러시 이게 그 기본 설정이랑 다르기 때문에 한 번씩 짚고 넘어가야 합니다

넘어가고 있어요 에어브러시 근데 얘네들은 기본적으로 왼쪽 출바에서 다 선택을 하실 수가 있으니까 너무 걱정하지 않으셔도 될 것 같아요

제트 제가 제트는 블러셔나 요 물방울 두 개 얘를 쓰고 있고 엑스 엑스는 픽셀 유동화로 사용을 하고 있습니다

그 외에는 이제 제가 자주 쓰는 브러시 설정 같은 거예요 에이를 누르면 기본 브러시 중에 둥근 펜이 나오고요

한 번 더 누르면 제가 자주 쓰는 차콜 펜이 나옵니다

이 차콜 펜이 아마 그 소재에 가서 차콜을 검색을 하시면 나오는 펜인데요

이게 상당히 느낌이 괜찮더라고요

그래서 저는 얘를 좀 자주 쓰기 때문에 스케치 같은 걸 할 때 이것도 이렇게 에이로 설정을 해 놓았습니다

그리고 선을 딸 때 쓰는 펜은 큐로 설정을 해 놓았어요

이런 식으로 대강 제가 사용하고 있는 설정들 이 단축기들 말씀 드렸고요

컨트롤티 코맨드티는 이제 트랜스폼 이는 지우개 더블유는 자동선택 이 마법봉이라고 부르죠 흔히 법봉이 법봉이는 더블유 이렇게 쓰고 있어요 대부분 다 왼손으로 누를 수 있는 범위 안에서 사용을 하고 있습니다

그런 거 말고 이제 나중에 설명을 드릴 건데

코맨드 엘 뭐 레벨값이나 코맨드 유 이 색상 채도 명도 이런 것들 이런 것들도 나중에 에뒷으로 가서 여는 걸 한 번씩 보여드릴 테니까 너무 걱정하지 않으셔도 괜찮아요

자 그러면은 떨어지는 그림자 여기서 얘를 전부 다 채색을 하는 거를 보여드리기에는 시간이 너무 많이 소요가 되니까 이 그림자는 꼭 잡아줬으면 좋겠다

하는 것들 위주로 한번 보도록 합시다

이 떨어지는 그림자는 지금 보면은 이 그림자를 레이어 레이어 마다의 파츠마다 나눠 갖고

이렇게 하나씩 채색이 된 것처럼 보일 거예요

근데 제가 이걸 처음에 채색을 할 때 이런 식으로 스킨 위에다가 새 레이어 만들고 멀티플라이를 해서

이렇게 피부에만 해당하는 영역에다가 이렇게 채색을 하고 그다음에 반복해서 다른 이 파츠에도

똑같이 해주고 라고 생각을 하실 수가 있는데 사실 저는 그렇게 하면 너무 시간이 소모가 많이 되는 것 같아서 한꺼번에 이 맨 위에다가 멀티플라이 레이어를 하나 만들고 플리핑을 해줘요

그리고 회색으로 회색조로 오패스틱 백 을 만든 이 둥근 펜으로 갔다가 불투명도 백 이로 전체적으로 다 그림자를 한 번 넣어주고 이를 각각 레이어 위에 나눠 갖고 나중에 나눠서 색만 바꿔줘요

또는 이거 귀찮을 때는 사실 아예 레이어 분리도 안 해 주고 얘를 잠금해 둔 상태에서 색깔만 바꿔 줄 때도 많아요

아무튼 맨 위에다가 클리핑으로 멀티플라이 레이어를 하나 만들고 둥근 팬 오패스티 백으로 한번 시작을 해 봅시다

먼저 지금 여기서 가장 포인트가 되는 부분이라고 본다면은 이 모자 때문에 떨어지는 그림자겠죠

이 모자 챙의 형태에 맞춰서 머리 위에다가 이렇게 둥그스름한 곡선을 그려주겠습니다

얘는 꼭 들어가는 편이 좋다고 생각을 해요 위에 드리워져 있는 물체가 있으니까요

자 이렇게 넣어주고 개인적으로 이 한쪽 눈을 살짝 가리는 둥 만은 둥 하는 게 꽤 포인트가 된다고 생각해서 저는 이렇게 그림자를 넣어주었고요

빛의 방향은 이런 경우에는

엠은 마커로 쓰고 있습니다 이렇게 살짝 위 정면 정도가 되겠죠 이 정도 그리고 또 떨어지는 그림자 꼭 잡아야 되는 부분이 어디 있을까요 목 아래겠죠 머리통이 크기 때문에 머리통이 커서 그 밑에 있는 목에 이렇게 그림자가 생기게 됩니다 이 얼굴의 형태를 따라서 그리고 지금 이게 목이 앞으로 내밀어져 있기 때문에 앞으로 내밀어져 있기 때문에

목이 있기 때문에 목 뒤에도 이렇게 그림자를 잡아 주는 편이 좋아요

그리고 이 머리카락이 갑자기 어디서 튀어나온 게 아니죠

얘도 머리 뒤에서 나오는 머리카락이기 때문에 이 머리카락에도 명암을 넣어 줍시다 이런 식으로

그리고 이 가슴팍 가슴팍 쪽에 기타 뒤로 빠지는 부분 얘가 몸을 약간 앞으로 수그려서 이 기타를 잡고 있는 느낌으로 포즈를 취하고 있기 때문에

여기는 살짝 이 기타 부분을 제외를 하고 올가미로 선택을 해서 이렇게 시프트를 누른 상태로 하면 올가미 추가가 됩니다

알트를 누르면 마이너스가 되구요 이렇게 해 놓고 에어 브러시로 가서 이렇게 한 번 아래쪽부터 은은하게 어두워지는 그라데이션을 넣어 줄게요

이렇게 그라데이션을 한 번 깔아주고 나면 훨씬 더 자연스럽게 그림자가 들어가게 되거든요 위에 센 그림자를 넣어줍니다

이렇게 해 주고 나서 이제 이 머리카락이 층층이 되어 있죠

이 평면적인 어떤 이런 간결한 캐주얼한 그림을 그릴 때는 머리카락이 덩어리보다는 종이 조각들이라고 생각을 하는 게 편해요

이렇게 겹쳐져 있는 종이 조각들인 거죠

그러면 이 위에 있는 종잇조각 때문에 아래에 있는 종잇조각에 이렇게 그림자가 들어오고 이렇게 그림자가 들어오고 이런 형태가 되는 거예요

이거를 상상을 하면서 위에 있는 이 종잇조각 때문에 아래에 이렇게 그림자가 생기고 이 사이 틈 사이를 꼼꼼하게 이렇게 명함을 넣어줍니다

그 다음에 여기 아래쪽에 들어가는 부분 여기도 명암을 넣어줍니다

여기도 지금 선을 안 그어놨는데 이렇게 하나의 종잇조각이 있기 때문에 그렇게 있다고 상상을 하고 이 뒤에 부분에 그림자를 넣어줄게요 이런 식으로

그리고 지금 아까 이 어두움을 한번 깔아줬잖아요

근데 위에 이렇게 튀어나온 위에 를 얹혀져 있는 이런 머리카락은 지우개로 이렇게 한 번씩 지워가면서 이렇게 밝은 부분을 다시 살려 줄 수도 있어요

지우개를 그냥 틀린 거를 수정하는 데만 쓴다고 생각을 하시는 분들이 많은데 지우개도 엄연히 그리기 툴이에요

지우개를 투명한 펜이라고 생각을 해 주세요 투명한 브러시다

그러면 훨씬 더 활용도가 높아지게 되겠죠 이런 식으로 머리카락이 그림자 그리고 이 귀 아래 귀 아래 이 앞에 있는 종잇조각 뒤에 있는 이 영역 이 뒤에서 나오는 머리카락 귀 뒤에도 꼼꼼히 명함 넣어주고 머리카락은 개인적으로 이런 캐릭터 일러스트의 생명이라고 생각하기 때문에 좀 꼼꼼하게 넣어주고 있습니다

그리고 그리고 또 지금 여기서 떨어지는 그림자가 뭐가 있을까요 잘 보이는 거 잘 보이는 거부터 보면 여기 이 위에 있는 팔 때문에 아래쪽의 팔에 이렇게 그림자가 이런 식으로 드리워지게 되는 거죠 이 그림자가 있음으로써 이쪽 위에 팔과 아래쪽 팔 사이의 거리감이 드러나게 되는 거예요 여기서부터 작게 시작을 해서 점점점 이 거리가 벌어지면서 아래쪽 이렇게 그림자가 떨어지는 거니까요

이런 식으로 해요

그리고 지금 여기에 이 어둠은 뭔가요 라고 하실 수 있는데

이거는 이제 앞에 있는 이 기타 기타가 뒤로 이렇게 그림자가 드리워진 거죠

사실 이 그림자는 생기지 않을 수도 있어요 어떤 경우에 빛이 약간 오른쪽에서 오는 경우가 아니라면 이 그림자가 이렇게 갈 수도 있는 거죠 또는 이렇게 이렇게

근데 이거는 지금 앞쪽의 밝음과 이 뒤로 빠진 부분을 분리시켜 주기 위해서 약간 만들어낸 그림자라고 생각을 해 주시면 될 것 같아요

어차피 우리는 지금 사실적인 무언가를 그려내는 게 아니라 그림을 그려내는 거기 때문에 그림의 가독성을 높이기 위해서라면 조금 이렇게 억지스럽지만 실제로 존재하지 않을 수도 있지만 그런 것들을 넣어 주는 거죠 마치 하이라이트처럼 실제로 이렇게 손 관절 명령을 적용해서 그림자를 그려낼 수 있게 된 거죠

실제로 이렇게 손 관절 마디마디가 빛나는 사람은 없잖아요 그런 것처럼요 그리고 여기서 지금 팔꿈치 밑에가 어두운데 이거는 돌아가는 그림자가 맞아요

근데 아까도 말했다시피 떨어지는 그림자를 강조한다고 해서 돌아가는 그림자가 아예 없는 건 아니기 때문에 이렇게 어떤 포즈를 강조할 수 있는 경우에는 돌아가는 그림자를 좀 한정적으로 사용을 해 주는 편이 좋아요

그리고 또 지금 팔꿈치 아래는 유난히 어두워지게 보이는 이유가

이거는 위에다가 그림을 하나 그려봅시다 원기둥이 있다고 치는데 이 원기둥이 지금 이렇게 서 있는 게 아니라 이 팔처럼 이렇게 누워 있다고 봅시다

그런데 빛이 위에서 오고 있어요 그러면 여기 아래가 이렇게 어둡게 보이게 되겠죠

그런데 팔꿈치를 약간 들어 올렸기 때문에 정확히는 이 삼각불이 하나 붙으면서 이런 식으로 지금 그림자가 지게 되는 거예요

우리가 지금 보고 있으면 여기랑 여기 이 부분에 그림자가 보이는 거죠

이걸 그려주지 않으면 팔을 들어 올려서 팔꿈치가 앞으로 튀어나와 있다라는 게 잘 이 포즈가 안 읽히기 때문에 일부러 이 밑에 부분은 이렇게 돌아가는 그림자를 그려 주지 않습니다

넣어주게 됩니다 이 구조를 보여주기 위해서 이 부분은 왜 이렇게 동그랗게 잡혀 있나요라고 물어보신다면 팔을 구부릴 때 지금 한번 구부려보세요 진짜 마르신 분들이 아닌 이상 여기 팔이 접히면서 이렇게 양쪽으로 밀려 나오게 돼요 살이 이 접힌 부분만큼 그게 이렇게 동그랗게 살로 튀어나오기 때문에 그림자도 동그란 살의 아래 부분에 찍게 되는 거죠 그리고 또 떨어지는 그림자 확실한 부분들 어디가 있을까요

보면 여기 이 소매 아래 부분 이 위에 오 때문에 파래지는 그림자가 있죠

여기서 이런 식으로 그림자를 굉장히 넓게 잡을 수도 있겠지만 지금 이 옷이 엄청나게 펑퍼지 많은 옷이 아니고 이 부분은 몸에 딱 달라붙어 있잖아요 몸에 딱 달라붙은 부분은 그림자가 그렇게 길게 떨어지지 않아요 특수한 빛의 경우가 아닌 이상 그래서 몸에 달라붙어 있는 부분에서 시작을 해서 야외에서 시작을 해서 점점 떨어지는 대로 그림자를 잡을 수 있게 된다

그림자가 퍼지도록 이렇게 모양을 잡아줍니다

이렇게 해주는 편이 옷과 이 팔 사이의 거리감이 좀 더 잘 보이게 되겠죠

아 여기는 붙어 있구나 여기는 떨어져 있구나 하는 그런 거리감이요

그리고 또 확실하게 떨어지는 그림자들 이 손 밑에 기타의 팔 때문에 생기는 그림자

그리고 여기도 손 밑에 생기는 기타에 생기는 그림자

그리고 이 손가락의 모자 때문에 살짝 그림자가 이렇게 지게 될 것 같네요

그리고 지금 이 손가락 밑에 어둡게 해놓은 것은 약간씩 돌아가는 그림자

이 손가락 하나하나를 원기둥이라고 생각을 하고 아래쪽을 약간 어둡게 잡아주었어요

그리고 지금 이 손 등 바깥쪽으로 갈수록 약간 어둡게 잡아주었는데요

이거는 이제 이 손의 입체감을 보여주기 위해서 손이 여기가 완전 평평한 게 아니라

얘를 구조를 따져보면 이렇게 생긴 상태죠 지금 이렇게 그렇다면 빛이 정면 위에서 쏘았을 때 가장 밝은 부분은 이 위에 그리고 이 옆면 정면 부분을 바라보고 있으니까 여기 그러면 어두워지는 거는 이 옆으로 돌아가는 이 부분이겠죠

그래서 여기를 이렇게 어둡게 잡아주고 이렇게 하면 여기 그림자가 너무 진해지지 않나요

이 돌아가는 그림자가 지나치게 강조가 되어서 이상한데요

그럴 때 요거 이 올가미로 감싸서 부드러운 지우개를 가져옵니다

그리고 필요한 만큼 지워주세요 가장 바깥쪽만 좀 어둡게 남도록

요렇게 이런 식으로 해서 적당히 돌아가는 그림자는 좀 죽여줄 수가 있죠

그리고 또 해야 되는 것들이 이 모자가 빵모자이기 때문에 얘는 굉장히 둥글스름해서

아까 그 구도 그래도 어두운 부분을 잡아줬던 것과 마찬가지로

얘도 이렇게 잡아줍니다 대강 감이 오시죠 어디를 어떤 식으로 잡고 있는지 지금 이 명안 표현들은 이런 식으로 이렇게

이게 일단 떨어지는 그림자를 강조한 채색 방식이에요 그리고 여기서 이 앞에 튀어나온 부분과 뒤로 돌아가는 부분들을 강조해주기 위해서

이렇게 뒤쪽으로 꺾인 손가락이라든가 이런 것들은 좀 더 그림자 표현을 넣어줄 수 있게

이런 식으로 그리고 워머 같은 경우에도 지금 이 오른쪽에 있는 이 친구랑은 다르게 이렇게 얘를 원기둥을 강조하는 그림자는 거의 안 들어가 있어요

근데 이 주름 주름 밑에 보이는 이 그림자들만 이런 식으로 지금 잡아 놓은 게 보이실 거예요

이렇게 접혀 있는 이 주름들 얘네들만 잡아주고 팔의 원기둥은 지금 잡지 않습니다

전체적으로 얘가 평면적이다 평면적인데 이 주름 같은 거 위주로 주름이나 어떤 이 형태를 보여 주는 것들 형태라고 해야 될까요

이 앞 뒤의 거리를 보여 줄 수 있는 것들 또는 위에 떠 있는 것을 보여 줄 수 있는 것들 이런 것들을 지금 중심으로 잡는 겁니다

중심으로 해서 명암을 넣어주고 있습니다

어 이런 시보리 같은 거 이런 거는 어떻게 묘사를 하나요 이런 거는 사실 꽤 간단한데 이렇게 슥슥슥 그어주세요

그런데 이렇게만 하면 너무 진하고 눈에 띄어서 안 예쁘죠 그렇다면은 얘도 여기서 다시 등장하는 올가미툴 올가미툴을 적극적으로 활용을 해주세요

그리고 부드러운 지우개 데스티니 조금 낮추겠습니다 하드니스 이 딱딱한 정도는 가장 낮은 걸로 그래서 빛을 받는 부분은 살짝 지워주면 되죠

요렇게 이런 식으로 반복해 나가면서 그림자를 넣어주면 되구요 이거 색깔을 어떻게 바꾸는지도 한번 간단하게 스피디하게 넘어가 보도록 합시다

이 멀티플라이 레이어를 이 불투명도 잠금 요거 자물쇠 잠금 해주시고

밑에 스킨 레이어 이쪽 지금 이 코맨드 제가 코맨드를 누른 상태로 클릭을 하면은 이 키가 안 뜨게 되는데 코맨드 또는 컨트롤을 누른 상태로 이 스킨 레이어의 네모 박스를 클릭을 해주세요

그러면은 지금 이 스킨에 칠해진 부분이 선택 영역이 되잖아요

그러면 다시 이 상태로 위에 이 멀티플라이 레이어로 올라가서 내가 원하는 색으로

이 피부니까 약간 요 조금 어두운 핑크색 약간 어두운 핑크색으로 이렇게 컨트롤 에프로 저는 채우기 이 자동 칠하기를 쓰고 있는데 그게 지금 설정이 만약에 안 되어 있다면은 그냥 이 커다란 펜으로 이렇게 쓱쓱쓱쓱 칠해주셔도 괜찮아요 요런 식으로 요렇게 피부를 칠해주고 그리고 그다음에 이 핑크색 톡 핑크톱이라고 되어 있는 거 있죠 이 톱을 똑같이 칠해주시고

컨트롤을 누른 상태로 컨트롤이나 코맨드를 누른 채로 레이어 박스를 클릭을 해서 선택 영역 만들어주고 다시 멀티플라이 레이어로 돌아와서 이렇게 칠해줍니다

좀 더 진한 색으로 저는 칠해주도록 하겠습니다 그리고 이 화이트 라인이라고 되어 있는 부분은 지금 이 옷의 하얀색 라인 부분이에요

그리고 기타 선택 영역으로 만들어서 멀티플라이 레이어로 가서 어두운 갈색 지금 여기 색깔 바뀌는 게 보이시죠 어두운 갈색 기타 그레이 이 대부분 사실 제가 기타를 쳐본 적이 없어서 얘를 뭐라고 부른지 모르겠어요 이게 기타 바디고 이게 뭐지 헤드인가 아무튼 얘도 어두운 약간의 흰색으로 만들고 있어요

약간 푸른색 도는 회색으로 이렇게 잡아주도록 하구요

그 다음에 머리카락 헤어 헤어로 가서 얘도 마찬가지로 좀 어두운 이 푸른끼 도는 회색으로 이렇게 칠해줄게요

이때 한 가지 팁이라고 하면 밝은 색상 밝은 이 고유색 자체가 밝을수록 그림자도 다소 밝게 넣어주구요

밑에 베이스 컬러가 어두울수록 위에 그림자도 어두운 색으로 넣어주는 게 좋아요

왜 그렇게 하냐면 단순히 예뻐 보이려고 하는 게 아니라 우리가 날 좋은 날에 햇빛이 좋은 날에 하얀색 옷이나 하얀색 이불 같은 거를 밖에 널어 놨다고 상상을 해 봅시다

그럼 그 이불이나 옷이 굉장히 하얗게 빛이 나듯이 반짝반짝 밝게 보이죠

반면에 까만색 옷이나 종이 같은 건 빛을 쏴도 그렇게 막 반짝거리는 밝은 느낌이 나지는 않아요

그 이유가 고유명도가 높을수록 빛을 반사하는 정도가 강해지고요 어두운 색일수록 빛을 흡수합니다

이거는 아마 학생이라면 학교를 다녔으면 과학 시간에 한 번씩 배운 내용일 거예요 어두운 색일수록 빛과 온도를 흡수한다는 것

그렇기 때문에 이 하얀색 부분은 빛을 똑같이 쏘았을 때 더 산란하고 반사하는 정도가 심해서 더 밝게 보이게 되고요 그림자 영역도 어두운 색은 이제 그 반대로 흡수를 하기 때문에 그림자 영역은 더 어둡게 보이게 되는 거죠

자 지금 헤어까지 했죠 마지막으로 이 앞 워머 이 팔 워머로 가서 다시 컨트롤 클릭 선택영역 만들어 주고 얘는 약간 회색으로 밝은 회색으로 밝은 회색으로 이렇게 바꿔 줄게요 근데 약간 은은한 이 약간 붉은기 도는 이런 느낌이 있죠

이거는 어떻게 하는지 차근차근 알려 드릴게요 그리고 마지막으로 이 햇 선택영역 만들고

멀티플라이 레이어로 가서 재색을 해 주셔야 돼요 얘는 약간 푸른 색깔 푸른 색으로 이렇게 넣어 주었습니다

그럼 저는 이 경계선에 채도 높게 이 예쁜 색깔 넣는 거 이거 어떻게 하는지 알고 싶어요 하시는 분들

이 에어브러시로 일단은 에어브러시로 가서 원하는 밝은 주황색 붉은색 선택해주시고 에어브러시는 강한 하드미스는 영 브러시 덴시티는 그냥 적당히 그리고 사이즈는 조금 줄여서 이렇게 빛을 받는 부분 위주로 지금 이 워머 같은 경우에는 팔의 중심부 빛을 받는 이 중심부가 되겠죠 가장 튀어나온 원기동으로 치면 여기 여기를 이렇게 쓱

칠해주는 겁니다 여기도 마찬가지로 빛을 받는 부분 이렇게 써요

그리고 여기 이 경계의 채도를 올리는 이유는 빛이 완전히 딱 떨어져서 여기서 빛 그림자 끝 이렇게 되는 게 아니라 빛이 살짝 산란이 돼요 반사가 되면서 이 표면에서 이렇게 번지게 되는 거죠

그런 경우에는 이 번진 빛이 그림자 경계 안으로도 살짝 들어가면서 이 그림자 경계가 밝아지거나 채도가 더 높게 보이는 경우가 있어요

그렇기 때문에 여기는 다시 둥근 펜으로 돌아와서 불그스름한 색을 조금 채도가 높은 불그스름한 색을 선택을 해 주고 이렇게 넣어줄 수 있는 거죠

이렇게 경계를 이런 식으로 불그스름하게 이렇게 넣어줄 수 있습니다

여기도 경계를 불그스름한 색을 넣어줄 수 있습니다

얼만큼 채도가 높은 색을 쓸지는 이제 개인의 취향 차이도 좀 있다고 생각해요 저는 여기서는 그렇게 센 색깔을 쓰지는 않았어요

이렇게 여기서는 좀 더 잘 보이라고 지금 이런 색깔을 쓰고 있고요 머리카락은 어두우니까 여기는 좀 어두운 붉은색 이런 식으로 만들어 주었습니다

그러면 오른쪽이 돌아가는 그림자 한번 볼까요 얘도 지금 칠해 놓았던 거 켜주고 옆에 놔주고

얘는 이 왼쪽이랑 느낌이 확연히 다르죠 채색 방식 자체가

이 라이트 돌아가는 그림자로 가서 얘는 이 위에 눈이 감겨 있는 레이어가 멀티플라이 레이어가 아니라 노말 레이어예요

저는 이런 식으로 그림을 그릴 때는 멀티플라이를 쓰는 것보다는 그냥 이 레이어 자체에다가 바로 채색을 해 버리기 때문에 얘를 복사해서 이렇게 갖다놓은 상태고요 이런 식으로

그래서 이 스킨 레이어부터 시작을 해 볼까요

얘도 마찬가지로 전부 다 보여드리는 건 아니고 이런 부분은 꼭 강조를 해 주거나 여기는 꼭 묻히지 않았으면 좋겠다는 부분 또는 많이들 어려워하시는 부분들 위주로 한번 보도록 할게요

자 먼저 스킬 레이어를 잠금을 해 줍시다 잠금을 해 주고 얘도 마찬가지로 떨어지는 그림자는 일단 잡아줘야겠죠

근데 이 돌아가는 그림자를 쓸 때는 제가 오패스티를 살짝 낮춰서 써요 아까는 오패스티 불투명도 백으로 썼는데 지금 이번에는 일단 한 오십 정도로 낮춰서

그리고 적당히 좀 어두운 핑크색 붉은색을 골라서 간단한 그림자 영역을 칠해줍니다

이 확실하게 생기는 그림자들은 사전에 먼저 이렇게 짚고 넘어가는 편이 좋아요

아까 여기 옆에서 떨어지는 그림자에 넣었던 이 목 밑 그림자나 모자 때문에 생기는 그림자 같은 거는 얘라고 해서 예외는 아니죠

그런 부분들 확실하게 칠해주고 이런 부분도 마찬가지로 여기도 사실 여기를 칠할 때는 오피스티를 조금 더 높여서 써도 돼요 이런 식으로 해주도록 하고요

그다음에 이 얼굴 조형 같은 걸 건드리기 전에 이 큰 파트부터 먼저 하나씩 봐봅시다

이 채색을 할 때 이렇게 확대해 갖고 얼굴 막 눈동자 이런 부분부터 막 채색을 하시는 분들이 있는데 채색을 하는 데 뭐 정해진 순서는 없지만 내가 아직 채색이 좀 안 익숙하다 전체를 보는 눈이 부족하다 내가 채색하고 나면 얼굴만 엄청나게 눈에 띄고 다른 부분은 뭔가 허접해 보인다라고 생각하신다면 이 커다란 파트부터 차근차근 하시는 거를 저는 추천드립니다

그게 좀 더 전체의 밸런스를 보기가 쉽다고 생각을 하거든요

이런 식으로 두고 오피스티를 거의 한 삼십 정도로 좀 많이 낮춰 줄게요

그렇게 하는 이유는 지금 이 돌아가는 그림자는 그림자가 은은하게 이렇게 퍼지면서 외곽으로 갈수록 점점 진해지는 게 포인트죠

그렇기 때문에 얘도 마찬가지로 이렇게 중첩이 되면서 바깥쪽으로 점점 진해지도록 표현을 해 줄 수가 있어요

여기도 이렇게 한 번 한 번 채색이 된 것과 이렇게 두 번 두 번 채색을 하면서 손가락의 외곽을 좀 더 어둡게 이렇게 잡아준다던가 세 번 채색을 하면서 더 어둡게 눌러주고 이런 식으로 색을 쌓아가기 때문에 이 명암을 어두움을 쌓아가는 게 돌아가는 그림자에서는 굉장히 중요하기 때문에 이런 식으로 오패스티를 백 퍼센트로 하는 게 아니라 좀 조절을 해서 살짝 더 어둡이게 된 것이다

사용을 해주고 있습니다 그리고 이 관절열이 이렇게 이렇게 튀어나와 있죠

그러면 그 아래 부분이 살짝 어두워질 때 이런 식으로 손등이 어두운 부분들 빛이 위에서 오고 있으니까 아래쪽으로 갈수록 더 이렇게 어두워지겠죠 이런 부분들도 연하게 잡아줍니다

관절 이렇게 툭 튀어나온 부분들도 이런 건 사실 좀 더 나중에 잡아도 되는데요 작은 파트라서 일단 손 하는 김에 한 것만

보여드리자면 이런 식으로 여기도 뒤로 꺾인 부분은 여기가 손관절 마디가 이렇게 튀어나오니까요

여기가 이렇게 기타를 뒤로 잡고 있는 부분을 어둡게 만들어 주는 거죠

여기 이 팔 이거는 원기둥이죠 원기둥이기 때문에 얘도 바깥쪽으로 갈수록 더 어둡게 이렇게 잡아주고

이쪽으로 갈수록 더 어둡게 그리고 얘도 마찬가지로 원기둥의 아래쪽 이 팔꿈치 아래쪽은 진하게 잡아주도록 합시다

그리고 이 돌아가는 그림자는 좋은 점은 훨씬 더 뭐라고 해야 될까 섬세하고 그림자의 단계를 넓힐 수가 있어요

왼쪽은 그림자 단계가 뭐 일 도 이 도 삼 도 이런 식으로 딱딱 나누어지고 그 단계 안에 속한 그림자만 존재하는 반면 얘는 되게 세밀한 섬세한 단계를 갖출 수가 있어요

삼세한 그림자의 단계 표현이 가능하다는 게 장점이죠

그래서 이 앞에 있는 팔을 더 이렇게 밝게 보여주기 위해서

뒤에 있는 팔은 이 살이 이렇게 튀어나온 부분까지만 밝혀주고

이렇게 한 번 어둡게 눌러줄 수 있는 거죠

이러면 자연스럽게 이쪽이 더 튀어나와 보이게 되니까요

여기서 지금 보면은 이 터치가 굉장히 더덕더덕 좀 안 예쁘게 보이게 되었죠

여기는 이제 흐리게로 한번 정리를 해 줍시다 흐리게로 정리를 해 줄 수도 있고 나는 이 흐리게 툴이 좀 어렵다 난 이거 이렇게 쓰는 것만 하면은 좀 뿌예지는 것 같다 싶으신 분들은 그냥 펜으로 가서 이 밝은 색 영역을 선택을 해 주세요 밝은 영역을 선택을 해 주고 저는 약간 더 불그스름한 색을 놓고 싶어서 이 홍조 칠한 부분을 선택을 해 줄게요 그걸로 이렇게 위에 어두운 거 밝음을 기준으로 해 주시고

경계를 한번 지나가주면 좋아요

이러면 지금 이 살짝 붉어스름한 살색도 더해지면서 동시에 어두운 부분이 조금 사라지는 게 보이죠

이런 식으로 밝고 어두움을 조정을 해줄 수도 있습니다

어두운 부분들 근처에서 색을 찍어와서 다시 조금씩 이렇게 더 넣어줄 수도 있고 이런 식으로

이렇게 하면 자연스럽게 이 팔에 입체감이 나오게 되죠

팔이 조금 많이 핑크색인 것 같아서 좀 주황 색깔도 섞어주고

하면서 색을 적당히 이렇게 만들어 줍시다 이런 식으로 해

여기도 손등이 좀 너무 칙칙한 감이 있으니까 이 핑크색 밝은 핑크색 부분 선택해서

한번 이렇게 터치를 해 줄게요 약간 주황 색깔도 섞어서

이렇게 톡 튀어나온 관절맞 부분이라든가 이런 데는 좀 더 밝아져도 괜찮겠죠 이런 식으로

여기 이쪽 팔도 지금 이 터치 막 지저분하게 남은 거 꼴보기 싫으니까 서둘러서 풀어줘버렸어 안 보이게

그리고 얼굴 내가 진짜 반실사 이런 약간 컨셉아트 스타일로 그리고 싶은데 얼굴 너무 어렵습니다 하는 분들 제가 많이 어려워하는 부분들 위주로 한번 쓱 정리를 해 볼게요

일단 코 코 진짜 어떻게 표현해야 될지 모르겠다는 얘기 정말 많이 들었어요

이 코가 굉장히 어려운 게 코를 진짜 사실적으로 표현하면 표현할수록 뭔가 그 불쾌한 골짝이라고 해야 될까요 코주부처럼 되는 경우도 있고 코에 흔히 분필을 넣었다고 하죠 분필을 넣은 것처럼 굉장히 뭔가 잘못된 코처럼 그려질 때가 많죠 저는 사실 이거는 완전 실사라기보다는 살짝 반실사이기 때문에 현실에서 코끝이 이렇게 뾰족한 사람이 없잖아요 그래서 약간 이렇게 데포르메가 들어간 상태라는 것 참고해주시면 좋을 것 같고

이걸 어떻게 명함을 넣느냐 일단은 콧대부터 시작을 합니다 이 돌아가는 그림자라는 것은 물체가 이렇게 튀어나와 있을 때 물체의 정면에서 빛이 오고 있을 때 외곽으로 갈수록 어두워진다는 특징이 있죠 바깥쪽으로 갈수록 어두워진다 이게 구로 설명을 하지 않고 만약에 이런 뾰족한 이런 삼각불이라고 합시다 삼각불이라고 하면 여기서 이렇게 빛을 정면 위에서 쏘아 놓고

여기가 밝아지고 바깥쪽으로 갈수록 점점 어두워지죠

그리고 만약에 이게 밑바닥이 보이고 있으면 밑바닥이 어두워질 테고 이런 식으로 되겠죠

이게 코라고 생각을 해 보는 거예요 그러면 코가 이렇게 삼각형이 있다고 치면은 이 외곽 쪽으로 갈수록 어두워지겠죠

그래서 미간에서부터 살짝 이 선을 일단은 따라서

이렇게 내려와 줍니다 코의 형태를 살짝 이렇게 그림자로 잡아 주도록 하고요

그리고 여기서 이 외곽을 한 번 더 어둡게 눌러 주는 거죠 지금 여기를 만들고 있는 거예요 그리고 얘도 제트 흐리개로 한 번 풀어줍니다 이런 식으로 이렇게만 해도 약간 이 콧대가 보일락 말락한 상태가 되었죠

이 콧대 형태가 지저분하지 않도록 깔끔하게 좀 정리 한 번만 해주고 주변에서 뭐 눈가라든가 이런 데서 어두운 색깔을 그냥 스포이드로 찍어 갖고 선 정리를 해 줘도 괜찮아요

이 반무태라는 것은 선을 넣어 줬다가 안 넣어 줬다가 내 마음대로 이렇게 필요한 부분은 좀 더 선으로 정리해 줘도 되고 하는 게 장점이기 때문에 선 이렇게 선 따는 거 너무 걱정하지 않으셔도 돼요

아 이래도 될까 하면서 그리고 너무 진해졌다 싶은 부분은 아까 얘기했던 것처럼 주변 색깔 이렇게 잘 찍어 갖고 주변 색깔 중간 색깔로 이렇게 풀어줍니다 이런 식으로 지금 보면은 이 약간 볼 옆에까지 이렇게 어두운 색을 내려오게 만들었죠 이렇게 하는 이유는 코가 지금 이렇게 원기둥이라고 표현을 하기는 했는데 실제로는 왜 우리 마스크 콧잔등 구부릴 때를 생각을 해 보세요 그 모양이 어떻게 되는지

뭐로 하게 되죠 코가 이렇게 돼 있는 게 아니라 아래에서 보았을 때 그 완만한 곡선을 그리면서 뺨으로 이어지게 되죠 그걸 이제 의식을 해서 어두운 부분을 이렇게 볼 옆에까지 같이 내려와 주는 겁니다

그리고 지금 이 눈 사이에 이 어두운 티존이라고 하죠 이 티존이 코랑 이어져야 되기 때문에 이 티존도 티존을 어떻게 잡는지

눈썹에 이 뼈 눈썹뼈가 있는 부분 아래에서 살짝 이렇게 어두운 부분 잡아서 이렇게 코로 향하면서 살살살 풀어줍니다

쌍꺼풀 라인도 좀 더 진하게 잡아줄게요 참고로 이 그림은 요즘에 와이투케이가 워낙 유행하고 있잖아요 뉴진스다보다 물론 이 강의가 이제 공개될 즈음에는 이미 트렌드가 지났을 수도 있을 것 같아서 좀 걱정이 되기는 하지만 아무튼 저도 최근에 와이투케이를 찾았거든요

특히 이 패션이라든가 그런 거에 푹 빠져 있어 갖고 한번 예제로 그려 보았어요 사심 채우기

여기도 어두운 거를 넣어줍시다 이쪽도 미간의 안쪽에 이런 식으로 만들어주고요 잘 풀어주고 이렇게

그리고 이 코 밑에 부분 여기 그림자 특히 많이들 어려워하시는데 여기는 코의 형태가 코 끝과 코 아래쪽 그리고 이렇게 옆으로 튀어나오는 코 밑에 부분을 그려 주거든요

콧볼로 이루어져 있다는 것을 의식하면 좋아요

그래서 먼저 이 코끝에서 코 끝이 이렇게 튀어나와 있기 때문에 이 밑이 이렇게 한 번 어두워지게 되겠죠

이렇게 한 번 어두워지고 그다음에 여기서 이 콧볼이 이렇게 튀어나와 있기 때문에 이 콧볼의 아래쪽을 콧구멍 위로 해서 콧구멍 위로 어두움을 잡아주는 편이 좋아요 이런 식으로

그리고 취향에 따라서 이 콧볼의 옆에도 살짝 이렇게 묘사를 해줄 수도 있겠죠

이런 느낌으로 색깔이 너무 칙칙하다 싶으면 조금 더 근처에 불구스름한 색을 섞어서 만들어 주고 콧볼도 약간 더 이렇게 어둡게 한 번 눌러 주겠습니다

이런 식으로 지금 코가 좀 진해지고 있죠

이거는 계속해서 위에다가 밝은 색을 덧바르면서 한 번씩 밝혀 줄 거예요

왜냐하면 지금 이 하이라이트 부분이 안 들어가 있잖아요

하이라이트는 일단 피부에서 밝은 색을 찍어 갖고 오패스틱 조금만 높여서 브러시가 더 잘 보이도록 터치가

이 코끝에 가장 밝을 만한 부분과 콧볼의 경계선을 따라서 이렇게 한 번 그어 줄게요

그리고 다시 오패스틱 낮춰 갖고 적당히 너무 어두워졌다 싶은 부분들

이 콧대가 그래도 좀 튀어나와 보여야 되긴 하니까 분필까지는 아니더라도 이런 옆면 부분이라든가

콧볼이 너무 진해져 보인다 싶은 그런 부분들을 한 번씩 이렇게 정리를 해 줍니다

이런 식으로 코의 형태를 슬슬 잡아가고 있어요

그리고 이제 조금씩 더 어두운 색깔들을 넣어 줄게요

왜냐하면 이 뒤에 있는 콧볼이 이렇게 한쪽만 있는 게 아니죠

이쪽도 있죠

여기도 어둡게 그림자를 넣어 줄게요 이런 식으로

콧구멍 쪽을 살짝 더 어둡게 잡아줄게요

요렇게 그리고 코 밑에도 살짝 그림자가 지기는 하는데 여기서는 그렇게까지 세게 그림자를 안 잡아줘도 돼요 여기서 많이들 하는 약간 실수까지는 아니지만 좀 어색해지는 이유가 코 밑에 그림자를 이렇게 엄청나게 세게 잡아서 라고 생각을 하는데요 물론 이런 그림자가 생길 때도 있어요 빛이 위에서 이렇게 내리꽂을 때 근데 빛이 약간 정면쯤에서 오고 있을 때는

코가 오히려 이렇게 들려 있기 때문에 이런 그림체에서는 코 밑에까지 그림자가 이렇게 떨어지는 경우는 그 빛의 각도가 강하지 않는 이상 잘 그렇게 되지 않는다고 생각해요

그래서 그런 부분 유의해서 코 밑에는 살짝만 살짝만 그림자가 내려오는 것처럼 표현을 해줘도 충분하다고 생각합니다

이렇게 이렇게 코의 형태를 좀 만들어줘 보았습니다

반실사 코 그리기 어려우셨던 분들은 여기서 좀 참고가 되었으면 좋겠네요

코끝에 하이라이트 부분을 살짝 더 밝은 색으로 저는 한 번 더 찍어주도록 할게요

거의 화이트에 가까운 색으로다가 살짝 하이라이트 이렇게 빛나듯이 들어가도록

이렇게 얼추 코 모양 만들어졌고요

그리고 애교살 같은 부분은 사실 간단한 편이라고 생각을 해요

코라든가 이런 부분에 비하면 저는 애교살 표현을 약간 이 반색사 그림에서는 해 주는 거를 좋아해서 사실 캐주얼 그림에서도 저는 애교살 표현을 좋아해서 눈가를 붉게 하는 걸 좋아하거든요

여기도 보면 붉은색으로 애교살 표현을 얇게 넣어 준 상태죠

이거는 근데 취향이라고 생각해요 눈 밑이 깔끔한 거를 좋아하시는 분들은 이거 안 넣으셔도 상관 없을 것 같습니다

약간 이 다크서클처럼 안 보이려면 좀 채도를 높여서 넣어주시는 편이 좋습니다

그리고 너무 어두워진다 싶으면 밝은 색깔 찍어서 풀어주기

반색사는 이런 식으로 색을 계속 중첩하면서 오피스티가 낮은 펜으로 섞어 가는 게 굉장히 중요하다고 생각해요

이 단계를 늘려가는 거죠 자연스러워질 때까지 이렇게

그리고 입술도 간단하게 보면 입술의 이 중간 지점이 있죠 중간 지점 지금 완전 물에 빠져 갖고 죽기 직전인 사람의 입술처럼 되었는데 이 중간 지점에서 얼굴이 틀어진 각도만큼 이렇게 옆으로 오리입은 것처럼 오리입은 것처럼 이렇게 선을 그어줍니다

얘를 중심으로 해서 라인을 그려주면 입술 라인을 비교적 편하게 쉽게 그릴 수 있을 거예요

얘를 중심으로 해서 이렇게 한 거죠

그래서 윗입술은 다소 어둡게 칠해주고

이 윗입술이 옆에서 보았을 때 이렇게 아래쪽으로 들어가는 부분이기 때문에 빛이 이렇게 정면 위에서 오면 여기가 그림자가 치겠죠

그래서 윗입술이 조금 더 어둡게 표현이 되도록 해주고 아랫입술은 그것보다는 상대적으로 밝게

그리고 저는 아랫입술이 도톰한 게 취향이라서 얼굴 조형을 만들 때 좀 더 아래쪽으로 많이 빠지게 만들어 주겠습니다

마찬가지로 안쪽으로 갈수록 색을 중첩해서 좀 이렇게 은은하게 루즈가 퍼지는 느낌으로 만들어 주면은 더 좋겠죠

윗입술도 외곽이 너무 딱 떨어지지 않게 자연스럽게 입술처럼 보일 수 있도록 색깔을 이렇게 좀 번져 들여주겠습니다

외곽으로 더 진한 색을 가져와서 이 딱 입술 라인 부분에 한 번씩 더 눌러 주도록 할게요

이런 식으로 이렇게 입술 색깔 칠해 줄 수 있고요 입술 밑에 이 튀어나온 그림자는 왜 생기는 거냐면은 입술이 이렇게 생겼죠

입술 색깔이 있는 영역은 여기까지입니다

그리고 이 밑에 입술이 한 번 내려가고 턱이 나오잖아요

턱이 이렇게 나오는 게 아니죠

내려가고 턱이 나오기 때문에 이 부분에 그림자가 찍게 돼요

그래서 입술 밑을 저렇게 어둡게 한 번 잡아주는 거죠

여기 그림자 색깔 찍어서 입술 밑에를 그림자를 잡아주면 입술이 훨씬 더 도톰하고 탐스럽게 볼 수 있게 됩니다

이런 식으로 그림자를 넣어 줘봤고요

얼굴의 이목구비 그림자는 대강 이런 식으로 넣어 볼 수 있어요

여기서부터는 조금 더 취향이 갈리는 부분이라고 생각을 하는데 인중의 표현이라든가

인중에서 얼굴 바깥쪽으로 이렇게 들어가는 부분

인중을 표현할 때는 인중만 딱 이렇게 끊는 게 아니라 얼굴 전체의 이 왼쪽 이렇게 돌아가는 부분을 같이 어둡게 해 주는 편이 저는 좋다고 생각합니다

안 그러면 인중 어두운 부분이 약간 코 밑에 뭐 묻은 것처럼 어둡게 보일 수가 있어서 얼굴의 자연스러운 명암과 함께 이 얼굴 중심으로 이렇게 이렇게 꺾였다라는 거를 보여 주는 게 좋을 것 같아요 이런 식으로

그리고 지금 보면 턱 밑이 상당히 어두운데 그게 부자연스러워 보이지 않죠 그 이유가 턱은 살짝 들려 있어요 사람의 얼굴은

자 이렇게 되어 있을 때 턱이 이렇게 끝나는 게 아니죠 이렇게 되어 있으면 빛을 받았을 때 여기까지 싹 다 밝고 여기서부터 갑자기 어두워지겠죠

근데 그게 아니라 이렇게 돼 있고 한 번 꺾고 이렇게 턱 밑이 나오게 돼요 그래서 우리가 빛을 쏘면 밝고 어둡고 어둡고가 되는 거예요

여기서도 밝고 어둡고 밝고 턱 끝에 여기에 해당하는 부분이 어둡고 어둡고

지금 다른 레이어에다가 그려버렸네요

다시 피부 레이어로 돌아갑시다

어둡고 턱의 라인을 따라서 어둡고 약간 이 불그스름한 색을 경계에 넣어서 혈색이 돌도록 만들어 주는 편이 좋겠죠

얼굴도 약간 쉐딩을 해 줍시다 여기가 빛을 받고 꺾여서 돌아오고 하는 부분이 있으니까요

그다음에 흐르게 둘로 정리 어 이거 지금 어디다가 치료를 하고 있었던 걸까요 아하 노몰레이어 제가 이거 설명하다가 저기로 왔네요 괜찮아요 이건 그냥 코맨드 엑스로 잘라내고 스킵위에 묻혀서 클리핑시켜 주고 합체해 주면 됩니다

감쪽같이 복구시켜놓고 아무래도 없었어요

그림자를 풀어줍시다 이렇게 그러면 얼굴이 이제 꽤 자연스럽게 나왔죠 여기서 조금 더 웃는 느낌으로 바꿔주고 싶으면 입꼬리를 살짝 이렇게 어두움을 넣어주고요 일단 입꼬리에 어두움을 넣어주고 이 볼이 패어 들어가는 느낌 얼굴에 이렇게 동그랗게 살이 올라오면서 여기가 이렇게 그림자가 지는 느낌을 넣어주면 좋습니다 이걸 너무 진하게 해주면 근데 팔자주름처럼 보일 수도 있습니다

적당히 조절해 가면서 사용을 해 주도록 해요 이런 식으로 이렇게 해서 웃는 느낌을 만들어 줄 수가 있겠죠

조금 밝은 색 찍어서 입꼬리의 아래쪽 여기를 살짝 밝혀 주면 훨씬 더 이렇게 입이 웃는 느낌 여기 이렇게 속 들어간 느낌이 강조가 된다는 점 이것도 한번 포인트 아닌 포인트 약간 팁 아닌 팁으로 짚고 넘어 볼게요

어때요 여기가 밝아지니까 훨씬 더 여기가 움푹 들어간 느낌이 되죠

또 자연스러울 정도가 될 때 이렇게 풀어주는 식으로

네 이렇게 해서 피부 이목구비 체제 어느 정도 들어갔습니다

그리고 그 외에 이제 얘랑 좀 다른 점이라고 한다면은

이 워머 같은 부분 워머로 가서 어두운 회색과 약간 푸르스름한 색을 칠해줄게요

얘도 마찬가지로 오패스티는 낮춤 펜으로 이렇게 중첩해 나가면서 점점 어둡게 바꿔 주도록 합시다 가운데 밝은 색을 더해서 이렇게 명암 단계를 풀어줄 수도 있고요 여기서 한 가지 팁 이 짜글짜글한 주름들을 어떻게 자연스럽게 그리나요 이렇게 어두운 색을 한 번 깔고 나면 사실 굉장히 쉬워져요 오히려 어두운 색을 한 번 깔고 나서

이 밝은 색깔의 스포이더를 찍은 다음에 오피스틱을 조금 높인 거고

예로 이 시보리 같은 것도 어두운 거 위에다가 이렇게 그려줄 수 있고 이 주름이 튀어나온 부분을 이렇게 밝혀주면서 튀어나온 부분을 반대로 얘는 밝혀주고 있죠

이렇게 묘사를 해 나갈 수가 있습니다

여기도 튀어나온 부분 이렇게 이렇게 이렇게만 해줘도 어느 정도 주름의 형태가 잡혀가는 게 보이시죠

이렇게 여기 시골이 시골이가 일본 말인가 이걸 뭐라고 불러야 되는지 시골이가 맞는지 사실 저도 아직도 잘 모르겠네요

이런 식으로 해주고 사실 어두운 색깔 이거 집어 갖고 좀 더 어둡게 가도 되겠네요 어두운 색깔 집어서

얘도 떨어지는 그림자가 없는 건 아닙니까 절대로 이런 부분만 봐도

이렇게 좀 더 그림자 잡아줘야 되는 부분들 잡아줍시다

한 번 이렇게 길을 내주었기 때문에 훨씬 더 쉽게 묘사를 할 수가 있겠죠

이 밝음과 밑에 베이스로 깔린 어두움 때문에 약간의 입체감이 이미 살아난 상태라서 그걸 한 번 더 이렇게 강조한다는 느낌으로

이렇게 해줘도 충분하다는 거죠 이런 식으로 반복해 나가면서 얘는 이제 돌아가는 그림자로 채색을 완료를 해줄 수가 있겠죠

이때 그리고 또 머리카락을 어렵게 생각을 하실 수도 있을 것 같은데 머리카락까지만 한번 보도록 할까요 머리카락이 얘는 이제 이쪽과는 살짝 달라요 얘랑 마찬가지로 이 층층이 밑에 쌓인 부분은 당연히 좀 어둡게 들어가야 되는 게 맞지만요

이 머리카락 고유색을 조금만 더 밝혀 줄게요 너무 어두워서 그림자가 안 보일 것 같으니

그리고 좀 많이 어두운 파란 색깔을 가지고 먼저 얘도 사이사이 이렇게 딱 잡혀 있는 부분들은 진하게 해 주는 게 맞습니다 떨어지는 그림자는 확실하게 좀 잡아주고 시작을 해 볼게요

여기 이런 부분은 확실하게 그림자가 생길 수밖에 없죠 머리 때문에 안쪽이 생기는

그리고 얘도 마찬가지로 에어 브러시로다가 한 번 아래쪽을 이렇게 어둡게 싹 눌러주는 편이 더 쉽게 입체감이 나겠죠

그리고 다시 오패스틱 줄인 펜으로 이 하나하나의 덩어리가 얘는 약간 입체감이 살아 있어요 머리 뭉탱이 뭉탱 얘는 한 장 한 장이었다면 얘는 뭉탱이 뭉탱 이런 식으로 되어 있는 거죠

그래서 일단 둥그스름한 머리니까 머리 외곽으로 갈수록 약간 어두워지도록 이렇게 그림자를 넣어주고

여기도 이렇게 그리고 얘도 뭉탱이 뭉탱이기 때문에 이렇게 넣어줄 수 있습니다

여기도 이 밑에 있는 뭉탱이 뭉탱이 이런 식으로 얘는 이제 머리카락 자체에 좀 더 입체감이 드러나게 되는 방식이죠

오패스티를 좀 확 높여서 이제 이렇게 꼼꼼하게 결 표현이 좀 속 들어가야 되는 부분이라든가

이렇게 결을 좀 나누어주고 싶은 부분들을 하나씩 더 추가를 해주고

이렇게 여기도 안쪽이 어둡겠죠

이런 식으로 이제 이 돌아가는 그림자에 맞춰서 머리카락 채색을 해줄 수가 있습니다

여기서 뭐 이제 하이라이트까지는 아니고

조금 더 밝은 부분을 더 찾아주고 싶다라고 한다면 여기 고유색에서 한 단계도 높은 색을 골라서

여기 이 뭉탱이에서 가장 빛을 받는 부분이 어디겠어요 가장 튀어나와 있는 부분 여기겠죠 이렇게 뭉탱이가 있으니까 여기 여기를 이렇게 좀 더 밝혀준다던가 지금 보면 여기도 같은 부분이 밝아져 있죠

이 옆머리는 비교적 평평하게 얼굴에 달라붙어 있으니까 그렇게 덩어리를 강조를 하진 않아도 될 것 같고요

약간 이렇게 밝은 부분만 좀 더 살려주고 여기는 이제 이렇게 꺾이는 부분 밝고 어두움으로 뭉탱이가 꺾이니까 꺾이는 부분 가장 튀어나온 부분을 살짝 더 밝게 이런 식으로 이렇게 해서 표현을 해줄 수가 있습니다

그래서 전부 다 진행을 하지는 않았지만 이 떨어지는 그림자와 돌아가는 그림자가 어떠한 차이가 있는지 한번 오늘 알아 보았는데요

여기 위에 이미 채색이 완료된 레이어들이 얹혀져 있으니까 얘를 참고해 가면서 한번 채색을 직접 끝내 보셔도 좋을 것 같아요 연습을 하면서

그리고 어 그러면 제 그림자가 반슬사면 저는 무조건히 돌아가는 그림자를 강조를 하고 제 그림이 캐주얼이면 꼭 이렇게만 표현을 해야 되나요 절대 아니에요

피피티로 돌아가서 이거는 이제 좀 더 확대해서 비교를 해 놓은 부분들이고요

Let's start by learning about the various expressions of shadows, which are the first topic under Section Two, focusing on lights that suit my painting.

In this lecture, we will explain two types of shadows: rotating shadows and falling shadows.

Let's see how these two types differ and in what situations they are effectively used.

First, let's take a look at the rotating shadows.

On this side, I have created an example using coloring that emphasizes rotating shadows in English.

What do you think of the first impression of this painting? It has a bit of a 3D modeling feel, looks three-dimensional, and somewhat realistic.

In this picture emphasizing rotating shadows, there are shadows that gently curve around the object's surface, capturing its shape, and there are currently three of them.

If you look at this cylinder, you'll see shadows darkening towards the edges, shadows that darken, and a bit of reflected light.

This coloring method is what I call rotating shadows, because they seem to wrap around the object's exterior, giving an impression of light and shadow.

What we call the volume of a shape is actually showing the solidity, bulkiness, and quality of a three-dimensional object. Simply put, it's the emphasis of shadows on chunks.

So, what effects can we achieve by emphasizing rotating shadows?

As felt in the first impression, using rotating shadows makes the object look very 3D, popping out more and thus, more pronounced in presence.

As the three-dimensionality of the object becomes more apparent, it's also good for showing its massiveness or weight.

Then, what about falling shadows?

Falling shadows give a somewhat cartoonish impression.

And they express light and shadow very concisely.

Here, falling shadows refer to shadows cast on the ground and behind the object.

These, these, these.

Falling shadows are created when light is blocked by an object, casting a shadow on another object or space behind it, detached from the object itself.

While rotating shadows are shadows on the surface of an object, falling shadows are detached from it.

In this example, there are not only falling shadows. There are also simplified, lighter rotating shadows. You can see it around the edges of this cylinder and the sphere. This brings us to the concept of 'degree of light and shadow'. 'Degree' here refers to the brightest, the next darkest, and so on.

In this object, for instance, the light and shadow are divided into three degrees. We can say this object is colored with 'three degrees of light and shadow'.

Consider animation. Aside from highlights, animations often use this intrinsic color, the original bright color of the object, and its darker part, typically using two degrees of light and shadow.

I guess the term 'degree of light and shadow' might have originated from the printing industry.

In black and white printing, there's the white color of the paper and the black ink used on it.

In such cases, we call it 'two-degree printing'. And when using CMYK, four inks (Cyan, Magenta, Yellow, and Black), it's called 'four-degree printing'.

If both the front and back are printed in color, it's known as 'eight-degree printing'. This term might have been derived from such practices in the printing world.

So, what effects can we achieve with an emphasis on falling shadows? Since the rotating shadows are more simplified, it gives a flatter, but cleaner and lighter shadow effect.

It has the advantage of appearing neat and clean.

For illustrations that need a lighter touch, like casual illustrations, this method is effective.

In cartoons, emphasizing falling shadows is more effective.

Then, in what cases would rotating shadows be more suitable?

They fit better with semi-realistic styles or styles that need to emphasize strong three-dimensionality.

In the example of rotating shadows, there are also falling shadows.

This part shows falling shadows.

However, these are much softer and more realistic compared to the other side, with boundaries blending gently and fading away.

The strongest part is where it directly touches, then it softens out.

Here, the outer edges are more defined, almost as if pressed down, highlighting the form of the falling shadow.

We can compare these two types like this.

I believe the difference becomes more apparent when color is added.

In cases like the one on the left, the addition of color makes the shades a bit muddier.

Speaking positively, it gives a sense of weight and realism. When light hits an object, the darker areas tend to have a slightly blackish hue.

In this way, the overall color darkens, bringing out a realistic feel.

On the right, as the rotating shadows are faint, the darkness being lighter allows the object's original color to appear clearer and more vivid.

But compared to the left, it generally appears flatter and more two-dimensional.

Therefore, to compensate for this, falling shadows are emphasized strongly, using them as a key element in the depiction.

By considering them as a part of the coloring process, the shapes become more distinct.

These elements help make the overall picture less monotonous.

Here, since the object itself has a strong presence, the shadows are emphasized or used as a descriptive element.

There's no particular need to utilize them further. Now, let's move on to practical examples to understand how to best apply rotating and falling shadows in our coloring.

Looking at these example drawings, on the left is a casual illustration emphasized with falling shadows, and the rotating shadows are somewhat omitted in the coloring.

On the right, both rotating and falling shadows are included, but with a stronger emphasis on rotating shadows, the picture is drawn in a semi-realistic style.

Please open the example file from my third lecture. You'll find the layer file with a prism and explanatory text locked at the top.

Below, you will see layers grouped separately for rotating and falling shadows.

Let's first take a look at the falling shadows on the left side.

When you open the file, you'll see layers with closed and open eyes. The open-eyed layers are the base colors, and the closed-eyed ones have shadows pre-added by me in Multiply mode.

You can turn these example layers on and off to check if you're coloring correctly.

Before we start coloring, let me quickly mention a few shortcut keys I use.

If I skip explaining these shortcuts, you might wonder why your results look different even though you followed the same steps.

I have customized some shortcuts to my liking. Commonly used ones include Control Z (Command Z for Mac users), which is undo, and Control C and Control V for copy and paste. F is for flip, G for gradient and paint bucket tools, and Control A for the ruler. Pressing A alone brings up the selection range. I often use lasso and rectangle selections. T is for airbrush, but this is a custom setting.

These tools are easily accessible from the toolbar, so don't worry too much about them. I use Z for the brush or droplet tool, and X for pixel liquefy.

Other frequent tools include basic round pen (activated by pressing A), and charcoal pen (found by searching 'charcoal' in materials), which I use for sketching. Q is set for line drawing.

I've covered the main shortcuts I use. Control T or Command T is for transform, E for eraser, W for the Magic Wand tool, also known as the auto-select tool.

Other tools I often use include the Command L for level adjustments, and Command U for color, saturation, and brightness adjustments. I'll show these more when we move to editing.

Now, let's focus on the important parts for coloring falling shadows.

Falling shadows in this example are applied to each part layer by layer.

It might look like I colored each part separately, starting with the skin, but actually...

Doing it that way is too time-consuming. Instead, I create a Multiply layer on top and flip it.

I use a round pen with 100% opacity in grayscale to add shadows across the entire image at once.

Then, I split this into different layers, adjusting the colors later. Sometimes, I don't even separate the layers; I just lock the top layer and change the colors.

So, let's start with a Multiply layer on top and a round pen with 100% opacity. The key point here is the shadow cast by the hat, forming a curved shape on the head.

I think it's important to include this, as there is an object casting a shadow above.

I also add a shadow slightly covering one eye, which I think is a nice touch. The direction of light in this case would be slightly above and frontal.

The shadow on the neck is crucial too, due to the large head size and the head being thrust forward.

The back of the neck should also have a shadow because of the protruded posture.

The hair, not being a sudden outgrowth, should also have a gradient of light and shadow.

I apply shadows in this way.

For the chest area, since the character is slightly hunched over while holding the guitar, I use a lasso tool to select the areas not covered by the guitar.

I apply a gradient from the bottom upwards using an airbrush, creating a natural shadow effect.

Then, I emphasize the layering of the hair, treating each strand as a separate piece.

When creating a more casual, flat style, I imagine the hair like overlapping paper cutouts, adding shadows accordingly.

To add depth, I also darken areas under each layer of hair, imagining each as a distinct paper cutout.

Then, the shadows on the arms are crucial, especially where the hat's brim creates a shadow on the head.

I draw a curved line following the hat's shape for this shadow.

And remember, the eraser is also a drawing tool. Think of it as a transparent brush, useful for creating highlights or adjusting shadows.

For instance, you can use it to lighten certain parts of the hair, giving a more dynamic look to the shadows.

Now, let's move to other parts where falling shadows are important, like the shadow under the arm caused by the sleeve.

The shadow here should be wide but not too long, as the sleeve is close to the body.

In the case of the guitar, imagine how its shadow would fall, considering the light source and the guitar's position.

I also add shadows under the fingers and at the elbow, where the arm's curvature creates a natural shadow area.

Additionally, the hair strands originating from behind should have their own shadows.

These shadows are added layer by layer to create a sense of depth in the hair.

For the chest area, especially behind the guitar, it's important to consider the posture of the character, hunched over the instrument.

I use the lasso tool to select areas around the guitar and add a gradient shadow with an airbrush, starting from the lower part to create a natural effect.

This technique helps to give a sense of depth and realism to the figure.

Once the gradient base is laid, I intensify the shadows in the necessary areas.

Now, focusing on the hair, treat each strand as a separate layer, adding shadows beneath each layer to simulate real hair.

Imagine the hair like overlapping pieces of paper, each casting a shadow on the one below.

This approach helps to create a more realistic hair texture.

Apply shadows meticulously between the layers of hair to enhance the depth and texture.

Pay attention to the lower parts of the hair as well, adding shadows to areas where they overlap or tuck behind other strands.

Continue this process for all sections of the hair, focusing on the interaction of each strand with light and shadow.

Even if you haven't drawn explicit lines for every hair strand, use shadows to suggest their presence and form.

Remember, the foundation of shadow you applied earlier can be adjusted with the eraser to create highlights or soften the shadows.

Use the eraser not just for correcting mistakes, but as an active tool in your drawing process, especially for creating dynamic hair.

The eraser helps to refine the shadow and highlight effects, making the hair appear more vibrant and natural.

Think of the eraser as a tool for shaping and refining your image, not just for removing unwanted elements.

With this approach, you can enhance the depth and realism of the hair, adding a dynamic element to the character's appearance.

Next, let's look at the shadows cast by the arms and the guitar, which are crucial for defining the space and depth in the image.

These shadows help differentiate the upper and lower arms, creating a sense of volume and distance.

Now, consider the shadow cast by the guitar on the body, which may vary depending on the light source.

This shadow might not always be present but is used here to separate the front and back areas of the figure for clarity.

In artistic interpretation, sometimes shadows are added for effect, even if they might not be strictly realistic, similar to how highlights are used.

In the end, our goal is to create an appealing image, not necessarily to replicate reality exactly.

Remember, artistic license allows for such deviations to enhance the visual impact of the image.

The dark area under the elbow is actually a rotating shadow, but as mentioned earlier, even in a drawing emphasizing falling shadows, rotating shadows are not completely absent.

They are used selectively to accentuate certain poses, like the bent elbow, making limited use of rotating shadows to highlight the form.

The reason for the pronounced darkness under the elbow is due to the arm's position.

Let's illustrate this with a cylinder lying horizontally, similar to the arm's posture, with light coming from above.

In this scenario, the underside of the cylinder, like the underside of the arm, would naturally appear darker.

With the elbow slightly raised, the shadow forms a particular shape, emphasizing the bent arm's contour.

This shadow pattern helps convey the arm's raised position, defining the elbow's protrusion.

By not shading the entire area under the arm, the specific posture of the arm is more effectively communicated.

The shadow under the arm helps illustrate the structure and form of the arm when bent, showing how the flesh protrudes at the elbow.

Other distinct falling shadows include those under the sleeve and the shadows created by the fingers and guitar.

Shadows under the sleeve should be consistent with the fabric's tightness against the body, creating a realistic depiction.

The shape of these shadows helps to differentiate between attached and detached parts of the clothing.

These shadows enhance the perception of space between the sleeve and the arm.

It becomes evident which parts are close to the body and which are not.

Additional falling shadows to note are those under the hand caused by the guitar's position.

And shadows under the fingers, emphasizing the hand's interaction with the guitar.

Subtle shadows under the fingers help define their position and movement.

Darker areas under the fingers are examples of rotating shadows, adding dimension to each finger.

I darken the outside of the hand slightly to show the hand's three-dimensional form.

This technique helps to convey the hand's curvature and volume.

For the hand's structure, imagine it as a curved surface, with the brightest area on top and darker shades along the sides.

The shadow pattern follows the hand's curvature, with darker tones on the side facing away from the light source.

Adjust the intensity of these shadows to avoid overpowering the image, using the eraser to soften and blend them.

If the rotating shadow becomes too strong, use the lasso tool and a soft eraser to reduce its intensity.

This approach helps maintain a balance between light and shadow, enhancing the image's depth.

Focus on the outermost edges for the darkest tones, gradually lightening towards the center.

This method allows for a subtle transition between the shadow and the lighter areas, creating a more natural look.

Moving to the hat, its rounded shape necessitates a similar approach to the shadowing as done with the sphere earlier.

Shadows are added around the hat's curved surface to emphasize its three-dimensional form.

This helps to convey the hat's volume and how it interacts with the light source.

These shadow techniques create a sense of depth and realism in the overall image.

For areas like bent fingers or other parts that turn away from the light, additional shadow details can be added to highlight their form.

These details help to accentuate the character's posture and the positioning of their limbs.

In the case of the arm warmer, unlike the right-side example, it lacks strong rotating shadows, focusing instead on the shadows under the folds.

Only the shadows beneath the creases are emphasized, while the cylindrical form of the arm is not as heavily shadowed.

Overall, this character appears flat, but we focus on elements like folds or shapes that show depth or the illusion of floating objects.

We're emphasizing these features in our shading.

Focusing on this allows us to apply shadows effectively.

For example, how do we depict something like a ribbed fabric? It's quite simple: just draw lines like this.

But if you only do this, it looks too harsh and unappealing. That's where the lasso tool comes in handy again.

Use a soft eraser with lower density and hardness to lightly erase the parts where light hits.

Repeat this process to add shadows, and now let's quickly go through how to change these colors.

Lock the transparency on the Multiply layer.

Click on the skin layer box while holding Command or Control to select that area.

Now, with the skin part selected, go back to the Multiply layer and choose a slightly darker pink tone.

I'm using the fill function with Control F, but if you haven't set that up, simply use a large pen to paint over the area.

Paint the skin with this darker pink shade, then do the same for the pink top. Select the area while holding Control or Command, return to the Multiply layer, and fill it in.

I'll use a darker shade here. The 'White Line' layer represents the white lines on the clothes.

Select the guitar area and use a dark brown on the Multiply layer. You can see the color changing here. Paint the body of the guitar, and the head (if that's what it's called) in a darker white or gray tone.

For the hair, use a dark blue-gray tone.

Remember, the brighter the base color, the lighter the shadow should be.

And for darker base colors, use darker shadows. This isn't just for aesthetics but is based on how light interacts with different colors.

Imagine a white cloth or sheet in bright sunlight; it appears very bright and reflective.

In contrast, black clothes or paper don't reflect light in the same way.

Darker colors absorb more light and heat. This is a basic principle you might have learned in science class.

So, a white area reflects more light, appearing brighter, and its shadow area also appears lighter.

Now, let's change the color of the hair to a darker red, keeping in mind the base color and shadow principles.

Let's move on to the arm warmer. Select the area and apply a light gray, but with a slight reddish tint.

For the hat, again, select the area and repaint it, this time in a blue shade.

If you're curious about how to add saturated colors to edges, use an airbrush with a bright orange or red.

Focus on areas that catch light, like the center of the arm warmer, which protrudes like a cylinder. Apply the color there.

Next, we're going to increase the saturation along the edges. This is because light doesn't just fall off abruptly but scatters and reflects, causing the shadow edges to appear brighter or more saturated.

Return to the round pen and choose a warm, saturated color to apply along these edges.

This approach adds a lively edge to the shadows.

To add more depth and saturation, switch to the airbrush and pick a bright orange or red. The airbrush should have a moderate brush density and smaller size. Apply it primarily to the areas receiving light, like the center of the arm warmer.

Similarly, apply this technique to the other parts receiving light.

This technique of increasing saturation at the edges of shadows makes the image more dynamic and vibrant.

Now, let's go back to the round pen and use a darker, more saturated color for more depth.

Apply this color to enhance the edges of the shadows, creating a richer and more detailed look.

This technique helps to create a smoother transition between light and shadow areas.

You can adjust the level of saturation to your preference. I've used a more subtle approach here.

For the hair, since it's darker, I used a darker red to create the shadow.

Now, let's compare this with the right side, which has rotating shadows. Notice the difference in coloring techniques.

The right side is not using Multiply layers for shadows but normal layers, where I directly color the shadows.

Let's start with the skin layer and focus on areas that are challenging or essential for emphasis.

For rotating shadows, I use a lower opacity, around 50%, to gently build up the shadow layers.

Choose a slightly darker pink and begin to paint simple shadow areas.

It's important to first mark the definite shadows, like under the neck or cast by the hat.

For the face, before touching the finer details, let's start with the larger parts.

If you find facial features difficult, start with bigger parts to maintain balance throughout the illustration.

For rotating shadows, increase the opacity when focusing on certain areas, like the face.

With rotating shadows, the key is to gradually darken the edges, building up the shadows layer by layer.

Start with lighter shadows and then progressively darken them, especially around protruding parts like joints.

Even if a part is small, like the hands, it's important to get the shadows right to create a sense of volume.

For the face, let's first lock the skin layer. Then, we'll start adding shadows, focusing on more detailed areas like the nose, which many find challenging.

When working with rotating shadows, I usually reduce the opacity to about 50% to start with a lighter touch.

It's better to start with the larger parts of the illustration before moving on to details like the eyes. This helps maintain overall balance, especially if you're not yet comfortable with coloring.

Using a lower opacity allows for a gradual build-up of shadows, which is important for rotating shadows.

Apply the shadows softly, starting from the larger areas and moving towards the smaller details.

The goal is to create a gradual darkening towards the edges, representing the natural fall-off of light.

Layer the colors to create a more detailed and nuanced shadow effect.

For example, apply the shadow more heavily around the joints and limbs to accentuate their shape and depth.

By building up the darkness layer by layer, you can create a more realistic and dynamic shadow.

Focus on areas like the back of the hand, which naturally become darker due to their position relative to the light source.

You can work on smaller parts like joints later, but for demonstration, I'll show how to add shadows to these areas.

Protruding parts like knuckles should be highlighted with deeper shadows underneath.

For the arms, treat them as cylinders, adding darker tones around the edges and particularly under the elbow.

Rotating shadows allow for a more refined and nuanced approach, giving you the flexibility to create subtle shifts in light and dark.

Use this technique to bring out the form of the arms, making them appear more three-dimensional.

This method enables a more detailed representation of shadows, unlike the simpler approach on the left side.

Rotating shadows allow for a wide range of subtle gradations, unlike the flat shadows which have a more limited range.

This finer gradation creates a more detailed and realistic effect.

For instance, make the front arm appear brighter by darkening the back arm, highlighting the difference in their positions.

If the shadow areas look too rough or messy, use a blur tool to smooth them out.

Alternatively, you can use a pen to pick lighter areas and blend the shadows.

This technique helps to create a more natural and cohesive look in the illustration.

If the arms appear too pink, mix in some orange to adjust the color.

Use this method to balance the overall tone, ensuring that the colors blend well and the illustration looks harmonious.

Adjust the saturation and lightness to achieve the desired effect.

For instance, brighten the back of the hand if it seems too dark, using a lighter pink mixed with orange.

Apply these adjustments to achieve a balanced and realistic depiction of the arms.

For areas that appear too dark, use nearby colors to blend and soften the shadows, creating a more natural transition.

This approach helps to add depth and realism to the arms, enhancing their three-dimensional appearance.

If the arm color seems overly pink, introduce some orange to adjust the hue and create a more natural skin tone.

Blend the colors to achieve a harmonious and realistic look for the arms.

For areas like the back of the hand that might be too dark, apply a brighter pink mixed with orange to lighten them.

Apply these adjustments to areas like the knuckles that protrude, brightening them to enhance their visibility.

This method helps to create a more dynamic and lifelike appearance for the hands and arms.

Clean up any messy brush strokes to improve the overall look of the illustration.

For those struggling with semi-realistic face illustrations, I'll cover the areas that are typically challenging, starting with the nose.

Many find it difficult to represent the nose realistically without making it appear unpleasant.

A highly detailed nose can sometimes look unattractive. This style is semi-realistic, so the nose is slightly stylized. Keep in mind that in reality, noses are not sharply pointed.

To shade the nose, start with the bridge. In rotating shadows, the idea is that the shadow darkens as it moves away from the light source. Imagine a triangular pyramid under a light: the lightest part is at the top, darkening towards the edges.

The same principle applies to the nose. Shade along the sides of the nose bridge, gradually darkening towards the outer edges.

If the base of the nose is visible, it will also be in shadow.

Think of the nose as a triangular shape, with the sides becoming darker.

Start by shading from the brow ridge down along the sides of the nose.

Add shadows to define the shape of the nose.

Then, use a blur tool to soften the edges, creating a subtle effect.

Clean up the nose area to keep it looking neat. You can use a dropper tool to pick nearby colors for refining the lines.

In semi-realistic styles, it's okay to add and remove lines as needed, adjusting them to suit the illustration's needs.

If some areas become too dark, use the surrounding colors to blend and lighten them, maintaining a natural look.

Consider the shape of the nose when wearing a mask, how it gently curves and connects to the cheeks.

Extend the shadow from the nose down to the cheeks to illustrate this connection.

Shade the T-zone area, which includes the space between the eyebrows and the nose, to create a cohesive look.

Define the eyelids and eyebrows more distinctly, keeping in mind the current fashion trends for inspiration.

Add darker shadows around the eyes, connecting them with the T-zone to create a harmonious appearance.

Clean up and refine the shadows around the eye area, ensuring they blend smoothly with the rest of the face.

For the nose's underside, a common challenge, remember that the nose consists of nostrils and the surrounding area. Be mindful of this structure when adding shadows.

Start by darkening the area beneath the nose tip, as it protrudes forward.

Then, shade under the nostrils and above them, focusing on the areas where shadows would naturally occur due to the nose's shape.

You can also subtly shade the sides of the nostrils to enhance their shape.

Blend these shadows to create a more realistic depiction of the nose's form.

Adjust the colors and shadows to achieve a natural look, ensuring the nose doesn't appear overly dark or out of place.

Continue to add layers of shadow to the nose, gradually building up the depth.

Brighten areas that have become too dark, especially on the highlights of the nose.

Remember to add highlights to the nose, which have not been included yet.

Use a bright skin tone to add highlights to the nose tip and along the sides, where light would naturally hit.

Then, lighten any overly dark areas, focusing on the ridge and sides of the nose.

Continue to adjust the shadows and highlights to create a more realistic nose shape.

Refine the nose's appearance by blending and softening the shadows, ensuring a smooth and natural transition.

Use a darker color to deepen the shadows under the nostrils and along the sides, enhancing the nose's three-dimensional form.

Gradually shape the nose, adding more depth and definition to its structure.

Introduce darker tones to emphasize the nostrils and the area beneath them.

Consider the nostrils' placement and shape, adding shadows accordingly to create a balanced and realistic nose.

This side as well.

I'll add some darker shadows here too.

Slightly darken the area around the nostrils.

Like this. And for the shadow under the nose, it doesn't need to be too strong. A common misconception is making the shadow under the nose too dark. Sure, such shadows can appear when light is directly above, but when light is more frontal...

The nose, being lifted, doesn't usually cast a strong shadow underneath in this lighting situation.

So, it's sufficient to portray just a hint of shadow under the nose.

Like this, I've shaped the nose.

Hope this helps those who found drawing semi-realistic noses challenging.

I'll add a brighter highlight to the tip of the nose with an almost white color.

Like this, creating a shining highlight.

Now the nose shape is roughly complete.

The tear trough is relatively simple compared to the nose.

Unlike the nose, I enjoy expressing the tear trough, especially in semi-realistic drawings. I often use a red tone for the area under the eyes.

As seen here, with a thin line of red to indicate the tear trough.

But this is a matter of preference. If you prefer a cleaner look under the eyes, you can skip this.

To avoid a dark circle appearance, it's better to use a higher saturation.

If it gets too dark, lighten it up with a brighter color.

In semi-realistic art, it's crucial to layer colors with a lower opacity brush.

Keep layering until it looks natural.

For the lips, the middle is key. Right now, they look like they're from someone drowning, so let's draw a line to the side, following the angle of the face, like a duck's bill.

Use this line as a guide for the lips, making it easier to draw them accurately.

That's how I drew this line here.

So, darken the upper lip...

...since it recedes under the nose when viewed from the side, casting a shadow when lit from above.

This makes the upper lip appear darker, while the lower lip should be relatively lighter.

I prefer fuller lower lips, so I'll shape them to protrude more.

Layer the colors towards the inside, fading them out like spreading lipstick, for a more natural effect.

Also, blend the outer edges of the upper lip to avoid a sharp boundary, making it look more like natural lips.

I'll bring in a darker shade for the edges of the lips, pressing it more firmly along the lip line.

This way, you can color the lips and add shadows underneath. The shadow under the lips forms because...

...the colored area of the lips ends here.

Below it, the lip descends before the chin protrudes.

The chin doesn't stick out directly.

It's more like a drop and then a protrusion, creating a shadow in that area.

So, darkening just below the lip adds to the plumpness and allure.

Now, I've shaded the lips this way.

Facial features and their shadows are somewhat in place now.

From here, it varies more based on individual style, like expressing the philtrum or...

...the area where the face curves outwards from the philtrum.

When portraying the philtrum, it's not just about defining the philtrum itself, but...

...also darkening the entire area of the face that turns outward, to integrate the shadow naturally.

Otherwise, the darkened area might look like a stain under the nose. It's better to blend the shadow with the natural contour of the face.

Now, the jaw area seems quite dark, but it doesn't look unnatural. This is because the jaw is slightly raised.

If the jaw were flat, light would illuminate the entire area uniformly, but since it's angled...

...light creates a gradient of brightness and darkness. The jaw extends outwards, then dips in, creating these shadows.

I'll return to the skin layer now.

Let's darken along the jawline, reflecting the actual shape.

Adding a reddish tone to the edges can enhance the natural look.

Shade the face a bit more, considering where it catches light and turns.

Then blend everything smoothly.

Oops, I painted on the wrong layer. Let's cut and paste it to the correct layer and merge them.

There, fixed as if nothing happened.

Now, blend the shadows.

For a smiling expression, darken the corners of the mouth slightly. Start by adding darkness there, and then create the impression of the cheeks sinking in as they rise in a smile.

But don't overdo it, or it might look like wrinkles. Adjust it just enough.

Brighten the area below the mouth corners for a more pronounced smile. This emphasizes the hollows of the cheeks.

See how highlighting here makes the cheeks appear more sunken?

Continue blending until it looks natural.

So, we've now roughly completed the shading of the facial features.

Moving on to other differences, like the arm warmers. Let's color them in dark gray with a hint of blue.

Keep the opacity low and gradually darken. You can add mid-tones to enhance the shades. A tip for drawing intricate wrinkles: lay down a dark base first, which makes it much easier.

Then, pick a lighter color, increase the opacity slightly, and...

...for example, for elastic parts like cuffs, draw them on the dark base. Highlight the raised parts of the wrinkles.

This is how you can depict them.

Just by highlighting these parts, the wrinkles start to take shape.

This also applies to the cuffs (I'm not sure if that's the right term).

Continue this method, and you can even go darker if needed.

Shadows will naturally form in areas like these.

Darken these areas further to enhance the shadows.

This method makes it much easier to depict the details.

The combination of light and base dark colors already gives a sense of volume, so just emphasize it a bit more.

You can finish coloring the arm warmers in this rotating shadow style.

Let's briefly look at the hair. This hair is a bit different, especially the lower layers, which should naturally be darker.

I'll lighten the base color of the hair a bit, as it's too dark to see the shadows.

With a much darker blue, start by defining the distinct shadow areas, particularly where the hair overlaps.

These areas naturally form shadows due to the hair's layers.

Then, use an airbrush with low opacity to darken the lower part, making it easier to create a sense of depth.

Again, use a pen with lower opacity to define each hair clump's volume, as this hair has more pronounced clumps compared to the earlier example.

Follow the round shape of the head, darkening the outer edges to create shadows.

Continue this method for each hair clump.

Darken the underside of each clump to enhance the volume.

Increase the opacity to define more specific hair strands or clumps, especially in areas that need more definition.

Focus on areas that would naturally be darker due to the hair's shape and position.

Like this, you can depict the hair with a rotating shadow style, giving it more depth and volume.

Focus on highlighting the most prominent parts of the hair, where it would catch the most light.

We won't go as far as adding high highlights yet.

If you want to further brighten some areas, pick a color one shade lighter than the base and...

...highlight the most protruding parts of the hair clumps. Notice how the side hair is illuminated similarly.

The side hair is flat against the face, so it doesn't need as much volume emphasis.

Just lightly brighten the areas and focus on the peaks of the hair clumps, adding more light to the most prominent parts.

This approach helps create a more three-dimensional effect in the hair.

Although I haven't completed the entire process, this should give you an idea of the differences between falling and rotating shadows.

You can use the already completed layers as a reference to practice and complete your coloring.

Should you always use rotating shadows for semi-realistic art or falling shadows for casual styles? Absolutely not.

Let's take a closer look at this illustration. The face is drawn in a casual, almost cartoon-like style, very flat with simplified features like the nose and mouth.

There's minimal shading on the face, except for obvious shadows like under the hair or inside the mouth.

However, when we look at the legs, the rounded shape of the calves is emphasized with rotating shadows.

Notice how the feet, being more frontal and prominent, are shaded to bring out their three-dimensional form.

The feet's shadows show the transition from light to dark as they curve away, enhancing their volume.

In this illustration, I've combined casual drawing styles with more volumetric shading in places like the legs and feet.

So, the overall style is casual, but with added depth in specific areas.

The hair, too, is shaded more in line with the falling shadow approach, with distinct shadows and less focus on volume.

The clothing, however, especially the ribbon, shows strong rotating shadows, moving from light to dark and back again.

This approach creates a unique style of coloring, blending casual with volumetric elements.

I've painted on the wrong layer again, let's switch back.

So, in your art, don't feel constrained to one type of shadow. Use what best suits your vision.

Whether you want to emphasize volume or keep it flat, adjust your shadow style accordingly.

Just a touch of rotating shadows can add depth to even the most casual of styles.

For this character, the contrast between the flat facial features and the more dimensional legs and feet creates a unique look.

I'll wrap up this lecture here. In the next session, we'll explore how to depict light, building on our understanding of shadows.

Remember, there's no one-size-fits-all approach to shadows. It's about what works best for your style and the effects you want to achieve.

This brings us to the end of today's lecture.

Even though my style leans towards the casual, I incorporate elements of volume and depth through selective use of rotating shadows.

This method allows me to create a unique style of coloring that combines casual line work with more complex shading techniques.

So, consider how you can use both falling and rotating shadows in your work to enhance your artistic expression.

In the next session, we'll delve into light and how it can be used to further enhance your artwork.

I encourage you to experiment with different shadow techniques in your art, whether you're aiming for a casual or a more detailed, volumetric look.

Thanks for joining today's lecture, and I look forward to seeing you in the next session where we'll explore the dynamics of light in art.